Silencio Chinmoku (沈黙 japonés para “Silencio”) es una novela de Japón de 1966 de ficción histórica escrita por Shusaku Endō. Es la historia de un misionero jesuita enviado a Japón en el siglo XVII, que sufrió persecución en la época de los Kakure Kirishitan (“cristianos ocultos”) que siguió a la derrota de la rebelión de Shimabara en 1637. Ganó el Premio Tanizaki por lo que se la llamó el “logro supremo de Endo”¹ y “una de las mejores novelas del siglo XX”². Escrita en parte en forma de una carta de su personaje central, el tema de un Dios silencioso que acompaña a un creyente en la adversidad fue muy influenciado por la experiencia católica de Endo de la discriminación religiosa en Japón, el racismo en Francia y la debilitante tuberculosis³ .

Argumento

Un joven jesuita portugués, Sebastião Rodrigues (basado en el personaje histórico Giuseppe Chiara), es enviado a Japón para socorrer a la Iglesia local e investigar las denuncias de que su mentor, el padre Cristóvão Ferreira, ha cometido apostasía.⁴ (Ferreira es una figura histórica, que apostató después de ser torturado y más tarde se casó con una japonesa y escribió un tratado contra el cristianismo).
Fray Rodrigues y su compañero Fray Francisco Garupe llegan a Japón en 1638. Allí se encuentra con la población cristiana local en la clandestinidad. Los funcionarios de seguridad obligan a los que se sospechan de ser cristianos a pisotear el fumie, que eran imágenes de Cristo y la Virgen María toscamente talladas. Los que se niegan son encarcelados y asesinados por anazuri (穴吊り), colgando boca abajo sobre un pozo y poco a poco van sangrado. Aquellos cristianos que pisan la imagen para permanecer ocultos están profundamente avergonzados por su acto de apostasía. La novela relata las tribulaciones de los cristianos y la creciente penuria sufrida por Rodrigues, que aprende más sobre las circunstancias de la apostasía de Ferreira. Por último, Rodrigues es traicionado por el Judas Kichijiro. En el clímax, cuando Rodrigues pisa un fumie, Cristo rompe su silencio: Sin embargo, el rostro era diferente de aquel en que el sacerdote había mirado tantas veces en Portugal, en Roma, en Goa y en Macao. No fue Cristo cuyo rostro estaba lleno de majestad y gloria, tampoco era un rostro embellecido por la resistencia al dolor, ni tampoco era una cara con la fuerza de una voluntad que se ha rechazado la tentación. El rostro del hombre que luego quedó a sus pies [en el fumie] fue hundido y totalmente agotado … La tristeza que había mirado hacia él [Rodrigues] como los ojos hablaban suplicante: ‘Pisotea! Pisotea! Cabe pisotearla por lo que estoy aquí’.⁵
Silencio recibió el Premio Tanizaki a la mejor literatura del año. También ha sido objeto de un amplio análisis.⁶ William Cavanaugh se refiere a la novela como de una “ambigüedad moral profunda”, debido a la representación de un Dios que “ha optado por no eliminar el sufrimiento, sino a sufrir con la humanidad”.⁷ Endo, en su libro Una vida de Jesús, afirma que la cultura japonesa se identifica con “uno que sufre con nosotros” y que “permite nuestra debilidad “, y así: “Con este hecho siempre en mente, he intentado no tanto para representar a Dios en la imagen paterna que tiende a caracterizar el cristianismo, sino más bien para representar el aspecto maternal de buen corazón de Dios que nos revela en la personalidad de Jesús”.⁸

Adaptaciones al cine

Masahiro Shinoda dirigió la película de 1971 Chinmoku, una adaptación de la novela ⁹.
El compositor y poeta Teizo Matsumura escribió el libreto y la música para una ópera con el mismo título, que se estrenó en el Nuevo Teatro Nacional de Tokio en 2000 ¹⁰.
En 2007, el director de cine estadounidense Martin Scorsese anunció su intención de dirigir una adaptación del libro que él había esperado hacer para una película en el verano de 2008 ¹¹ .
En 2009 se anunció en Empireonline.com que Daniel Day-Lewis y Benicio del Toro firmaron para protagonizar la adaptación de la película de Scorsese. En 2013 Andrew Garfield y Ken Watanabe se han unido a la adaptación de la película, que entra en producción en junio de 2014 ¹².
La novela inspiró la Simfonía No. 3 Silencio, compuesta en 2002 por el músico escocés James MacMillan ¹³   

