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Ciclo de cine: Miradas

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Ciclo de cine: Miradas

¿Qué tienen en común la elección de un Papa y una defensora del agua?

Inspirados en el mensaje del Papa Francisco sobre el cuidado de la casa común y el poder del diálogo, este semestre “Miradas: cine con conciencia” presenta Hija de la Laguna y Cónclave.

Dos historias que nos invitan a mirar más allá de la pantalla: a cuestionar el poder, defender lo sagrado y actuar frente a los desafíos de nuestro tiempo.

Hija de la Laguna
Fecha: Jueves 08 de mayo
Hora: 5:30 p.m.

Lugar: E-306 (EEGGCC)

Cónclave
Fecha: Jueves 15 de mayo
Hora: 5:00 p.m.

Lugar: L-323 (EEGGLL)

¡Te esperamos para pensar, conversar y transformar!

David Lynch: El soñador que desafió los límites del cine

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Por Sofia Sanchez y Sergio Diaz.

David Lynch falleció a los 78 años en Los Ángeles. Conocido por su estilo surrealista y su capacidad para encontrar lo extraño en lo cotidiano. Artista en el sentido más amplio, su carrera se extendió por más de cuatro décadas, construyendo un universo cinematográfico donde lo onírico, lo absurdo, lo grotesco y lo bello conviven en un delicado equilibrio. Con su partida, Lynch deja un legado que radica en su capacidad para desconcertar fascinar, creando una experiencia sensorial única. Su influencia trasciende generaciones y disciplinas, consolidándose como un referente del cine experimental y surrealista.

La noticia de su muerte provocó una ola de homenajes en Hollywood. Steven Spielberg, en declaraciones recogidas por The Guardian, lo definió como “un soñador visionario cuyas películas siempre resistirán la prueba del tiempo”. Kyle MacLachlan, actor emblemático de su filmografía, expresó su gratitud con palabras que reflejan la profunda huella que su “querido amigo dejó” en su carrera: “Le debo toda mi vida y mi carrera a su visión”. Por su parte Naomi Watts destacó con profundo pesar que “su mentoría creativa fue realmente poderosa”.

El impacto de Lynch en la industria del cine es incuestionable. Como se destaca en el semanario estadounidense Variety, su obra inspiró a generaciones de cineastas y redefinió los límites del lenguaje cinematográfico. En los últimos años, el director compartió que había sido diagnosticado con enfisema, un padecimiento que, según sus propias palabras, le impediría volver a dirigir fuera de casa. Aun así, su influencia continuó expandiéndose más allá de sus películas, en cada creador que encontró en su cine una fuente de inspiración. Su obra es una invitación a sumergirse en lo desconocido y  explorar los rincones más oscuros de la psique humana. 

Bibliografía:

Variety. (2025, 14 de marzo). David Lynch remembered: Steven Spielberg and more pay tribute. Variety. https://variety.com/2025/film/news/david-lynch-remembered-steven-spielberg-1236276104/

The Guardian. (2025, 16 de enero). David Lynch: Hollywood tributes to a master of the uncanny. The Guardian. https://www.theguardian.com/film/2025/jan/16/david-lynch-hollywood-tributes

The fabelmans

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The fabelmans / Steven Spielberg (2023)

Código PUCP: PN 1995.9.C36 F11 (AV16)

Resumen:

Tras ver la película “El mayor espectáculo del mundo”, el joven Sammy Fabelman se enamora perdidamente del cine. Armado con una cámara y contando con la ayuda de su madre, Sammy trata de filmar su primera película en casa, la cual lo ayudará a desenterrar devastadores secretos de familia. El filme es considerado del género coming-of-age que refiere a un género literario y cinematográfico que se centra en el crecimiento psicológico y moral del protagonista.

