Archivo de la categoría: Cine

Contenido sobre cine

Billy Elliot

[Visto: 139 veces]

Por Jhonnatan Huashuayo Lozano

Una historia tan tierna como dramática donde Jamie Bell nos demuestra que podemos cumplir nuestros sueños sin caer en estereotipos.

Han pasado casi veinte años desde que se estrenó Billy Elliot y  a partir de entonces, la película  ha sido adaptada varias veces al teatro y a la literatura. Así,  la historia de Billy se ha convertido en un clásico y no solo para la comunidad LGTBQ, sino en general para cualquier persona que quiera seguir sus sueños.

La trama se desarrolla durante la huelga minera en el  Reino Unido de 1984-1985 y nos presenta a Billy Elliot, un niño de once años,  que decide convertirse en un bailarín de ballet y enfrentarse a las críticas de su familia.

La historia es impresionante por los detalles que posee, no solo por el hecho de desarrollarse en una época particularmente complicada de Reino Unido, sino por todos los personajes que rodean a Billy, como su padre y hermano que son obreros y participan como huelguistas, su abuela que padece Alzheimer, su mejor amigo que se revela homosexual o su profesora que le incentiva a postular al Royal Ballet School.

Por otro lado, la dirección de Stephen Daldry  es magistral sobre todo cuando logra equilibrar la ternura con el drama. Recuerdo una escena cuando Billy y su mejor amigo están bailando ballet en el gimnasio hasta que su padre aparece sorpresivamente y el tono de la escena cambia radicalmente y adquiere un profundo dramatismo porque este no aceptaba que su hijo baile ballet. Este balance entre ternura y dramatismo se logra también gracias a la actuación de Jamie Bell. Este joven actor aporta la dosis de ternura propia de su edad, sin embargo es en los momentos más dramáticos cuando él manifiesta todo su potencial. Por ejemplo cuando se enfrenta a su padre o cuando se indispone con su maestra porque quería abandonar las clases de ballet.

Muy aparte de la historia y la puesta en escena en general me pareció interesante que en la película no se busque estereotipar a los bailarines de ballet. A pesar de que el filme no  exhibe explícitamente de la sexualidad de Billy hay varios momentos en los que él nos demuestra que ser bailarín de ballet no lo convierte en alguien afeminado u homosexual. Así, por ejemplo, cuando su mejor amigo lo besa en la mejilla, Billy le responde: “Just `cause i like ballet doesnt mean I am a poof” (solo porque me gusta el ballet, no significa que sea maricon).

Finalmente, la dirección de Daldry y la actuación de Jamie Bell se lucen en la última parte de la película cuando Billy, ansioso por ser aceptado en la  Royal Ballet School, espera la decisión de esta institución y la tensión se eleva a tal punto que nosotros nos convertimos en parte de la obra porque, al igual que Billy,  deseamos que sea aceptado en la prestigiosa escuela.

HACKSAW RIDGE

[Visto: 160 veces]

Percy M.V. Rodríguez

Cuando Mel Gibson toma el papel de director en una producción cinematográfica suele imponer su estilo violento que caracteriza a su corta filmografía. Y después de diez años vetado en Hollywood; tras acusaciones de comentarios racistas, xenófobos y maltrato contra la mujer; vuelve a tomar el papel de director en la película Hacksaw ridge; una de las películas bélicas pacifistas más violentas que se han hecho.

La trama sigue al soldado del ejército estadounidense Desmond Doss, quien se negó a portar armas en el frente de guerra debido a sus principios como Adventista del Séptimo Día, por lo que se ganó el repudio y la burla de sus compañeros. Pese a ello, logró ser condecorado con la Medalla de Honor por el presidente Harry S. Truman después de haber salvado a más de sesenta hombres en el campo de batalla de Okinawa durante la Segunda Guerra Mundial.

Esta historia real contiene un paradigma de protagonista ya tratado anteriormente por Gibson. Se trata de la historia de arraigamiento hacia una creencia a la que el personaje siempre será fiel y no dejará ir. En The Passion of the Christ (2004) fue Cristo defendiendo su fe; y Braveheart (1995), William Wallace defendiendo la libertad. Estos personajes, tratados como mártires y motivados durante toda la película por valores y principios irrevocables, comparten mucho en común con Desmond Doss, cuyo elemento fundamental de su construcción es la religión.

