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Crítica de filmografía

Unplanned

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UNPLANNED

De directiva abortista a líder provida: La vida de Abby Johnson

La vida de Abby Johnson, la exdirectora de una clínica de Texas de la multinacional abortista Planned Parenthood, quien años más tarde se convirtió en líder provida, ha llegado a las salas de cine con la película Unplanned, traducida al español como “Inesperado”.
El filme, escrito y dirigido por Cary Solomon y Chuck Konzelman –escritores de la película cristiana “Dios No Está Muerto”–, se estrenó en los cines Estados Unidos y será distribuida por Pure Flix, una compañía de contenido audiovisual cristiano estadounidense.
La historia del filme girará en torno a la vida de Abby, quien durante casi una década trabajó como la directora del centro de abortos ubicado en Bryan/College Station (Texas), pero cuya vida cambió para siempre al escuchar los latidos del corazón de un bebé durante uno de los procedimientos en los que participó.
El sitio web oficial señala que “Inesperado” permite “abrir los ojos dentro de la industria abortiva a través de una mujer quien fuera entonces su defensora apasionada”, que estuvo involucrada en alrededor de 22 mil abortos, pero que “llegó a ser una ferviente líder provida en América” y hoy se encuentra en “ambos lados de la conversación”.
“‘Inesperado’ es la película más impactante que puedas ver sobre un tema tan controversial en nuestros tiempos. No importa de qué lado de la cerca estés, nadie saldrá inafectado de esta película sobre el recorrido de Abby”, concluye la presentación.
Shawn Carney, director y cofundador de la exitosa campaña 40 Días por la Vida, en Estados Unidos, comentó que “después de ver la transformación de Abby, desde dirigir una clínica de Planned Parenthood hasta ayudar a mujeres y salvar vidas, creo que cualquiera puede cambiar su manera de pensar sobre el aborto”.
Por su parte, Tony Sands, uno de los líderes de las Right to Life Leagues (Asociaciones por el Derecho a Vivir) aseguró esta es una “película conmovedora acerca del recorrido de una mujer que captura tu corazón y no lo deja ir”.
“Inesperado corta la retórica y la política para contarnos la historia sobre una infiltrada que vio la verdad y como su vida se transformó”, concluyó.
Fuente: ACI Prensa.

Santa Rosa

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santa rosa

Por Gonzalo Portocarrero– Diario El Comercio.
Empiezo felicitando a Augusto Tamayo por su último filme, “Rosa mística”, que, siendo una creación personal, arroja una figuración muy plausible de Rosa de Lima (1586-1617), un retrato que nos ayuda entender los ánimos encrespados de su época, tan saturada de fantasmas punitivos como de luchas por la salvación. Hago extensivas estas congratulaciones al elenco de artistas que da vida a los personajes de la historia. Fiorella Pennano despliega, en el papel de Santa Rosa, una actuación muy convincente. Igual que Alberto Ísola, Bruno Odar y Miguel Iza, actores plenamente cuajados en la plenitud de sus capacidades histriónicas. Finalmente me detengo en lo bien logrado de la dirección de arte y en la escenografía, aspectos que siempre han estado bastante cuidados en la filmografía del director.
La época que se retrata en el filme corresponde al inicio del período barroco, cuando se hace patente el fracaso de la ilusión de conseguir un hombre autoequilibrado gracias a la identificación con los ideales de la antigüedad. Entonces, la Iglesia Católica asume el compromiso de imponer una moralidad basada en la amenaza de terribles castigos. Pero a esta política le faltó quién le hiciera caso, sobre todo en las Indias. No pudo contener la sensualidad ni la tendencia al abuso. La coexistencia de una intensa religiosidad en las minorías con una inclinación por la transgresión sistemática en los mundos sociales más amplios impulsó un ánimo sombrío y pesimista. La historiadora María Emma Mannarelli ha identificado este patrón con una suerte de desborde pulsional del siglo XVII, patente en las altas tasas de ilegitimidad y en la falta de matrimonios estables.
Esta ansia de santidad caló sobre todo en las mujeres, mientras que la mayoría de hombres estuvieron comprometidos en la búsqueda del placer a cualquier precio. En cualquier caso, la conciencia dolida de no estar a la altura de los mandatos exigidos se aliviaba con los rezos (femeninos) que, en los conventos, permitía que las condenas al purgatorio fueran relativamente leves para todos los que podían donar para el financiamiento de misas y oraciones. De allí que el mundo colonial dedicara muchos de sus recursos a la salvación de las almas. Otro desarreglo fundacional en ese mundo era el maltrato y la explotación de los indígenas, una práctica que constituía la negación directa del evangelio.
En su infancia, cuando vivía en Quives, Santa Rosa fue testigo, según Luis Millones, de esta violencia que debe haberle chocado por la seriedad con la que ella tomaba el evangelio como palabra que compromete. Digamos que Rosa era alguien que estaba buscando a Dios pero que no podía encontrarlo en un medio donde la influencia del evangelio estaba tan menoscabada. De allí que Santa Rosa apuesta por una comunión directa con él, a través de la repetición en su cuerpo de los sufrimientos de Jesús.
El filme de Tamayo nos presenta a Santa Rosa ardiendo de impaciencia por seguir la pasión de Jesús. No obstante sus confesores le advierten que podría estar dejándose llevar por los consejos del “maligno”. Su búsqueda podría estar más nutrida por la soberbia que por una humildad auténtica. Entonces su consejo es que su entrega es sospechosa y que ella tendría que cimentar sus sentimientos sobre la base de la sujeción y de la caridad. En vez de la obsesión por el asalto al cielo, se trataba de cuidar enfermos y proteger a los desvalidos. Consejo –o advertencia–, que sigue, no con la mejor gana, sino como una renuncia a sus impulsos. La tensión del filme se construye pues entre las ganas de Rosa de santificarse a través del sufrimiento y el deber de compartir que le toca por ser cristiana.
Pienso que esta tensión es muy actual y que el filme pudo aspirar a referirse a las jóvenes contemporáneas. Hoy estamos también en un tiempo de mujeres. El afán de protagonismo y cambios se halla sobre todo entre las más jóvenes, decididas a combatir las injusticias del patriarcado. Ellas son las animadoras más resueltas a propulsar cambios en las relaciones de género que hagan a todos y todas más humanos y sensibles para que así no nos dejemos arrebatar la poca felicidad que podemos lograr en nuestras vidas. Pero Tamayo opta por una narrativa histórica, que resulta difícil de seguir por lo desactualizado de su problemática y su ritmo lento.