 

Los diez videodiscos más solicitados por el público en el 2024

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La la land

Oppenheimer

Interstellar

Pearl

Everything everywhere all at once

Breaking bad

Death note

Un vistazo a las tendencias: lo más visto en la mediateca en 2023 vs. 2024

Las preferencias de los usuarios de la mediateca revelan títulos que mantienen un magnetismo duradero. En ambos rankings, La La Land y Interstellar brillan como constantes, mostrando su capacidad de enamorar a nuevos públicos año tras año. Sin embargo, 2024 trae consigo una mezcla fresca de innovación y nostalgia. Mientras que en 2023 destacaron clásicos como Star Wars: The Complete Saga y la icónica The Exorcist, el 2024 demuestra un interés renovado en propuestas ambiciosas como Oppenheimer y Everything Everywhere All At Once, que desafían los límites del cine contemporáneo.Por su parte, las historias animadas continúan cautivando, pero con una evolución interesante: el 2023 se disfrutó de la aventura colorida de Kung Fu Panda y el encanto visual de Spider-Man: Into the Spider-Verse, mientras que el 2024 subió la apuesta con Spider-Man: Across the Spider-Verse y la sensibilidad encantadora de Elemental.Series y animes también tienen su espacio: Breaking Bad mantiene su relevancia en ambas listas, mientras que Death Note aparece en 2024, atrayendo a los fanáticos del misterio. (Sofía Sanchez).

Canción sin nombre

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Canción sin nombre (2019) - Filmaffinity

Canción sin nombre/ Melina León
Código PUCP: PN 1995.9.P4 C15 (AV16)
Duración: 97 min.

Resumen:Basada en hechos reales ocurridos en 1988, en un Perú asolado por la violencia política y la agitación; cuenta la historia de Georgina, una mujer indígena andina cuyo bebé recién nacido es desaparecido, momentos después de su nacimiento, en una clínica del centro de Lima y nunca regresa. La madre, obstruida por un sistema legal bizantino e indiferente, se ve obligada a confiar en el periodista Pedro Campos para saber la verdad. Así, Campos descubre una red de clínicas falsas y robo de niños, que sugiere que la corrupción se expande en lo profundo de la sociedad peruana.

Contaminación del agua potable: Hollywood va a la caza

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El Día Mundial del Agua (22 de marzo) es también la oportunidad para comentar acerca de largometrajes de ficción que han abordado aspectos controversiales sobre el agua potable. En esta ocasión, comentamos dos filmes cuyos puntos en común son que se basan en hechos reales acaecidos en los Estados Unidos y que presentan prácticas corruptas de corporaciones por tratar de ocultar sus responsabilidades.

A CIVIL ACTION (dirigida por Steven Zaillian, año 1998, 115 minutos)

Drama legal basado en el libro homónimo de Jonathan Harr que a su vez recoge los hechos acaecidos en la ciudad de Woburn, Massachusetts (a 14 km al noroeste de Boston) entre las décadas de 1970 y 1980. Desde mediados de 1970, la comunidad de Woburn se vio sacudida por un inusual aumento de casos de leucemia y otras enfermedades graves entre sus pobladores. La situación llevó a fundadas sospechas por parte de algunos pobladores a que las altas tasas de cáncer se debían a la exposición del agua potable de la comunidad a productos químicos vertidos por parte de dos empresas industriales. Es así que se contrata a una pequela firma de abogados para que inicien el proceso legal contra las empresas responsables del daño y se indemnice a los pobladores.

ERIN BROCKOVICH (dirigida Steven Soderbergh, año 2000, 130 minutos)

La película es una dramatización de la historia real de Erin Brockovich, interpretada por Julia Roberts, quien luchó contra la corporación energética Pacific Gas and Electric Company (PG&E) por su culpabilidad por el incidente de contaminación del agua subterránea de Hinkley, California, una pequeña localidad de alrededor de 2000 habitantes. La historia real tiene más de 50 años de vigencia. La empresa Pacific Gas se vio obligada a indemnizar a los pobladores de esta localidad por contaminar las aguas subterráneas con cromo hexavalente, un compuesto altamente cancerígeno. Aún hoy, la contaminación continúa como se puede leer en este artículo periodístico: https://www.iagua.es/blogs/xavi-duran-ramirez/17-anos-despues-erin-brockovich-contaminacion-aguas-subterraneas-persiste

Amable lector: ¿Qué otras películas nos puede citar sobre este tema?

Dogman

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Por Jhonnatan Huashuayo Lozano

El 2018 se estrenó en Cannes la película Dogman del reconocido realizador italiano Matteo Garrone. Dogman ganó los premios a mejor actor para Marcelo Fonte y el Palm Dog. Además, la película fue la candidata de Italia al Óscar de ese año.