Superadas ya las barreras mentales del estilo: “Yo no la veo porque soy ateo/ agnóstico”, he de decir que, al ver la película, la forma en que Gibson emplea la religión puede evocar a la manera en que Clint Eastwood se valía del patriotismo de Chris Kyle en American Sniper (2015) (otra película bélica basada en un personaje real). Sin embargo, Gibson estructura la historia en dos partes reconocibles incluso para el público medio.

Durante la primera mitad se presenta a los personajes, sus circunstancias y los lazos que mantienen entre ellos. Mención especial a la actuación de Hugo Weaving como veterano y padre alcohólico que con esos temblores de hombre anciano nos transmiten su demacrado pasado en la guerra.

En este lapso hay que reconocer la forma en la que el director utiliza los elementos del attrezzo¹, así como los recursos de la cámara, para mostrarnos el trauma de Doss con la violencia y la futura transición de estos elementos hacia algo noble.

Al principio de la película, después de unas imágenes dantescas de la guerra, se nos narra un suceso de la infancia de Doss en la que golpea a su hermano con un ladrillo, causándole una herida en la cabeza que sus padres examinan. Mientras, un Doss niño y asustado por la sangre camina hacia un cuadro donde se ven los diez mandamientos y la cámara nos muestra, en un plano detalle², el sexto mandamiento: “No matarás”, junto a la imagen de los personajes bíblicos de Caín y Abel donde se ilustra el momento en el que un hermano le causa la muerte al otro con un golpe en la cabeza. Justo después, el padre ingresa a sancionar a su hijo por lo que ha hecho y Gibson usa la cámara lenta para que podamos ver claramente el cinturón con el que va a hacerlo, sin embargo, su madre se interpone.

 

Dieciséis años después vemos a Doss ayudando en una iglesia cuando un grito alerta de un accidente en plena calle: la pierna de un hombre ha sido aplastada por el auto que estaba reparando. Nuestro protagonista se acerca al herido y agarra un ladrillo para sostener el auto y utiliza su propio cinturón para hacerle un torniquete y detener la hemorragia. Podemos ver cómo se utilizan los mismos elementos ya no para generar violencia como hicieron él y su padre, sino que transforman su función para ayudar a alguien. Esta cualidad la volverá a ejercer más adelante durante la batalla.

 

Durante la segunda mitad, Gibson rompe con el tono dramático y romántico con el que narraba la primera parte y nos introduce de lleno en la acción de la que tanto se ha estado conteniendo. En las consecutivas escenas de batalla se nota una planificación en la que el aumento en la cantidad de cortes, primeros planos³ de soldados horrorizados, salpicaduras de sangre al lente de la cámara y una mayor ausencia del horizonte crean una sensación de inmersión en la suciedad de la guerra.

No hay duda de que es una película que no quiere vendernos una visión idealizada de lo que es guerra. Es desagradable, es violenta, es perturbadora y Gibson no se preocupa en ocultar los horrores de esta práctica logrando crear una experiencia visual difícil de olvidar.

Glosario:
(1) Attrezzo: objetos o piezas de utilería que aparecen en escena.
(2) Plano detalle: plano cinematográfico que se centra en una parte específica del cuerpo u objeto.
(3) Primer plano: plano cinematográfico que recoge el rostro y parte de los hombros.

Dogman

[Visto: 128 veces]

Por Jhonnatan Huashuayo Lozano

El 2018 se estrenó en Cannes la película Dogman del reconocido realizador italiano Matteo Garrone. Dogman ganó los premios a mejor actor para Marcelo Fonte y el Palm Dog. Además, la película fue la candidata de Italia al Óscar de ese año.

Dogman es la historia de Marcello, un pacífico peluquero de perros que vive en los barrios bajos de Roma, y las consecuencias que trae la relación entre este y Simoncino, un violento exboxeador que aterroriza al barrio. La película está basada en el famoso crimen conocido como el “Delitto del Canaro” ocurrido en Italia en 1988. En esta película, Garrone nos muestra, una vez más, la otra cara de Italia al ubicarnos en un barrio violento y desheredado de Roma.

La actuación de Marcello Fonte es lo más resaltante de la película. El personaje de Fonte genera una mezcla entre empatía, lastima y ternura, que se refuerza por su amor a los perros. Por otro lado, el hecho de que Marcello, además de peinador de perros, sea un traficante de cocaína no distorsiona la imagen de un personaje empático cuya actividad ilícita puede parecer hasta cotidiana en el barrio marginal en que vive.