Coco

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Coco: Celebración de la vida

En México, la muerte no es sino la prolongación de la vida. Una no existe sin la otra y los mexicanos lo saben. De ahí que la celebración del día de muertos sea tan especial a la vez que espeluznante, si se desconoce su verdadero significado. Coco, la nueva producción de Disney Pixar es una pequeña muestra del sinfín de tradiciones y misterios que envuelven a México cada 1 y 2 de noviembre, cuando el país entero se cubre por un manto de flores y banderitas de papel picado.
Escena de la película de animación 'Coco'.Para la producción de Coco, el director, Lee Unkrich visitó México de forma continua entre 2011 y 2013. Allí, a través de numerosos intermediarios, se fue empapando de la cultura del país. El resultado, una maravillosa película plagada de tradiciones. Una película americana muy mexicana. Si jamás has visitado México ni conoces a ningún mexicano y, por consiguiente, las costumbres del día de muertos, Coco es una oportunidad para transportarte a aquel país, incluso por la falta de doblaje que tendrá en España, donde la película se proyectará en su versión original con Gael García Bernal, entre otros.
Fuente: Diario El Mundo.
Escena de la película de animación 'Coco'.

Celebración de la vida

Con 27 premios Oscar ganados, la compañía Pixar, especializada en animación generada con computadoras, viene revolucionando desde hace más de veinte años las películas de animación y entregándonos historias y personajes que calan profundamente en el imaginario colectivo y global. Desde Toy story (1995) hasta Cars (2006, 2011 y 2017), pasando por verdaderos clásicos como Monsters Inc. (2001), Buscando a Nemo (2003), Los increíbles (2004), Wall-E (2008), Up (2009) e Intensa-Mente (2015), entre otros títulos, la trayectoria de Pixar resulta verdaderamente ejemplar. A esos títulos se suma ahora Coco (2017), una muy lograda aproximación a la cultura mexicana, en especial a su tradicional Día de los Muertos, que ya es un éxito mundial de taquilla y de crítica.
La historia que se cuenta es la del niño Miguel Rivera, quien vive con su familia (varias generaciones de ella) en una casa en un pequeño pueblo mexicano. Miguel tiene una gran vocación musical, pero en su familia la música está prohibida debido a que el tatarabuelo de Miguel, un exitoso guitarrista y cantante, abandonó a Mamá Coco (bisabuela de Miguel) cuando era una niña. A pesar de la prohibición, Miguel quiere participar en un concurso de talentos que se realizará en el Día de los Muertos; aunque para hacerlo deba ir (acompañado por su perro Dante) hasta el propio mundo de los muertos, aquí representado como un México de mediados del siglo XX (en la llamada “edad de oro” del cine mexicano). Ahí el niño se encontrará con sus ancestros y también con el espíritu de Ernesto de la Cruz, el músico y actor más famoso de la historia de México, a quien Miguel siempre ha admirado.
Este apretado resumen no hace justicia a una trama rica en peripecias y giros sorpresivos, y que además nos brinda momentos de intenso dramatismo; como aquel en que la senil Coco recuerda la canción que le cantaba su padre (“Recuérdame”), cuando ella era una niña. Pero no es eso lo más destacable de la película, sino su apuesta por los valores y tradiciones: la música como arte y elemento de unión, la perseverancia en la forja del destino personal, la familia como elemento de identidad y núcleo de la sociedad; pero especialmente las tradiciones propias de la cultura mexicana (en este caso enfocadas en la festividad del Día de los Muertos): mitos, leyendas, seres fabulosos, costumbres, ritos. Todo ello mostrado de una manera divertida, pero con mucho respeto y empatía.
Hay mucho que comentar sobre esta película dirigida por Lee Unkrich (Ohio, 1967), quien antes ha participado en mucho de los proyectos de Pixar, pero que por primera vez asumió la mayor responsabilidad de una película con Toy Story 3(2010). Entre los logros de Unkrich en Coco está ese “luminoso” universo de los muertos, al que ha sabido quitarle casi todos los aspectos terroríficos; pero no su esencia, ya que se enfatiza repetidamente que es el último lugar de la existencia humana (como en el caso del anciano que “desaparece” al ser olvidado por sus parientes). Y también dignificar a personajes como la anciana Mamá Coco (por su importancia le da nombre a la película), casi inmóvil y con un rostro lleno de arrugas. En suma, una gran película, una verdadera celebración de la vida, recomendable para todo tipo de público y que refuta esa vieja máxima que dice que los buenos sentimientos siempre generan arte malo.
Fuente: www.elmontonero.pe