Referencias

1. “Shusaku Endo’s Silence“ by Luke Reinsma, Response of Seattle Pacific University, Volume 27, Number 4, Autumn 2004.
2. We Have Never Seen His Face — PDF (121 KiB) by Brett R. Dewey for the Center for Christian Ethics at Baylor University, 2005, página 2.
3. Dewey 2005, página 3.
4. Cieslik, Hubert (1973). “The Case of Christovão Ferreira“. Monumenta Nipponica 29.
5. Shusaku Endo, Silence, trans. William Johnston (New York: Taplinger, 1980), páginas 175–6.
6. “Suffering the Patient Victory of God: Shusaku Endo and the Lessons of a Japanese Catholic” by Brett R. Dewey, Quodlibet: Vol 6 Number 1, January–March 2004.
7. “The god of silence: Shusaku Endo’s reading of the Passion – critique of the Japanese novel ‘Silence'” by William T. Cavanaugh, Commonweal, March 13, 1998.
8. “The Christology of Shusaku Endo” by Fumitaka Matsuoka, Theology Today, October 1982, página 295.
9. “Chinmoku (1971)”, Internet Movie Database (accessed 20 February 2010)..
10. “Tokyo NNT website” (accessed 15 February 2011).
11. “Next for Scorsese: 17th-century Japan” by Angela Doland, Associated Press, 24 May 2007.
12. http://variety.com/2013/film/news/andrew-garfield-to-star-in-martin-scorseses-silence-exclusive-1200470625/
13. “BBCSSO/Runnicles” by Rowena Smith, The Guardian, 28 April 2008.

Fuente: Wikipedia.

Diálogos de carmelitas (Dialogues des Carmelites) es una obra del escritor francés Georges Bernanos basado en la novela “La última en el cadalso” (Die letzte am Schafott) de Gertrud von Le Fort. Esta obra recrea la ejecución de las carmelitas de Compiègne, guillotinadas en la Place Nation durante el terror de la Revolución francesa.
El texto de Bernanos es conocido por el episodio del martirio de las dieciséis monjas carmelitas (incluyendo una novicia) del monasterio de Compiègne, una ciudad de Oise, que habían fundado las carmelitas descalzas de Amiens un siglo y medio atrás. La fundación del monasterio data de 1641, cuando hacía treinta y siete años que habían llegado a Francia, para iniciar la reforma, la beata Ana de San Bartolomé con Ana de Jesús y otras cuatro monjas españolas.
Fuente: Wikipedia.

El SWC 2017 iniciará el 19 de junio de 2017 y terminará el 22 del mismo mes con la Asamblea de Delegados. Si optas por hospedarte en la Residencia Universitaria de Laval:

• Tienes la posibilidad de elegir una habitación sencilla o doble (si compartirás tu habitación, necesitamos saber este dato, porque tu registro solo será aceptado cuando ambos completen su proceso de inscripción).
• Toma en cuenta que el baño y la ducha son compartidas y se localizan en un espacio común, afuera de las habitaciones.

Recuerda que a través de nuestras comunicaciones oficiales y redes sociales, estaremos publicando más información sobre el Congreso Mundial SIGNIS 2017. Síguenos en Facebook, Twitter y en el portal).

• ¿Cómo llegar a la Universidad?
  • Desde la estación del bus, tomar el autobús 800 (Dirección Ponte-de-Sainte-Foy) hasta la estación 1561 Station Université Laval.
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Los obispos de Papúa Nueva Guinea e Islas Salomón se adentran en el areópago de las redes sociales

Por Alejandro Hernandez-SIGNIS
Al menos quince jóvenes del Instituto Tecnológico Don Bosco de Port Moresby, guiaron a los obispos de la Conferencia Episcopal de Papúa Nueva Guinea y las Islas Salomón, en el mundo digital.
Muchos de los obispos, con un espíritu de apertura, crearon su primera cuenta de Facebook.
Esto como parte de un taller de comunicación, realizado en Port Moresby, capital de Nueva Guinea, organizado por CREC (Center for Research and Education in Communication), un centro especializado en comunicación, investigación y entrenamiento de medios, con el apoyo de los Servicios de SIGNIS en Roma (SSR).
El arte de contar historias fue el principio sobre el que los obispos reflexionaron, al ser ésta una de las formas más efectivas de comunicación humana.
Así, los obispos de la segunda isla más grande del mundo, compartieron elementos para desarrollar historias convincentes y ejercitaron estas habilidades frente a una cámara de video.
En los que muchos consideran son los nuevos areópagos del mundo, los obispos reflexionaron sobre los beneficios y riesgos de las redes sociales: Facebook, WhatsApp, Twitter, Google+…
Junto a los obispos, también su personal diocesano de comunicación participó en un taller de capacitación sobre producción de video, entrevista de radio, el arte de contar historias y redes sociales.
Así, comunicadores católicos de esta región del mundo, continuaron explorando la importancia de comunicar, para tocar la vida y el corazón de otras personas, aprovechando las nuevas vertientes y formas de comunicación, sin dejar de lado que lo más relevante, son aquellas historias de esperanza que pueden transformar, de manera profunda, la vida de la gente.
El Padre Fabrizio Colombo, Director de los Servicios de SIGNIS en Roma, fue el encargado de acompañar el taller con los obispos de Papúa Nueva Guinea y las Islas Salomón, mientras que en la capacitación para el personal diocesano de comunicación, fue acompañado por el Padre Ambrose Pereira y la Hermana Daisy Lisania.