Asimismo, Edoardo Pesce quien interpreta a Simoncino, un violento exboxeador que cualquier persona evitaría frecuentar, realiza un correcto trabajo de reparto al ponerse en la piel de un personaje tan detestable como abusivo.

La tierna relación que Marcello tiene con su hija se ve contrastada con la turbia “amistad” que lo une a Simoncino, quien lo obliga indirectamente a cometer actos criminales, como robos. Cuando menciono “indirectamente” me refiero a que Marcello realiza estos crímenes por el miedo que siente hacia Simoncino, no por tener la intención de dañar a alguien.

Sin embargo, la relación entre estos dos personajes llega a su punto más álgido cuando Simoncino roba la tienda de joyas que se ubica al lado del negocio de Marcello y deja una serie de evidencias para inculparlo. A pesar de que la policía sospecha de Simoncino, Marcello nunca lo delata por el miedo que le tiene.

Hasta este momento la película nos muestra esta relación basada en el temor entre Marcello y Simoncino. Sin embargo, un año después cuando Marcello sale de la cárcel las cosas cambian pues él se había convertido en la persona más odiada del barrio por un crimen que no cometió. Además, la situación empeora cuando Simoncino lo humilla enfrente de todo el barrio porque él había dañado su motocicleta después de que el mismo Simoncino se negara a pagarle el dinero que le debía.

A pesar de que la película no nos muestra el plan de venganza de Marcello podemos deducir que este personaje está tramando algo a partir de sus acciones ya que después de una serie de escenas donde lo vemos afectado por la humillación de Simoncino, Marcello lo va a buscar, repentinamente, para disculparse y pedirle ayuda para un último atraco.

Una vez que Simoncino accede, Marcello le pide que se esconda en una de las jaulas para perro de su tienda, como parte de su estrategia, y a pesar de que Simoncino se resiste en un principio finalmente accede. Una vez dentro de la jaula, Marcello le revela que todo era una trampa para obligarle a disculparse.

En base a lo que se muestra en la película, parecería que la intención de Marcello solo era humillar a Simoncino de la misma forma que él lo humillo y hacer que se disculpe. Sin embargo, cuando el boxeador rompe la jaula todo se sale de control. Marcello ve que Simoncino está intentando escapar y entra en pánico. Lo golpea cobardemente con una vara de metal ocasionando que Simoncino quede inconsciente. Después lo encadena por el cuello sobre una plataforma movible. Cuando Marcello se acerca a Simoncino, asumiendo que seguía inconsciente, este aprovecha para intentar escapar nuevamente. Como producto del forcejeo Marcello pisa un botón que ocasiona que la plataforma se deslice y Simoncino muera ahorcado. Se podría decir que la muerte de Simoncino fue casi un accidente.

El final de la película nos muestra como el personaje oprimido se rebela ante su opresor y busca tomar justicia por sus propias manos. Además, a pesar de que la venganza no es lo adecuado, en este mundo donde el más fuerte sobrevive pareciera que esta fue la única forma de que Marcello se libre de su martirio pues muerto el perro, se acabó la rabia.

 

Shutter Island: secuencia inicial.

[Visto: 164 veces]

Percy M. V. Rodríguez

Desde los créditos iniciales se introduce un aura inquietante mediante la música. Scorsese crea una atmósfera de misterio y suspenso convirtiendo a una isla en un personaje más de la película.
La secuencia inicial abre con el encuentro de “Teddy” Daniels y su compañero Chuck mientras se dirigen a Shutter Island, que alberga un hospital psiquiátrico donde los dos federales investigarán la desaparición de un asesino. Se nos intenta situar desde la perspectiva de Daniels, interpretado por Leonardo DiCaprio, porque es a través de él que descubriremos el lugar y al mismo tiempo, mediante una serie de flashbacks y sueños, las tragedias y traumas que su mente evoca.
Scorsese se enfoca principalmente en la distinción “realidad” /flashback¹ y cómo el uso de la cámara nos induce a creer en la realidad que Teddy Daniels construye. La película empieza con un plano general², en donde vemos a un bote salir de una espesa bruma. Luego el lente se abre sobre DiCaprio, cuyo personaje, junto al de Mark Ruffalo, Chuck, se dirige hacia Shutter Island.