El último virrey de la India

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El ultimo virrey de la India

Adiós a la joya de la corona

Por JORDI COSTA-Diario El País.
Para Gurinder Chadha, directora de Quiero ser como Beckham (2002), la llegada de Lord Mountbatten a Nueva Delhi para gestionar el proceso de independencia de la India tras el dominio colonial no es solo un hecho histórico, sino el contexto de un doloroso episodio de la memoria familiar que se hace explícito en los créditos finales. El último virrey de la India intenta conciliar ese doble percepción de la Historia –la objetiva y la personal-, pero lo resuelve con la palmaria torpeza de machihembrar una recreación didáctica del proceso, atravesada de una contradictoria nostalgia imperialista, con los modos de un melodrama sobre el tema de los amantes separados por irreconciliables diferencias de origen: aquí, un hindú y una musulmana ejercen de declinación funcional de Romeo y Julieta sobre un paisaje que es el germen de heridas que siguen sangrando en el presente.
Un fetichismo colonial con el membrete de exquisitez de una megaproducción de la BBC –cada pieza de cubertería parece elegida con la obsesiva precisión de un comisario de museo- envuelve, pero no camufla, las ingenuidades de una simplificación del juego de tensiones a través de las voces de la servidumbre y el desaforado sentimentalismo de un clímax que confunde intensidad con aspaviento. Levantada sobre una paradoja ideológica esencial, El último virrey de la India ofrece un generoso material para psicoanalizar la herencia de amor/odio que el Imperio británico dejó en la psique de una cineasta procedente de una familia golpeada por la cesión de territorio indio a Pakistán.

Almirante Luis Mountbatten

Louis Francis Albert Victor Nicholas George Mountbatten, primer conde de Birmania, KGGCBOMGCSIGCIEGCVO, DSO, PC (Frogmore HouseWindsor1900– República de Irlanda1979), fue un noble, oficial de la Royal Navy, político y diplomático británico.
Fue el primer gobernador general de la Unión de la India, entre agosto de 1947 y junio de 1948, hasta el establecimiento de la actual República de la India.
Desde su nacimiento hasta 1917, año en que numerosos miembros de la realeza británica cambiaron sus tratamientos y títulos alemanes, Luis Mountbatten fue conocido como su alteza serenísima el príncipe Luis de Battenberg.
Mountbatten era hijo de Luis, príncipe de Battenberg, y de la princesa Victoria de Darmstadt.​ La madre de Luis Mountbatten era la hija mayor de la princesa Alicia, segunda hija de la reina Victoria, y de Luis IV, gran duque de Hesse, y por tanto era bisnieto de la reina Victoria del Reino Unido. Sus abuelos paternos fueron Alejandro de Hesse-Darmstadt y Julia de Hauke, cuyo matrimonio fue morganático porque ella no pertenecía a un linaje real, motivo por el cual tanto Luis de Mountbattenn como su padre tuvieron el tratamiento de alteza serenísima en lugar de alteza gran ducal, no pudiendo llevar el título de príncipes de Hesse, aunque en su lugar se les otorgó el de príncipes de Battenberg, de menor importancia. A través de la familia real de Hesse, su padre y su madre eran primos, ya que el padre de él era hermano del abuelo paterno de ella. Se conocían desde la infancia, y entre ellos siempre hablaban inglés.
Sus hermanos fueron Alicia de Battenberg (esposa del príncipe Andrés de Grecia y madre del príncipe Felipe, duque de Edimburgo), la reina Luisa de Suecia y Jorge Mountbatten, segundo marqués de Milford Haven.
De joven, la familia y los amigos lo apodaban “Dickie”, aunque entre sus nombres no estaba el de Richard, debido a que su bisabuela, la reina Victoria, había sugerido el apodo de “Nicky”, que se cambió por “Dickie” para evitar la confusión con los muchos “Nickys” de la Familia Imperial Rusa, y en concreto con el zar Nicolás II de Rusia, apodado así.
Mountbatten fue educado en su casa durante los primeros diez años de su vida, y después en la Lockers Park School de Hertfordshire y en el Royal Naval College de Osborne desde mayo de 1913. En su infancia visitó la Corte Imperial Rusa en San Petersburgo y llegó a ser íntimo de la Familia Imperial Rusa, albergando sentimientos románticos hacia la gran duquesa María, cuya fotografía mantuvo siempre consigo toda su vida.
En 1947 sucedió a lord Wavell como último virrey de la India británica. Por orden del primer ministro británico de la época, Clement Attlee, llevó a cabo el proceso de transferencia e independencia de la India británica y la división de la misma en los dos estados actuales de India y Pakistán. Fue también el primer gobernador general de la India independiente por solicitud de su primer ministro, Jawaharlal Nehru, cargo que ocupó hasta junio de 1948.
Mountbatten solía pasar sus vacaciones en Mullaghmore, Condado de Sligo, en las costas de Irlanda. Mullaghmore se encuentra a solo 19 kilómetros de la frontera de Irlanda del Norte y cerca de una zona conocida por servir de refugio al grupo terrorista IRA.
A pesar de los consejos y advertencias de la Garda, el 27 de agosto 1979, Mountbatten decidió ir a pescar en un barco que había estado amarrado en el puerto de Mullaghmore. Durante la noche, Thomas McMahon, miembro del IRA, penetró en el barco, que no estaba vigilado, y colocó una bomba con 23 kg de explosivo que hizo detonar por control remoto cuando el barco se encontraba a unos cientos de metros de la orilla en dirección a la bahía de Donegal.El barco resultó destruido por la fuerza de la explosión, y aunque Mountbatten fue rescatado con vida por unos pescadores, murió a causa de las graves heridas antes de llegar a tierra.​ En el barco también se encontraban su hija mayor Patricia y su marido John (lady y lord Brabourne), así como sus hijos gemelos Nicholas y Timothy Knatchbull, la madre de John, Doreen, y un joven tripulante llamado Paul Maxwell. Nicholas, de 14 años, y Paul, de 15, murieron en la explosión, y los demás quedaron gravemente heridos.​ La madre de lord Brabourne, de 83 años, murió al día siguiente.
Fuente: Wikipedia.