Australia es una película australiano–estadounidense de aventura y romántica dirigida por Baz Luhrmann y protagonizada por Nicole Kidman y Hugh Jackman. Está situada en dicho país, Australia, en los albores del estallido de la Segunda Guerra Mundial. Australia es el primer largometraje de Luhrmann de una trilogía así como su último proyecto con su compañera creativa durante más de 20 años, su esposa Catherine Martin (coproductora y diseñadora de vestuario).
En los preámbulos de la Segunda Guerra Mundial, en septiembre de 1939, una aristócrata inglesa, Lady Sarah Ashley (Nicole Kidman) viaja al lejano continente para encontrarse con su marido y vender una extensa propiedad ganadera del tamaño de Bélgica llamada Faraway Downs. Al llegar al desolado lugar ubicado en las cercanías de Darwin, encuentra a su esposo muerto aparentemente por algún aborigen en unas ciénagas. El supuesto asesino que aparece como culpable es un aborigen llamado King George.
La propiedad está administrada por Fletcher (David Wenham), una especie de capataz que además ha concebido un hijo con una aborigen, llamado Nullah (Brandon Walters) el cual ya tiene 14 años y es quien abre la historia en forma retrospectiva al inicio del filme. Nullah es parte de las llamadas generaciones perdidas australianas (mezcla de blanco con aborigen).
Fletcher abusa de su autoridad con los aborígenes, a quienes desprecia y considera sub-humanos y Lady Ashley lo despide por sus reiterados abusos y principalmente por traspasar ganado a King Carney, un hacendado antagonista de la región y que tiene la hegemonía económica del norte australiano. Fletcher se retira y junto a él, todos sus hombres, dejando la hacienda sin hombres para arrear miles de cabezas de ganado que están dispersas en las praderas. Sólo queda un contador, un hombre dado a la bebida llamado Kipling Flynn. Afortunadamente Lady Ashley conoce a un aguerrido capataz, a quien llaman Drover o el Arriero (Hugh Jackman), un hombre muy al estilo del machismo australiano al que se une para salvar la tierra que ha heredado. Nullah pone la nota dulce en la historia al conquistar el corazón de la alguna vez aristocrática Lady Ashley.
Al ser Nullah un mestizo, es buscado por los “polizontes” (policía) y es obligado a esconderse en un tanque al lado de un molino que supuestamente no funcionaba. En una de estas situaciones, la mamá de Nullah, Daisy, se esconde con el; y unos rastreros abren unas de las válvulas del tanque ahora si en pleno funcionamiento, que acciona que el tanque se recargue. Al estar madre e hijo dentro del mismo, intentan desesperadamente salvar sus vidas: primero intentan salvarse trepando la escalera y esta se rompe cayendo nuevamente al depósito; luego tratan de sostenerse del flotador y también se rompe provocando que nuevamente ambos queden atrapados. Una vez que los “polizontes” se alejaron, el Arriero saca a ambos del tanque, pero lamentablemente Daisy fallece ahogada.
Lady Ashley decide continuar con el trabajo de su extinto esposo y llevar las reses a Darwin para hacer negocios con el ejército australiano que necesita carne en pie para sus tropas. Debido al testimonio de Nullah, quien había visto el cuerpo de Sir Ashley en las ciénagas cuando estaba sumergido, Lady Ashley sospecha de que su esposo no había sido asesinado por aborígenes, sino que quien ocasionó su muerte fue un blanco.
Juntos, Ashley, Droover, Kipling Flyn, el cocinero chino Sing Song y Nullah se embarcan en un viaje a través de cientos de kilómetros en una de las más bellas e inolvidables tierras, donde se verán acosados por Fletcher y sus hombres bajo las órdenes de Carney para impedir que las reses lleguen a destino. En algún momento, deberán atravesar un terrible desierto y contarán con la ayuda de Gulapa para atrevesarlo. En medio de la travesía, Lady Ashley se siente atraída a Drover y se establece una relación personal entre ellos.
Cuando llegan con las reses a Darwin, Carney no puede creer que Lady Ashley y Drover hayan podido atravesar el terrible desierto con miles de reses y no puede concretar el negocio con el ejército ya que Ashley las embarca primero que Carney, ganando el contrato. Sarah y Drover sienten una atracción y comienzan una relación, pero terminan discutiendo porque Nullah quiere irse con su abuelo.
Nullah es atrapado por la policía por ser mestizo y enviado a una isla de misioneros para educarlo como blanco. Fletcher asesina a Carney haciéndole aparecer como víctima de un ataque de cocodrilos y asume la fortuna y bienes de Carney casándose con Catherine, una de las hijas de éste.
Sin embargo, los japoneses traen la guerra a Australia y todos quedan atrapados en el bombardeo aéreo de la ciudad de Darwin inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor. En medio del caos dejado por el bombardeo, Drover rescata a Nullah perdiendo a Magarri, su mano derecha en sus aventuras y Fletcher es asesinado por Gulapa cuando este intenta disparar con un rifle a Nullah.
Finalmente Sarah no muere por una explosión y Sarah, el caporal y Nullah regresan a su hogar, al final Nullah inicia su viaje junto a su abuelo.