El tono, a lo largo de esta secuencia, está en clave baja³, es decir, una luz dura que intensifica el contraste para enfatizar las sombras de la cara, con algunas excepciones. En el lavabo, donde se nos introduce por primera vez a Teddy, la luz alta que proviene de una ventana abierta echa un brillo en el lado izquierdo de su cara, mientras que el lado derecho queda parcialmente oscuro. Al caminar hacia la cubierta atraviesa dos lámparas amarillentas que perturban el tono melancólico de la luz inicial.
Ya en cubierta, los colores se vuelven monocromáticos, con un fondo borroso creando un espacio plano. En contraste al azul frío de las primeras imágenes, el primer flashback está hecho a base de temperaturas de color mixtas; amarillos, verdes y rojos; creando una sensación casi débil y endeble. Teddy y su esposa, la fallecida Dolores, son los únicos sujetos en la habitación iluminados por una luz de fondo. Esto crea un look surrealista comparado con el tono de “realidad” visto durante toda la película. Después, cuando Teddy sale del flashback por la visión del agua, Dolores regresa rápidamente en forma de un fotograma congelado. Este es el único que vemos a lo largo de la película, y que enfatiza el punto central de la trama poniendo a los espectadores al tanto de su rol.

Otro factor que usa Scorsese es la música cambiante. Como gran fan del cine de Hitchcock y las composiciones de Bernard Herrman, acompaña los momentos reveladores con fuertes repeticiones de golpes sobre los acordes. Pero durante la secuencia inicial, empieza con una melodía que, combinada con el ambiente y el sonido que hace el buque, crea una misteriosa y tensa sensación que continua a través de la escena entera. Esta melodía continúa dentro del flashback, pero se complementa con otro sonido, uno que evoca la melancólica voz de una mujer.

Justo cuando el flashback es interrumpido por la vista del mar, el sonido de las olas domina, siendo la primera vez que las oímos. Y al tiempo que aparece el fotograma congelado de la esposa, gracias al montaje, aún oímos el agua corriendo de fondo, vinculando estos dos elementos. Pues el agua es el elemento detonador del trauma de su esposa ahogando a sus hijos. A medida que se ve rodeado de más y más agua a lo largo de la película este dramático recuerdo emergerá.
Por otra parte, el ángulo de la cámara también juega un papel significante al persuadir al espectador hacia la realidad de Teddy desde el inicio. Él es el primer personaje al que se nos introduce, pero la cámara toma distancia en el primer plano donde solo vemos desde atrás en un plano medio. La cámara se ladea con las olas, provocando una sensación de mareo y conectándonos así al estado físico de los personajes. Mientras Teddy se mira en el espejo, la cámara es deliberadamente posicionada detrás suyo para mostrarlo con su sombra, creando dos hombres en un solo encuadre, lo que insinúa una división de personalidad.

Poco después, el personaje de DiCaprio rompe la cuarta pared⁴ al mirar al espectador directamente en un primer plano⁵ frontal. Al romper la cuarta pared, un personaje reconoce que se encuentra en una ficción, ya sea directa o indirectamente. En este caso es de manera indirecta, como si el director tratara de decirnos que lo que vamos a presenciar a través de Teddy es una ficción dentro de su mente y de la que no es consciente. La conexión entre él y el espectador ya ha sido establecida y seguimos su punto de vista.

Seguimos a Teddy desde el lavabo hacia la cubierta con un paneo y un zoom. Primero se enfocan las esposas colgando desde el techo y a través de ellas se cambia el enfoque a Teddy caminando a lo largo de la habitación. La cámara se acerca y lo sigue de una puerta a la otra y de nuevo se nos remarca que seguimos todos sus movimientos.

Esto se configura perfectamente con la siguiente escena con Teddy saliendo a la cubierta, encuadrado tras las barras y mirando a su colega Chuck. Chuck está posicionado según la regla de los tercios⁶ y de espaldas al espectador lo que nos impide identificar si es un amigo o enemigo.

En cubierta, la cámara continúa remitiéndonos a la condición física de Teddy, ladeándose con las olas mientras este habla. Sin embargo, cuando Chuck responde la cámara es más estable. Su conversación consiste en planos medios hasta cierto punto en que el enfoque cambia, arrastrándonos hacia la mente de Teddy justo antes del flashback.
Todos estos elementos nos posicionan en el punto de vista del personaje de Leonardo DiCaprio, quien ofrece una actuación madura y vulnerable, sin revelarnos en dónde difiere con una visión objetiva de los acontecimientos. DiCaprio es hábilmente apoyado por actores eximios como Ben Kingsley y Max von Sydow, que emanan hostilidad como el personal del hospital en todas las escenas incrementando la tensión que siente nuestro protagonista. Y que, gracias a la dirección de Scorsese al desdoblar sus herramientas a favor de la historia, como se muestra en la primera secuencia, alcanzan un clímax desconcertante y apasionante.