La dictadura perfecta

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Imagen relacionadaLa dictadura perfecta es una película mexicana de 2014 del género comedia y sátira política. Fue dirigida y producida por Luis Estrada y tiene un guion original de Estrada en colaboración con Jaime Sampietro. La película está protagonizada por Damián Alcázar, Joaquín Cosío, Alfonso Herrera, Dagoberto Gama, María Rojo y Salvador Sánchez. Fue elegida por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), para representar a México en la entrega XXIX de los Premios Goya 2015, en la categoría de Mejor película iberoamericana.
Cuando el presidente de la república comenta que los mexicanos son mejores que «los negros» en la recepción de las cartas credenciales del embajador Ford de los Estados Unidos, y a su vez causa furor en pocas horas en las redes sociales, siendo objeto de burlas así como memes y sátiras en todos los medios de expresión posibles, este envía un mensaje a Televisión Mexicana (TV MX) pidiendo que desvíen la atención del público de este error. Así, Televisión Mexicana lanza un vídeo que involucra crímenes del gobernador Carmelo Vargas en el noticiero estelar 24hrs en 30min conducido por el célebre Javier Pérez Harris. Intentando que su imagen no se vea perjudicada por estos escándalos, el gobernador Vargas decide negociar con la televisora para limpiar su imagen y ser convertido en una estrella política.
Carlos Rojo, productor de noticias de Televisión Mexicana, y Ricardo Díaz, reportero estrella del canal, son enviados al Estado donde gobierna Carmelo Vargas para realizar una serie de reportajes en los que se muestren las buenas obras que ha realizado en sus años de gobierno (no sin antes ser recibidos por un grupo de narcotraficantes con los que se presume están coludidos, pacificando todo piden incluso la foto con el reportero estrella). Ahí, Carlos Rojo se encontrará con el diputado Agustín Morales, el líder del partido albiazul de oposición, quién decide ante el Congreso Estatal pedir la renuncia de Vargas. Sin embargo, tras recibir un atentado en el que casi pierde la vida dentro del mismo Congreso, Carlos Rojo y el gabinete deciden buscar una noticia que sirva para distraer a la gente de este evento, y que a la vez se identifique con ella.
Ana y Elena Garza, dos pequeñas gemelas son secuestradas ante el descuido de su nana. La información llega a la Procuraduría de Justicia del Estado, donde el equipo de Televisión Mexicana decide aprovecharse de esta situación para mantener esta noticia al aire con un continuo seguimiento durante varios días. El gobernador comienza a organizar operativos de búsqueda fingiendo interés por la situación. Además, Carlos Rojo obliga a Lucía y Salvador Garza a firmar un contrato de exclusividad para Televisión Mexicana donde aceptan que solo podrán ser entrevistados por esta televisora. Mientras avanzan los días, la población del país es conquistada por esta noticia, convertida en nacional, que junto con la telenovela estelar Los Pobres también Aman, consigue distraer a la población que no se imagina toda la serie de injusticias que se cometen para poder mantener este plan en pie.
El diputado Morales, ya casi recuperado es citado una noche por el vocero y ahijado del Gobernador Vargas para entregarle los contratos que tiene TV MX con el gobernador, por lo que el diputado se reúne con Carlos para reclamarle sobre lo sucedido y pedirle 10 minutos en el noticiero de Pérez Harris para presentar más pruebas contra Vargas, Carlos confundido le comunica a su jefe José Hartmann sobre lo sucedido, este le dice que le confirme al diputado de su participación en el noticiero, Vargas se entera de que su ahijado fue quien daba las pruebas en su contra, por lo que lo asesina delante de Carlos. En el noticiero habían inventado un escándalo de violación y corrupción de menores por parte del diputado Morales para dañar su imagen, el diputado siendo victima de tal calumnia se enfurece y es sacado del estudio, más tarde es asesinado (Haciéndolo parecer un suicidio) en su habitación del hotel en el que estaba hospedado mientras hacia twitcam para dar testimonio de la corrupción de TV MX.
Cuando un testigo comenta que reconoce a los secuestradores de las niñas, TV MX cambia su estrategia; Pérez Harris, pide en su noticiero a nombre de Televisión Mexicana, y de la fundación “Sí se puede”, a que se envíen donativos para lograr recaudar el millón de dólares que piden los secuestradores como rescate. Cuando las niñas son entregadas a la policía por Doña Chole, una cómplice de los secuestradores, y los padres se niegan a ser grabados y entrevistados, dando como resultado la falta de un final, se realiza un montaje donde se finge el rescate de las niñas como si de un operativo se tratase, la farsa resulta ser un éxito desviando la atención de los fallos anteriores. Así Carmelo Vargas es aclamado por el público y la familia Garza avala su apoyo. Mientras tanto el presidente de la república es entrevistado en vivo sobre el aumento de los precios de la canasta básica, a lo que responde que el no es «la señora de la casa», como para poder predecir el efecto que tendrá este aumento. Evidentemente el conductor del noticiero no puede evitar reír por lo jocoso y vergonzoso de la situación motivo por el cual es sacado del set al terminar el noticiero. Acto seguido después de este episodio y un tiempo después se reestructura el esquema de noticieros de TV-MX. Quedando el reportero estrella a cargo del noticiero mientras parte de su personal queda a cargo de otras tareas de importancia más aún al ir a comerciales en TV MX se muestra un anuncio de Celmex donde se indica que a pesar de todo el pueblo se mantiene unido y un spot del ahora candidato a la presidencia Carmelo Vargas junto a la actriz de la misma telenovela quien fungió como la potencial primera dama.
Dos años después, Carmelo Vargas logra ser presidente de la república habiendo participado como candidato de la coalición “Unidos por México” de los tres partidos más importantes del país. Este toma posesión el 1° de diciembre de 2018, siendo ahora presidente por los próximos 6 años, y siendo la primera dama, Jazmín, la actriz estrella de TV MX. La familia Garza sale en el programa TV MX, y anuncia la firma del contrato para que sus gemelas salgan en la próxima telenovela estelar.
Fuente: Wikipedia.