Dogman es la historia de Marcello, un pacífico peluquero de perros que vive en los barrios bajos de Roma, y las consecuencias que trae la relación entre este y Simoncino, un violento exboxeador que aterroriza al barrio. La película está basada en el famoso crimen conocido como el “Delitto del Canaro” ocurrido en Italia en 1988. En esta película, Garrone nos muestra, una vez más, la otra cara de Italia al ubicarnos en un barrio violento y desheredado de Roma.

La actuación de Marcello Fonte es lo más resaltante de la película. El personaje de Fonte genera una mezcla entre empatía, lastima y ternura, que se refuerza por su amor a los perros. Por otro lado, el hecho de que Marcello, además de peinador de perros, sea un traficante de cocaína no distorsiona la imagen de un personaje empático cuya actividad ilícita puede parecer hasta cotidiana en el barrio marginal en que vive.

Asimismo, Edoardo Pesce quien interpreta a Simoncino, un violento exboxeador que cualquier persona evitaría frecuentar, realiza un correcto trabajo de reparto al ponerse en la piel de un personaje tan detestable como abusivo.

La tierna relación que Marcello tiene con su hija se ve contrastada con la turbia “amistad” que lo une a Simoncino, quien lo obliga indirectamente a cometer actos criminales, como robos. Cuando menciono “indirectamente” me refiero a que Marcello realiza estos crímenes por el miedo que siente hacia Simoncino, no por tener la intención de dañar a alguien.

Sin embargo, la relación entre estos dos personajes llega a su punto más álgido cuando Simoncino roba la tienda de joyas que se ubica al lado del negocio de Marcello y deja una serie de evidencias para inculparlo. A pesar de que la policía sospecha de Simoncino, Marcello nunca lo delata por el miedo que le tiene.

Hasta este momento la película nos muestra esta relación basada en el temor entre Marcello y Simoncino. Sin embargo, un año después cuando Marcello sale de la cárcel las cosas cambian pues él se había convertido en la persona más odiada del barrio por un crimen que no cometió. Además, la situación empeora cuando Simoncino lo humilla enfrente de todo el barrio porque él había dañado su motocicleta después de que el mismo Simoncino se negara a pagarle el dinero que le debía.

A pesar de que la película no nos muestra el plan de venganza de Marcello podemos deducir que este personaje está tramando algo a partir de sus acciones ya que después de una serie de escenas donde lo vemos afectado por la humillación de Simoncino, Marcello lo va a buscar, repentinamente, para disculparse y pedirle ayuda para un último atraco.

Una vez que Simoncino accede, Marcello le pide que se esconda en una de las jaulas para perro de su tienda, como parte de su estrategia, y a pesar de que Simoncino se resiste en un principio finalmente accede. Una vez dentro de la jaula, Marcello le revela que todo era una trampa para obligarle a disculparse.

En base a lo que se muestra en la película, parecería que la intención de Marcello solo era humillar a Simoncino de la misma forma que él lo humillo y hacer que se disculpe. Sin embargo, cuando el boxeador rompe la jaula todo se sale de control. Marcello ve que Simoncino está intentando escapar y entra en pánico. Lo golpea cobardemente con una vara de metal ocasionando que Simoncino quede inconsciente. Después lo encadena por el cuello sobre una plataforma movible. Cuando Marcello se acerca a Simoncino, asumiendo que seguía inconsciente, este aprovecha para intentar escapar nuevamente. Como producto del forcejeo Marcello pisa un botón que ocasiona que la plataforma se deslice y Simoncino muera ahorcado. Se podría decir que la muerte de Simoncino fue casi un accidente.

El final de la película nos muestra como el personaje oprimido se rebela ante su opresor y busca tomar justicia por sus propias manos. Además, a pesar de que la venganza no es lo adecuado, en este mundo donde el más fuerte sobrevive pareciera que esta fue la única forma de que Marcello se libre de su martirio pues muerto el perro, se acabó la rabia.

 

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El color en La la land (crítica con spoilers)
Por Percy M.V. Rodríguez

La la land (2016) del realizador Damien Chazelle empieza con el plano largo de un número musical que nos da el contexto de espacio y tema del relato. El uso del color resalta a primera vista. Los bailarines visten de amarillo, rojo, azul y verde principalmente. Y estos colores volverán a presentarse de modo frecuente a lo largo del filme. Por ejemplo, en las escenas de Mia (Emma Stone) y Sebastian (Ryan Gosling) aparecen los colores azul y rojo aunque sin consolidarse en un único personaje. Sin embargo, se observa que el azul predomina en las escenas en que aparece Mia y hace evidente su soledad pese a estar con amigas o en reuniones sociales. En lo que respecta a Sebastian, se nos muestra el color rojo que se podría interpretar como la pasión que intenta ingresar a la vida de Mia para motivarla a no rendirse y perseguir sus sueños.