Glosario:

¹Flashback: técnica narrativa que altera la secuencia cronológica de la historia trasladando la acción al pasado.
²Plano general: plano cinematográfico que muestra enteramente a un sujeto junto con el escenario.
³Clave baja: técnica de iluminación que incrementa los tonos negros de la imagen para crear un efecto desolador. La clave alta sería lo opuesto.
Cuarta pared: pared invisible imaginaria frente al escenario por el que la audiencia ve a los personajes actuar.
Primer plano: plano cinematográfico que recoge el rostro y parte de los hombros.
Regla de tercios: forma de composición básica que divide una imagen en 9 partes distintas usando 2 líneas, verticales y horizontales, paralelas imaginarias. Consiste en distribuir los elementos en las intersecciones de dichas líneas.

[Visto: 136 veces]

CANNES FILM FESTIVAL 2019. CONTROVERSIAS, SORPRESAS Y AUSENCIAS

Por Jhonnatan Huashuayo Lozano

El Festival de Cannes es uno de los festivales de cine más importantes del mundo. No solo por ser uno de los más antiguos sino porque presenta una interesante variedad de películas provenientes de todo el orbe. Con el anuncio de que Alejandro González Iñárritu sería el presidente del jurado, Cannes comenzó a generar grandes expectativas sobre esta 72 entrega. Sin embargo, muchas sorpresas y dudas han dejado las películas que participarán este año.

MERECIDO TRIBUTO
La primera gran sorpresa de esta edición está relacionada con el afiche oficial. Cada año Cannes rinde tributo a algún icono de la historia del cine en sus afiches. Por ejemplo, el año pasado el afiche utilizaba una escena de la película “Pierrot, le fou” (Pierrot, el loco, 1965) de Jean-Luc Godard, donde se veía a Jean-Paul Belmondo y Anna Karina. Sin embargo este año el afiche oficial de Cannes rinde tributo a nada más y nada menos que a una de las directoras más importantes y símbolo de la “Nouvelle Vogue”, Agnes Varda. En el afiche se puede observar a una joven Varda de 26 años sobre la espalda de un hombre mientras filmaba su primera película “La pointe courte” (1955). Según el festival, “Esta foto del set lo resume todo de Varda: su pasión, aplomo y picardía, ingredientes los tres para conseguir una artista libre, que nunca dejó de evolucionar”. La recientemente desaparecida directora ha influenciado a las nuevas generaciones con sus películas y ha ganado varios de los más importantes premios como el “León de oro”, “Premio Cesar”, “Palma de oro” e incluso recibió el Premio Óscar a la trayectoria y también recibió una nominación en el año 2017 por su documental “Faces, places”.

VIEJOS CONOCIDOS
El encargado de inaugurar esta edición del festival es Jim Jarmush quien ya ha participado anteriormente con “Broken Flowers” (2005). Este año Jarmush regresa con “The dead don’t die” una comedia con zombies donde actúan Adam driver, Bill Murray, Tilda Switon, entre otros

Por otro lado, Almodóvar, los hermanos Dardenne, Terrence Malik, Xavier Dolan o Boon Jon Ho son otros de los directores que regresan a la Croisette este año después de participar en reiteradas ocasiones. En el caso de Pedro Almodóvar, es la sexta vez que concursa en la selección oficial del festival, en esta ocasión el director español presenta “Dolor y Gloria”. Sin embargo, si hablamos de los directores que han participado más veces en el certamen estaríamos hablando de los hermanos Dardenne pues esta sería su octava vez y a comparación de Almodóvar, ellos ya han ganado la Palma de Oro en 1999 con “Rossetta” y en 2005 con “L enfant”.