Cine sociológico

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Ranking Películas Sociología

Este ranking de películas sociológicas recoge lo mejor del séptimo arte para aprender Sociología. Muchas películas o escenas son idóneas para enseñar teorías sociológicas. Antes de empezar, señalo que ningún comentario da detalles sobre el final ni el clímax de la película para no arruinar su visionado. No hay spoilers. Los vídeos muestran el trailer o enlaces a la película completa.

10. American Psycho

Película basada en la novela con homónimo nombre que retrata a la vez que critica sutilmente el mundo superficial de los yuppies (jóvenes profesionales urbanos) de los años 1980. Una generación que al tiempo que creció, murió. Y en la película se aprecia. Es de esas películas que tras verla hablas con amigos y colegas. Tiene escenas violentas, pero que no te espante, se ve más violencia en las noticias que dan diariamente por la tele. Posiblemente si la película no hubiera sido tan violenta, Christian Bale hubiera ganado el Oscar de actor principal. Aquí puedes ver una escena inicial y más abajo la película completa.

Enlace a la película completa, en español o subtitulada.

9. La Ola (Die Welle)

Seguramente el largometraje que más ponen en clases de Sociología en cualquier lugar del mundo. Película alemana donde se aprecia cómo se construye la comunidad, la identidad y el poder. Excelente para una introducción a la sociología y para comprender cómo se forman los movimientos sociales a partir de nombres, símbolos, lazos fuertes, ropa… Imprescindible verla. Aquí puedes ver la película online. Enlace a la película La Ola. Cuando la hayas visto puedes leer esta web donde se debate sobre el film y su contenido (discusión de La Ola). Está inspirada en el experimento de un profesor en EEUU denominado La Tercera Ola

 

8. Kick-Ass 2

¿Kick-Ass 2 es una película para aprender Sociología? Absolutamente sí. Segunda entrega sobre cómo unos adolescentes marginados en su instituto de secundaria deciden convertirse en superhéroes para defender a los inocentes. Aunque parece una película estúpida (y puede que lo sea) refleja de forma excelente lo que es la adolescencia en la década del 2010 y los problemas escolares de integración, popularidad, reconocimiento, redes sociales, identidad e idolatría. Temas que no ha sido tan investigados desde la óptica de los adolescentes por la Sociología. Aconsejo no prejuzgarla y prestar atención a los dilemas que afrontan los adolescentes, los cuales suelen ser estupideces, pero para ellos (y todos hemos sido adolescentes) son asuntos de vida o muerte.

7. Familia

Como su nombre indica es una película sobre la familia. Quizás la que mejor ha conseguido reflejar y condensar en una hora y media los diversos asuntos que surgen en la institución de la familia. Cuando la veáis sabréis por qué a Erving Goffman le hubiera encantado. Espero que a vosotros también. 100% obligatoria en una clase de Sociología de la Familia. Aquí puedes ver la película completa. 