Reparto

Nicole Kidman es Lady Sarah Ashley, una aristócrata inglesa, que hereda un gran rancho australiano tras la muerte de su marido.
Hugh Jackman es un pastor australiano llamado caporal por sus conocidos que ayuda a desplazar el ganado a Lady Sarah Ashley hasta el otro lado del país.
Brandon Walters es Nullah, un niño mestizo de 14 años, hijo de Fletcher.
Essie Davis es Katherine Carney.
David Wenham es Neil Fletcher.
Jack Thompson es Kipling Flynn, un contador alcohólico, que goza de un lujoso estilo de vida.
Bryan Brown es King Carney, un hombre que posee gran parte de la tierra en el norte de Australia.
David Gulpilil es King George, un aborigen australiano, abuelo de Nullah.
Yuen Wah es Sing Song, un fiel cocinero chino.
Fuente: Wikipedia.

Cowspiracy: The Sustainability Secret es un documental del 2014, producido y dirigido por Kip Andersen y Keegan Kuhr. El documental explora el impacto de la ganadería en el medio ambiente e investiga las políticas de diferentes organizaciones ambientales al respecto. Dentro de las organizaciones investigadas en el documental se encuentran Greenpeace, Sierra Club, Surfrider Foundation, and Rainforest Action Network.

La película de Pedro Almodóvar se centra principalmente en la vida de dos hombres que se enfrentan a la soledad de la manera más cruda y cruel que puedan imaginarse. Dos almas heridas por el azar del destino, dos espíritus aparentemente muertos y convalecientes en camas hospitalarias a la espera de un milagro sobrenatural. La incomunicación, soledad, amistad y pasión irracional son temas de plena efervescencia en Hable con ella.

HUMOR Y DULZURA

Premio Oscar del año 2002, Hable con ella está interpretada por Javier Cámara, Leonor Watling, Darío Grandinetti, Rosario Flores y Geraldine Chaplin, entre otros. Guión y dirección de Pedro Almodóvar. Productor ejecutivo: Agustín Almodóvar. Directora de producción: Esther García. Director de fotografía: Javier Aguirresarobe. Montaje: José Salcedo. Música: Alberto Iglesias, y director artístico: Antxon Gómez.
En Le Nouvel Observateur se dijo: “Una gran película, de un humor y una dulzura fuera de lo común. Almodóvar ha firmado su más bella película. La nueva película de Almodóvar rehúsa con elegancia cualquier concesión al lloriqueo o sentimentalismo autocomplaciente. Después de Todo sobre mi madre, Almodóvar ha realizado una película aún más personal, más fuerte y conmovedora. Con cada una de sus películas consigue superar a la anterior, que en su momento ya juzgamos insuperable. Almodóvar es cada vez más grande, más sorprendente. Con Hable con ella ha alcanzado lo sublime”.
Fuente: Diario El País y Wikipedia.