El primer musical, another day of the Sun, presenta la idea de una congestión vehicular en que los automóviles no pueden avanzar, al igual que los ideales de nuestros protagonistas. Luego aparece Mia, trabajadora en una cafetería, que aspira a ser actriz de Hollywood pero la suerte no la acompaña. Después, mediante una elipsis sonora (piano y el claxón) ingresa Sebastian, un pianista de jazz, que quiere abrir su propio club pero sobrevive tocando en un restaurante. Es en el encuentro de ambos personajes que el realizador Damien Chazelle busca darnos su versión moderna del musical hollywoodense clásico, y toma como referencia principal a “Los paraguas de Cherburgo” (1964), filme francés que hace uso de colores primarios y su variaciones para contarnos una historia de amor.

En la escena en que Mia y Sebastian se conocen, ella lleva un vestido azul. Este color en inglés es blue palabra que también significa tristeza. Y es que Mia está en una etapa muy difícil para ella al no conseguir ningún rol pese a postular a varias audiciones.

En otra escena en que Mia sale de una fiesta y camina por las calles de Los Angeles, la fotografía es fría y predomina los tonos azules, hasta que encuentra el aviso de un bar de rojo fosforescente. Ese bar es curiosamente el lugar donde Sebastian trabaja. Cuando Mia ingresa al establecimiento se produce la primera introducción significativa del color rojo. El rostro de Mia queda rodeado de luces rojas y cálidas, dando pie a pensar que Mia se siente cómoda en ese lugar. A partir de este punto, los dos colores se yuxtaponen y aparecen juntos en varios planos pero en distintas proporciones sin encontrarse un balance visual concreto. Es como si Mia intentara aceptar el rojo, a Sebastian, en su vida pero rechazándolo continuamente.

Otro color que ingresa a escena es el amarillo. Desde el principio del filme, Sebastian viste trajes marrones, beiges y variaciones del amarillo, además del rojo. A lo largo de la película, Sebastian es presentado como un hombre menos vulnerable que Mia, más soñador. En la escena en que Mia está cenando con su novio, ella se siente incómoda y quiere escapar para encontrarse con Sebastian en el cine. Es esta escena, Mia lleva un vestido verde que es la combinación del azul y amarillo. También en la escena en que ambos personajes se ubican al pie del observatorio Griffith, el fondo es verde con la noche azulada y Sebastian luciendo un traje de tonos amarillos.

El uso estimulante del color llega a su punto máximo al final de la película. Es la escena del bar de Sebastian cuyo nombre evoca la sugerencia de Mia. Hay una iluminación azul como si se quisiera mantener el recuerdo de su color.

Todo esta gama de recursos visuales además de la gran secuencia del montaje final que es musicalizada en su totalidad más las extensas coreografías, hace a La la land merecedora de por lo menos un visionado.

Lecciones de amor

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Lecciones de amor / Fred Schepisi
Código PUCP: PN 1995.9.C55 W67 (AV16)
Duración: 116 min.

Resumen:Comedia dramática sobre dos profesores: él de inglés (Owen) y ella de arte (Binoche), que sostienen dos puntos de vista diametralmente opuestos; se enfrentan en una especie de incruenta batalla para dirimir si son más importantes las palabras o las imágenes.

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=eY21wl6E50w

Stalingrado

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Stalingrado / Joseph Vilsmaier
Código PUCP: PN 1995.9.W3 S81 (AV16)
Duración: 132 min.

Resumen: En 1942, la ciudad de Stalingrado sufre un terrible asedio por parte de las tropas alemanas. La película muestra los horrores de la guerra a través de las vicisitudes de un grupo de soldados alemanes que llegan a Stalingrado tras disfrutar de un permiso en Italia. El batallón es dirigido por un oficial inexperto, el Teniente Hans Von Witzland, la batalla se torna cruenta: conocen el temple del enemigo al que enfrentan, muchos de ellos son solo niños.

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=bN6bfVJmhbc