6. No 

En 1988 tuvo lugar un plebiscito para decidir si el dictador Augusto Pinochet seguía 10 años más como jefe del Estado de Chile. Tras 15 años de dictadura militar y sangrienta (miles de desaparecidos), Pinochet buscaba legitimidad y se sometió a un plebiscito con la garantía que iba a ganarlo y así perpetrase en el poder. Si ganaba el SÍ seguía en el poder, si ganaba el NO debía renunciar. Esta película trata sobre la campaña electoral de los partidarios del NO. Buenas reflexiones sobre comunicación y sociedad, sobre los problemas de los partidos de izquierda en conseguir adeptos para su causa, y sobre cómo movilizar a la sociedad. Dicen los sociólogos Luc Boltanski y Eve Chiapello en “El nuevo espíritu del capitalismo” que el fracaso de los movimientos contra el capitalismo ha sido su separación de los movimientos artísticos. Esta película tiene algo de ello. Aquí puedes verla completa.

5. Yo, robot (I, robot)

La sociología del futuro es la rama que se centra en comprender las sociedad del mañana. Como me enseñó mi mentor, no hay mejor manera de entender y analizar el futuro que visualizando largometrajes sobre cómo viviremos, cómo nos organizaremos y quién nos gobernará. Esta película protagonizada por el archifamoso Príncipe del Bel-Air, Will Smith, no es la mejor que recrea el futuro, pero sí es la mejor película que plantea las relaciones entre las máquinas y los humanos, y las relaciones sociales entre las mismas máquinas, incluso la relevancia de la religión para las máquinas. Al ser una película de acción puede que no se le haya dado la relevancia que merece. Sea como fuere, es muy recomendable. Aquí el tráiler.

4. Tropa de Elite. La primera y segunda parte

Tremendo film sobre corrupción, política, crímenes, fuerzas de seguridad, universidad y cómo funcionan las instituciones desde la narración del Capitán Roberto Nascimento de la BOPE, una  sección de la policía de Rio de Janeiro. A mi parecer, mucho mejor que la famosa Ciudad de Dios ya que aporta una visión más global y sobre todo cómo diferentes partes de la sociedad (universitarios, policías, y políticos) perciben los problemas de las favelas. A mi parecer es mejor la segunda parte que la primera, pero no se puede entender la segunda sin la primera. Recomendable ver las dos partes. La película sirve para entender las teorías de las elites extractivas de Acemoglu y Robinson, pero también sobre un fenómeno urbano común, la división de las ciudades en dos partes casi aisladas una de otra. En este enlace puedes ver la primera parte (Tropa de Elite) y la segunda (Tropa de Elite 2). 

 

3. El Odio (La Haine)

Esta película francesa muestra un día en la vida de tres jóvenes que viven en los suburbios de París. Se podría resumir en que no pasa nada y pasa todo. Durante el film se aprecian temas como la clases sociales, racismo, territorio, juventud y la vida de barrio desde los excelentes diálogos y paradojas que ocurren. Excelente el guión y extraordinaria la música. Solo una anécdota sin importancia: los nombres de los protagonistas en la película son los nombres reales de los actores. Está rodada en blanco y negro.

 

2. When we were kings (Cuando eramos reyes)

No es propiamente una película sino un documental sobre la pelea de boxeo en Zaire, África en 1974 entre Muhammad Ali (antes de convertirse al islam conocido como Cassius Clay) y George Foreman por el título de Campeón de los Pesos Pesados. ¿Qué tiene que ver un combate de boxeo con la Sociología? Muchísimo en este caso. Cada boxeador representa dos formas distintas de ver el mundo y dos formas de interpretar el deporte. Solo decir que Muhammad Ali había sido despojado de su título de Campeón y encarcelado años antes por negarse a alistarse en el ejército de Estados Unidos para combatir en la Guerra de Vietnam. Además, se retrata mucho de lo que significa un combate de boxeo: todo menos deporte. Como dice Russell Crowe en la película American Gangster cuando sus compañeros están viendo un combate de boxeo por la televisión: “Eso no es boxeo, es política”. Sublime documental para enseñar y aprender sobre Sociología del Deporte: el papel de los ídolos en la sociedad, la mezcla de deporte y política, el significado del dinero en el deporte, el papel de África, y mucho más. Cada vez que lo veo aprendo algo nuevo. Aquí puedes ver el documental completo.

 

1. El caballero de la noche (The Dark Knight)

¿Cuál es la finalidad del terrorismo? ¿Hacen falta héroes? ¿Qué necesita la gente para combatir al mal? ¿Cuál es la diferencia entre la justicia oficial y la de los justicieros? Durante la película podemos ver metáforas sobre el papel de Batman, una especie de agente que no entiende de derecho internacional, jurisdicción, patriotismo o lealtad a una bandera, y por tanto supera los iconos de las instituciones policiales, militares o revolucionarias. También se visualiza una especie de Osama Bin Laden representado por el Joker (El Guasón como se conoce en América Latina). Como dice el mayordomo de Bruce Wayne sobre el Joker “… Algunos hombres no buscan nada lógico como el dinero. No se les puede comprar, intimidar, ni razonar ni negociar con ellos. Algunos hombres solo quiere ver el mundo arder.” Excelentísima la escena que representa la teoría de juegos. Aquí el tráiler.