Dirección: Dean Wright. País: México. Año: 2012. Género: Drama, bélico. Interpretación: Andy Garcia (general Enrique Gorostieta), Bruce Greenwood (embajador Dwight Morrow), Peter O’Toole (padre Christopher), Eva Longoria (Tulita Gorostieta), Oscar Isaac (Victoriano “El Catorce” Ramírez), Rubén Blades (presidente Plutarco Elías), Catalina Sandino Moreno (Adriana), Nestor Carbonell (mayor Picazo), Santiago Cabrera (padre Vega). Guion: Michael Love. Producción: Pablo Jose Barroso. Música: James Horner. Fotografía: Eduardo Martínez Solares. Montaje: Richard Francis-Solares. Diseño de producción: Salvador Parra. Vestuario: María Estela Fernández.
Reseña:
Una apasionante y conmovedora historia de gente que luchó por su libertad, por su identidad, por librar a su país de la tiranía.
Ha llegado por fin a nuestras pantallas la esperada “Cristiada”, que se ha estrenado con el título de “For Greater Glory”, traducible como “Para mayor gloria”. Se trata de una impresionante y conmovedora recreación de la Guerra Cristera mexicana y, en concreto, del martirio del niño de catorce años José Sánchez del Río. Temas difíciles, tratados con exquisitez y acierto, que convierten a esta película en una de esas cintas imprescindibles para la historiografía fílmica de la Iglesia.
Capital mexicano se pone al servicio de esta superproducción rodada en inglés, con la que debuta como director el estadounidense Dean Wright, nominado al Oscar 2006 a los mejores efectos visuales por “Las crónicas de Narnia: El león, la bruja y el armario”, y anteriormente conocido por sus trabajos en “Titanic” y en la saga de “El Señor de los Anillos”. Tras reunir varios guiones sobre la Cristiada o Guerra Cristera, el productor mexicano Pablo José Barroso contrató al guionista hollywoodiense Michael Love (“Gaby, una historia verdadera”, “Extraños caminos”, “La Leyenda del Tesoro”) para que unificase las historias, y afrontar así una producción de unos 12 millones de dólares en torno a las luces y sombras de aquellos sucesos, que llenaron de sangre las páginas de la historia de México y de la Iglesia católica en los años veinte del siglo pasado.
La película abarca desde el 14 de junio de 1926, con la promulgación de la ley anticatólica del presidente revolucionario Plutarco Elías Calles, hasta el acuerdo de 1929 entre México y Roma, propiciado por Estados Unidos, y que acabó con la primera y principal revuelta cristera. La llamada Ley Calles supuso de hecho el asesinato público de sacerdotes y laicos católicos, la destrucción de iglesias y la persecución a muerte de cualquier síntoma de religiosidad. Gran parte del pueblo creyente, y algunos sacerdotes, decidieron parar esa barbarie a toda costa, y acabaron empuñando las armas contra el Gobierno, principalmente en los Estados de Guanajuato, Colima, Querétaro, Michoacán y Jalisco. Comenzó así la Guerra Cristera, que dejó 70,000 muertos en ambos bandos y provocó el desplazamiento de unas 200,000 personas.
En el filme están nítidamente dibujadas las principales fisonomías que se pueden encontrar en una disyuntiva histórica como la Guerra Cristera: el mártir, el apóstata, el converso, el cura guerrillero, el cristófobo, el vengativo… Y la película deja muy claro que la posición del mártir es la más fiel a la vocación cristiana. Además, los personajes que encarnan cada una de esas opciones tienen un desarrollo dramático complejo, propio de un buen guion.
En la película hay tres mártires que sin duda son el punto más luminoso de toda la enorme galería de personajes: el niño José Sánchez del Río -muy bien interpretado por Mauricio Kuri-, su maestro el Padre Christopher -encarnado por un breve pero conmovedor Peter O’Toole-, y Anacleto González Flores, un abogado pacifista al que da vida Eduardo Verástegui. Aunque en los tres tiene luz propia la fuerza de su fe, es el caso del niño José el más impactante por su evolución, su radicalidad y también su dureza. José tiene muchas oportunidades de salvar la vida: sólo tiene que negar a Cristo. Pero ni la tortura ni el dolor de sus padres podrán disuadirle de gritar “¡Viva Cristo Rey!” hasta el momento final. Las tres muertes están rodadas con un cierto hiperrealismo, no morboso ni gore, pero su resultado es muy verista y estremecedor. De ellos, es el Padre Christopher el que deja más claro su rechazo de la violencia en nombre del Evangelio. José Sánchez del Río y Anacleto González Flores -denominado “el Gandhi mexicano”- fueron declarados beatos en 2005 por Benedicto XVI. Tres años antes, en 2002, Juan Pablo II había canonizado al sacerdote Cristóbal Magallanes y a otros mártires cristeros, sacerdotes y laicos, incluido el Padre José María Robles, que en la película interpretaba brevemente Raúl Adalid.
Otro personaje interesante es Enrique Gorostieta, un militar descreído que acepta liderar las tropas cristeras por dinero y ambición de poder. Pero los testimonios que descubre a su alrededor, y especialmente el del niño José, van a ir cambiando su corazón hacia el encuentro con la fe. Andy García interpreta brillantemente a este general, que sobre el papel podía resultar antipático al público, y que el actor de origen cubano hace atractivo desde el primer instante. Tanto Gorostieta como el combativo Padre Vega -encarnado por el venezolano Santiago Cabrera- representan la contradicción entre violencia y cristianismo. Ellos discuten sobre el asunto, y son conscientes de que sus decisiones necesitan del perdón de Dios. Hacen un camino de cierto arrepentimiento que les lleva hacia la confesión.
Esta cinta es muy coral, y ofrece un abanico de personajes llenos de matices: sacerdotes, niños, mujeres, bandoleros, verdugos…, algunos encarnados por formidables intérpretes como Eva Longoria, Catalina Sandino Moreno, Óscar Isaac, Bruce Greenwood o el cantante panameño Rubén Blades, como el Presidente Calles. Elogio especial merecen el fluido montaje de Richard Francis-Bruce (“Cadena perpetua”, “Seven”, “Oblivion”) y Mike Jackson (“Bangkok Dangerous”), la agobiante fotografía de Eduardo Martínez Solares (“Malos hábitos”), el esmerado diseño de producción de Salvador Parra (“Antes que anochezca”, “Volver”) y, sobre todo, la vibrante partitura de James Horner (“Braveheart”, “Titanic”, “Avatar”), similar a la que compuso en 1989 para Tiempos de gloria. J. O. (“Alfa y Omega”)/ J. J. M. Cope.
Fuente: www.almudi.org

Don Matteo

Don Matteo es una serie de televisión italiana que se emite en la RAI desde el año 2000.
El protagonista es el padre Matteo Bondini (interpretado por Terence Hill), sacerdote católico, párroco de la ciudad de Gubbio (Perugia), famoso por investigar crímenes locales. Don Matteo es una persona sabia y respetada que realmente se las arregla para entender los problemas de la gente, y siempre parece estar dispuesto a ayudar. Gracias a su encanto y positividad, a menudo ayuda a los delincuentes en su camino hacia la redención¹ y siempre les convence para que confesen sus crímenes y asuman sus responsabilidades.
El legendario cómico Nino Frassica es el oficial Antonino Cecchini, un policía de mediana edad que además es el mejor amigo de don Matteo.
Fuente: Wikipedia.

Spaguetti western

Uno se llama Carlo Pedersoli. El otro, Mario Girotti. Ambos fueron nadadores y de hecho precisamente en la piscina se conocieron, además de ganar títulos y medallas. Se llevan nueve años a favor de Pedersoli. Coincidieron por primera vez en la pantalla grande en 1967, para Dios perdona, yo no. Y desde entonces han regalado al público una dosis robusta de películas, bofetones y cucharadas de alubias. Por si aún no estuviera claro, dedicamos este capítulo a los inolvidables filmes estivales que nos han regalado Bud Spencer y Terence Hill.
Es justo con su primera aparición conjunta que Pedersoli y Girotti lanzan sus nombres artísticos. Así, el cartel de Dios perdona, yo no marca el nacimiento de dos futuras estrellas. “Me dieron una lista con 20 nombres y 24 horas para escoger uno. Elegí Terence Hill porque sonaba bien”, relata Girotti en su página web oficial. En cuanto a Bud Spencer, el nombre se debe a una cerveza de la que Pedersoli es muy fan y el apellido a su pasión por Spencer Tracy.
Con sus apodos flamantes, ambos actores protagonizan tres años después una de sus obras más famosas. Le llamaban Trinidad, de Enzo Barboni, catapulta en 1970 al estrellato a dos vaqueros hermanos que a las pistolas prefieren los manotazos. Al fin y al cabo, tampoco es que duelan menos que las balas. Como prueba, valga esta secuencia de Le llamaban Trinidad que contiene algunas  de las marcas de la casa: miradas cómplices, caras serias, pocas palabras y bofetones como si lloviera.
“Cuando actúo junto con Bud, es como si algo surgiera entre nosotros y conseguimos ser divertidos”, sostiene Terence Hill. Con esta receta, los dos exnadadores proponen un nuevo subgénero dentro del espagueti western: de la violencia y los tiroteos se pasa a la comedia, los mamporros y las alubias.  Como en Seguían llamándole Trinidad, secuela de 1972 en la que los hermanos empiezan atracando una diligencia y acaban arrasando en las taquillas de media Europa. El mismo resultado de Y si no… nos enfadamos, de 1974, en la que Hill y Spencer dejan las pieles de vaqueros para convertirse en mecánico y camionero, aficionados a las carreras de coches. Continúan, eso sí, las patadas y los diálogos míticos:
-¿Todavía estás enfadado?
-Sí.
-Y yo.
“Parece caca de cabra enana”. Firmado por Bud Spencer y referido al caviar. Justo lo que su compañero de toda la vida acaba de mezclar con champán, sal, pimienta y mantequilla. “Delicié, como se dice en París. ¿Sabes dónde está no?”, suelta Hill a Spencer, que le mira perplejo, tras terminar el cóctel de un trago. Con este, entre otros momentos, Estoy con los hipopótamos, de 1979, encierra la esencia de la pareja cinematográfica, que se traslada a Sudáfrica para acabar de un puñetazo con un traficante de animales. Se trata de la undécima película del dúo.
Fuente: Diario El País.