Fuente: http://networkianos.com/peliculas-sociologia/

Caballero sin espada

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Por Jesús Fariña-
www.lasmejorespeliculasdelahistoriadelcine.com
El desafío de un idealista e ingenuo senador contra la corrupta maquinaria política que mueve la ciudad de Washington sería el resumen argumental de esta maravillosa obra dirigida por Frank Capra (Que bello es vivir 1946) con guión de Sydney Buchman (uno de los grandes guionistas norteamericanos de la década de los años 30 y 40 antes de verse envuelto en la famosa “caza de brujas” de Hollywood) y que obtendría un total de 11 nominaciones en los premios de la academia de aquel año, entre ellas mejor película, director y actor principal.
El film (que abusa en exceso el tono patriótico y en estar recalcando en todo momento los correctos valores que debe tener un buen ciudadano norteamericano) sacaría a la luz los trapos sucios que se mueven en el mundo de la política desde la corrupción de sus gobernantes hasta el uso de los medios de comunicación como vehículo que manipula a las masas sociales. James Stewart, haciendo gala de su buen hacer interpretativo hasta el extremo de eclipsar con sus apariciones a sus colegas de reparto, representaría al “héroe” en cuestión (Jefferson Smith), una especie de David que se enfrenta al todopoderoso Goliath, cargado de bondad y de buenas intenciones que luchará hasta la extenuación por defender su honestidad y los principios constitucionales de su nación.
Jean Arthur (Raíces profundas 1953) como Clarissa Saunders, la secretaria que ayuda a Smith a que éste consiga sus propósitos, Claude Rains (Casablanca 1942) en el papel del traicionero senador Joseph Paine, Edward Arnold (“Juan nadie (1941)”) encarnando a Jim Taylor, el despiadado hombre de negocios que manipula las decisiones del gobierno y Thomas Mitchell (La diligencia 1939) como el periodista Dizz Moore completarían el resto de actores principales. Entre sus míticas escenas habría que mencionar el maratoniano discurso final de Jefferson con voz ronca (se comenta que se consiguió a base de cloruro de mercurio) para convencer su inocencia a los miembros del Jurado y destapar los turbios asuntos de algunos políticos en el Senado. Como curiosidad, la obra estuvo prohibida en muchos de los países que se regentaba el autoritarismo (entre ellas la España falangista y la Alemania nazi) mientras que en otros se les modificaría el doblaje para no reflejar el mensaje democrático que transmitía el film.

Hasta el último hombre

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Diez años después de “Apocalypto”, Mel Gibson vuelve a ponerse detrás de las cámaras con “Hasta el último hombre”.
Protagonizada por Andrew Gardfield, la película se basa en la historia real del médico Desmond Thomas Doss, el primer objetor de conciencia del ejército estadounidense condecorado con una Medalla de Honor. Doss participó en la Segunda Guerra Mundial pero debido a sus creencias personales, se negó a utilizar un arma, prefiriendo salvar la vida de sus camaradas.
“Mi personaje es un héroe real, no de ficción. Desmond fue un hombre que participó en la guerra sin armas, solo llevaba una Biblia y mucho amor en el corazón. Salvó a muchos soldados ya fuesen estadounidenses o japoneses. Y eso es un acto heroico, transcendental”, asegura Gardfield.Mel Gibson señala que al principio dudó en llevar esta historia a la gran pantalla pero que tras conocer más de cerca la vida de Desmond no pudo rechazar dirigir la película.
“Tienes que ser de piedra si no te emocionas con la historia de Desmond, con lo que hizo ese hombre. No sé si yo hubiese podido hacerlo. Su historia me llegó al corazón, me emocionó pensar que hay gente así en el mundo, que todavía pueda haber personas como él”, explica Gibson.
Fuente: Euronews.

Universidad Científica del Sur

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Antes que sea tarde

Sinopsis: Documental que busca generar conciencia sobre el cambio climático, conducido por el actor Leonardo DiCaprio, explica cómo la sociedad puede evitar la desaparición de especies en peligro de extinción, ecosistemas y comunidades indígenas en todo el mundo.
Entrada: Un libro y/o dos botellas de plástico.
*Se entregará un pack de canchita y bebida.
Salida de buses:
Partida: Clínica Odontológica a las 3:20 p.m.
Retorno: Campus Villa a las 7:20 p.m.
Fecha: Martes 13 de diciembre.
Lugar: Auditorio – Villa I
Hora: 4:30 p.m.

Silencio

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Silencio Chinmoku (沈黙 japonés para “Silencio”) es una novela de Japón de 1966 de ficción histórica escrita por Shusaku Endō. Es la historia de un misionero jesuita enviado a Japón en el siglo XVII, que sufrió persecución en la época de los Kakure Kirishitan (“cristianos ocultos”) que siguió a la derrota de la rebelión de Shimabara en 1637. Ganó el Premio Tanizaki por lo que se la llamó el “logro supremo de Endo”1 y “una de las mejores novelas del siglo XX”2. Escrita en parte en forma de una carta de su personaje central, el tema de un Dios silencioso que acompaña a un creyente en la adversidad fue muy influenciado por la experiencia católica de Endo de la discriminación religiosa en Japón, el racismo en Francia y la debilitante tuberculosis3 .