Casablanca es una película estadounidense de 1942 dirigida por Michael Curtiz. Narra un drama romántico en la ciudad marroquí de Casablanca bajo el control del gobierno de Vichy. La película, basada en la obra teatral Everybody comes to Rick’s (Todos vienen al café de Rick), de Murray Burnett y Joan Alison, está protagonizada por Humphrey Bogart en el papel de Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund. El desarrollo de la película se centra en el conflicto de Rick entre -usando las palabras de uno de los personajes- el amor y la virtud: Rick deberá escoger entre su amada Ilsa o hacer lo correcto. Su dilema es ayudarla o no a escapar de Casablanca junto a su esposo, uno de los líderes de la resistencia, para que este pueda continuar su lucha contra los nazis.
Es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía estadounidense, ganadora de varios premios Óscar, incluyendo el de mejor película en 1943. En su tiempo el filme tenía todo para destacar ampliamente, con actores renombrados y guionistas notables, sin embargo ninguno de los involucrados en su producción esperaba que este pudiese ser algo fuera de lo común. Se trataba simplemente de una de las docenas de producciones anuales de la maquinaria hollywoodense. Casablanca tuvo un sólido inicio pero no espectacular y, sin embargo, fue ganando popularidad a medida que pasó el tiempo y se fue colocando siempre entre los primeros lugares de las listas de mejores películas. La crítica ha alabado las actuaciones carismáticas de Bogart y Bergman y la química entre ellos, así como la profundidad de las caracterizaciones, la intensidad de la dirección, el ingenio del guion y el impacto emocional de la obra en su conjunto.
Casablanca se basa en la obra teatral Todos vienen al café de Rick (Everybody comes to Rick’s), de Murray Burnetty Joan Alison, que nunca fue puesta en escena. Cuando el especialista en análisis literario de la Warner Brothers Stephen Karnot leyó la obra, la calificó como una «tontería sofisticada»; no obstante, le dio el visto bueno. Enseguida la editora encargada de los guiones, Irene Diamond, convenció al productor Hal B. Wallis para que comprara los derechos por 20,000 dólares de la época, el precio más alto jamás pagado por una obra teatral que no hubiese sido puesta en escena. El proyecto de cine rebautizó la obra como Casablanca, quizás intentando imitar el éxito de la película de 1938 Argel. Así pues, el rodaje comenzó el 25 de mayo de 1942 y finalizó el 3 de agosto del mismo año, alcanzando un coste de producción de US$ 1 039,000 (US$ 75,000 por encima del presupuesto). El costo no fue excepcionalmente alto, pero sí superior al promedio de su tiempo.
La película se rodó completamente en estudios, excepto una secuencia en la que se muestra la llegada del mayor Strasser, que se realizó en el aeropuerto Van Nuys. La escenografía de la calle que fue usada para las escenas del exterior había sido recientemente construida para otro filme, The Desert Song, y tuvo que ser redecorada para los flashback de París. Dicho escenario permaneció en los almacenes de la Warner hasta los años sesenta. Por su parte, el set para el Café de Rick fue construido en tres partes inconexas, por lo que no se podría determinar en trazado lo que sería su planta. De hecho, en una escena se hace pasar la cámara a través de una pared desde el área del café hacia el interior de la oficina de Rick. El fondo de la escena final, el cual muestra un avión pequeño modelo L-12 Electra Junior de la compañía Lockheed con personal caminando alrededor, fue armado usando extras de baja estatura y un avión de cartón dibujado a escala. Se usó humo, simulando neblina, para cubrir la apariencia poco convincente del modelo. El crítico de cine Roger Ebert calificó a Wallis como la «clave del equipo creativo» por la atención que puso a los detalles de producción (hasta el punto de haber insistido en tener un loro de verdad en el bar del loro azul, Blue Parrot Bar, en inglés).
Por otra parte, la estatura de la actriz Ingrid Bergman causó algunos problemas. Bergman sobrepasaba por casi cinco centímetros a Bogart, por lo que el director Curtiz tuvo que elevar al actor sobre ladrillos o sentarlo sobre cojines en las escenas en las que aparecían juntos.
Los contratiempos alcanzaron al productor Hal B. Wallis cuando decidió, tras haber terminado el rodaje, que la línea final de la película sería: «Louis, pienso que este es el comienzo de una bella amistad» («Louis, I think this is the beginning of a beautiful friendship»). Bogart tuvo que ser llamado un mes después de finalizada la filmación para doblar la frase.
Más tarde se pensó en introducir una escena que mostrara a Rick y Renault junto a un destacamento de soldados franceses libres, en un barco, alistándose para incorporarse a la invasión de 1942 a África del Norte por parte de las tropas aliadas. Sin embargo, resultó muy difícil conseguir al actor Claude Rains para la filmación, y la idea fue definitivamente abandonada cuando otro productor, David O. Selznick, señaló que «sería un error tremendo cambiar el final».

Guion

La obra de teatro original se inspiró en el viaje a Europa que hizo Murray Burnett en 1938, viaje durante el cual pudo visitar Viena justo antes del Anschluss. Murray visitó también la costa sur de Francia en la cual co-existían, no sin dificultad, asentamientos de nazis y refugiados. Los locales nocturnos de la zona inspiraron, pues, tanto el Café de Rick (especialmente uno llamado «Le Kat Ferrat») como el carácter del personaje Sam, el pianista (basado en un pianista negro que Burnett vio en Juan-les-Pins). En la obra teatral, el personaje de Ilsa era una estadounidense llamada Lois Meredith y no encontraba a Laszlo sino hasta después de que su relación parisina con Rick había terminado. Además, en la obra de teatro el personaje de Rick era un abogado.
Los primeros escritores principales en trabajar en el guion fueron los gemelos Epstein, Julius y Philip, quienes eliminaron el trasfondo del personaje Rick y aumentaron los elementos de comedia. Después intervino el otro escritor reconocido en los créditos, Howard Koch, pero trabajando en paralelo con ellos y haciendo énfasis en otros aspectos. Koch resaltó los elementos políticos y melodramáticos. Según parece, fue el director Curtiz quien favoreció las partes románticas, al insistir en que permanecieran los flashbacks hacia París. Aun a pesar del gran número de escritores involucrados, el filme tiene eso que Ebert describió como un guion de «maravillosa unidad y consistencia». Más tarde Koch afirmaría que fue la tensión que hubo entre su propia visión y la de Curtiz la que motivó que «sorpresivamente, estos acercamientos desparejos de alguna manera se ligaron, y quizá eso fue debido en parte a este tire y afloje entre Curtiz y yo, que le dio a la película un cierto balance». Julius Epstein anotaría posteriormente que el guion contenía «más maíz que el que hay en Kansas y Iowa juntos. Pero cuando el maíz funciona, no hay nada mejor». La palabra inglesa original, corn (maíz) también se refiere, en el slang, a un tipo de humor tonto, gastado, banal y sentimental.
El filme se topó con algunos problemas cuando Joseph Breen, miembro del cuerpo de autocensura de la industria hollywoodense (el Production Code Administration), expresó su oposición a que el personaje del capitán Renault solicitara favores sexuales a cambio de visados y a que los personajes de Rick e Ilsa hubieran dormido juntos en París. Ambos puntos, de todos modos, permanecieron de manera implícita en la versión final.

Dirección

La primera opción del productor, Hal Wallis, para dirigir la película fue William Wyler, pero como no estaba disponible Wallis decidió escoger, tras barajar varios nombres, a su amigo, el director Michael Curtiz.
Curtiz era un judío emigrante de origen húngaro, que había llegado a los Estados Unidos en los años veinte y que contaba entre sus familiares a refugiados provenientes de la Europa Nazi. A decir de Roger Ebert, en Casablanca «muy pocas escenas son memorables en cuanto tales…», Curtiz se estuvo preocupando de usar las imágenes para contar una historia más que de usarlas por sí mismas.
De cualquier manera, el director tuvo poca influencia en el desarrollo de la trama: de acuerdo con Casey Robinson, Curtiz «no sabía nada de nada acerca de la historia… él veía imágenes y tú proporcionabas la historia». El crítico Andrew Sarris calificó la película como «la más decisiva excepción a la teoría de autor», a quien Aljean Harmetz replicó que «casi todas las películas de la Warner Bros. fueron una excepción a la teoría de autor». Sin embargo, otros críticos le dan mayor crédito a Curtiz; Sidney Rosenzweig, en su estudio sobre el trabajo del director, aprecia en el filme un ejemplo típico del modo en que Curtiz resalta los dilemas morales. Los montajes de la segunda unidad, tales como la secuencia de apertura del tren de refugiados y la que muestra la invasión de Francia, fueron dirigidos por Don Siegel.
Fuente: Wikipedia.