Argumento

Un joven jesuita portugués, Sebastião Rodrigues (basado en el personaje histórico Giuseppe Chiara), es enviado a Japón para socorrer a la Iglesia local e investigar las denuncias de que su mentor, el padre Cristóvão Ferreira, ha cometido apostasía.4 (Ferreira es una figura histórica, que apostató después de ser torturado y más tarde se casó con una japonesa y escribió un tratado contra el cristianismo).
Fray Rodrigues y su compañero Fray Francisco Garrpe llegan a Japón en 1638. Allí se encuentra con la población cristiana local en la clandestinidad. Los funcionarios de seguridad obligan a los que se sospechan de ser cristianos a pisotear el fumie, que eran imágenes de Cristo y la Virgen María toscamente talladas. Los que se niegan son encarcelados y asesinados por anazuri (穴吊り), colgando boca abajo sobre un pozo y poco a poco van sangrado. Aquellos cristianos que pisan la imagen para permanecer ocultos están profundamente avergonzados por su acto de apostasía. La novela relata las tribulaciones de los cristianos y la creciente penuria sufrida por Rodrigues, que aprende más sobre las circunstancias de la apostasía de Ferreira. Por último, Rodrigues es traicionado por el Judas Kichijiro. En el clímax, cuando Rodrigues pisa un fumie, Cristo rompe su silencio: Sin embargo, el rostro era diferente de aquel en que el sacerdote había mirado tantas veces en Portugal, en Roma, en Goa y en Macao. No fue Cristo cuyo rostro estaba lleno de majestad y gloria, tampoco era un rostro embellecido por la resistencia al dolor, ni tampoco era una cara con la fuerza de una voluntad que se ha rechazado la tentación. El rostro del hombre que luego quedó a sus pies [en el fumie] fue hundido y totalmente agotado … La tristeza que había mirado hacia él [Rodrigues] como los ojos hablaban suplicante: ‘Pisotea! Pisotea! Cabe pisotearla por lo que estoy aquí’.5
Silencio recibió el Premio Tanizaki a la mejor literatura del año. También ha sido objeto de un amplio análisis.6 William Cavanaugh se refiere a la novela como de una “ambigüedad moral profunda”, debido a la representación de un Dios que “ha optado por no eliminar el sufrimiento, sino a sufrir con la humanidad”.7 Endo, en su libro Una vida de Jesús, afirma que la cultura japonesa se identifica con “uno que sufre con nosotros” y que “permite nuestra debilidad “, y así: “Con este hecho siempre en mente, he intentado no tanto para representar a Dios en la imagen paterna que tiende a caracterizar el cristianismo, sino más bien para representar el aspecto maternal de buen corazón de Dios que nos revela en la personalidad de Jesús”.8

Adaptaciones al cine

Masahiro Shinoda dirigió la película de 1971 Chinmoku, una adaptación de la novela 9.
El compositor y poeta Teizo Matsumura escribió el libreto y la música para una ópera con el mismo título, que se estrenó en el Nuevo Teatro Nacional de Tokio en 2000 10.
En 2007, el director de cine estadounidense Martin Scorsese anunció su intención de dirigir una adaptación del libro que él había esperado hacer para una película en el verano de 2008 11 .
En 2009 se anunció en Empireonline.com que Daniel Day-Lewis y Benicio del Toro firmaron para protagonizar la adaptación de la película de Scorsese. En 2013 Andrew Garfield y Ken Watanabe se han unido a la adaptación de la película, que entra en producción en junio de 2014 12.
La novela inspiró la Simfonía No. 3 Silencio, compuesta en 2002 por el músico escocés James MacMillan 13   

Referencias

  1. “Shusaku Endo’s Silence by Luke Reinsma, Response of Seattle Pacific University, Volume 27, Number 4, Autumn 2004.

  2. We Have Never Seen His Face — PDF (121 KiB) by Brett R. Dewey for the Center for Christian Ethics at Baylor University, 2005, página 2.
  3. Dewey 2005, página 3.
  4. Cieslik, Hubert (1973). “The Case of Christovão Ferreira“. Monumenta Nipponica 29.
  5. Shusaku Endo, Silence, trans. William Johnston (New York: Taplinger, 1980), páginas 175–6.
  6. “Suffering the Patient Victory of God: Shusaku Endo and the Lessons of a Japanese Catholic” by Brett R. Dewey, Quodlibet: Vol 6 Number 1, January–March 2004.
  7. “The god of silence: Shusaku Endo’s reading of the Passion – critique of the Japanese novel ‘Silence'” by William T. Cavanaugh, Commonweal, March 13, 1998.
  8. “The Christology of Shusaku Endo” by Fumitaka Matsuoka, Theology Today, October 1982, página 295.
  9. “Chinmoku (1971)”, Internet Movie Database (accessed 20 February 2010)..
  10. “Tokyo NNT website” (accessed 15 February 2011).
  11. “Next for Scorsese: 17th-century Japan” by Angela Doland, Associated Press, 24 May 2007.
  12. http://variety.com/2013/film/news/andrew-garfield-to-star-in-martin-scorseses-silence-exclusive-1200470625/
  13. “BBCSSO/Runnicles” by Rowena Smith, The Guardian, 28 April 2008.

Fuente: Wikipedia.