A continuación puedes ver la lista completa de películas:

Cannes official selection

Competition
The Dead Don’t Die / Jim Jarmusch – opening film
Atlantique/ Mati Diop
Bacarau / Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles
Frankie / Ira Sachs
A Hidden Life /Terrence Malick
It Must Be Heaven /Elia Suleiman
Les Misérables / Ladj Ly
Little Joe / Jessica Hausner
Matthias and Maxime / Xavier Dolan
Oh Mercy! / Arnaud Desplechin
Parasite / Bong Joon-ho
Portrait of a Lady on Fire / Céline Sciamma
Sibyl / Justine Triet
Sorry We Missed You / Ken Loach
Dolor y gloria / Pedro Almodóvar
The Traitor / Marco Bellocchio
La Gomera / Corneliu Porumboiu
The Wild Goose Lake / Diao Yinan
The Young Ahmed / Jean-Pierre and Luc Dardenne

Un Certain Regard
Adam / Maryam Touzani
Dylda / Kantemir Balagov
A Brother’s Love / Monia Chokri
Bull / Annie Silverstein
The Climb / Michael Covino
Evge / Nariman Aliev
Liberté / Albert Serra
Invisible Life / Karim Aïnouz
Jeanne / Bruno Dumont
Room 212 / Christophe Honoré
Papicha / Mounia Meddour
Port Authority / Danielle Lessovitz
Summer of Changsha / Zu Feng
The Swallows of Kabul / Zabou Breitman & Eléa Gobé Mévellec
A Sun That Never Sets / Olivier Laxe
Zhuo Ren Mi Mi / Midi Z

Out of competition
The Best Years of a Life / Claude Lelouch
Diego Maradona / Asif Kapadia)
La Belle Époque / Nicolas Bedos
Rocketman / Dexter Fletcher
Too Old to Die Young – North of Hollywood, West of Hell (TV series – / Nicolas Winding Refn)

Midnight screenings
The Gangster, the Cop, the Devil / Lee Won-Tae

Special screenings
Family Romance, LLC / Werner Herzog
For Sama / Waad Al Kateab, Edward Watts
Que Sea Ley / Juan Solanas
Share / Pippa Bianco
To Be Alive and Know It / Alain Cavalier
Tommaso / Abel Ferrara

NETFLIX VS CANNES
A pesar de que el festival ha señalado que en los próximos días se podrían añadir nuevas películas tanto para la selección oficial como para Un Certain Regard, lo que está confirmado es que las producciones de Netflix no participarán del certamen. En 2017 Netflix presentó dos películas en Cannes; Okja, dirigido por Bong Joon-ho y The Meyerowitz stories dirigido por Noah Baumbach. Muchos críticos e incluso algunos miembros del jurado se opusieron a ello. Uno de los más fervientes opositores fue Pedro Almodóvar quien presidía el festival en aquella ocasión. Argumentaba que una película que no se exhibía en cines no debía participar en el festival. Sin embargo, Will Smith, quien también fue parte del jurado en esa edición, apoyaba a Netflix. Como producto de esa controversia, en el 2018 Cannes prohibió que las películas de Netflix concursen en la selección oficial y todo indica que esa prohibición continúa hasta hoy.

Sin embargo, no todo es color de hormiga pues a pesar de no contar con la nueva película de Martin Scorsese (producida por Netflix) , o la de Tarantino, que se rumoreaba que estaría presente en el certamen, el festival exhibirá el biopic de Elton John, “Rocketman”, que está dirigido por Dexter Fletcher. Este realizador también dirigió “Bohemian Rhapsody” (2018). Además, se exhibirá el nuevo documental de Asif Kapadia sobre Maradona, recordemos que Kapadia ganó el Óscar a mejor documental por “Amy” sobre la desaparecida Amy Winehouse.

 

 

 

[Visto: 134 veces]

El color en La la land (crítica con spoilers)
Por Percy M.V. Rodríguez

La la land (2016) del realizador Damien Chazelle empieza con el plano largo de un número musical que nos da el contexto de espacio y tema del relato. El uso del color resalta a primera vista. Los bailarines visten de amarillo, rojo, azul y verde principalmente. Y estos colores volverán a presentarse de modo frecuente a lo largo del filme. Por ejemplo, en las escenas de Mia (Emma Stone) y Sebastian (Ryan Gosling) aparecen los colores azul y rojo aunque sin consolidarse en un único personaje. Sin embargo, se observa que el azul predomina en las escenas en que aparece Mia y hace evidente su soledad pese a estar con amigas o en reuniones sociales. En lo que respecta a Sebastian, se nos muestra el color rojo que se podría interpretar como la pasión que intenta ingresar a la vida de Mia para motivarla a no rendirse y perseguir sus sueños.

El primer musical, another day of the Sun, presenta la idea de una congestión vehicular en que los automóviles no pueden avanzar, al igual que los ideales de nuestros protagonistas. Luego aparece Mia, trabajadora en una cafetería, que aspira a ser actriz de Hollywood pero la suerte no la acompaña. Después, mediante una elipsis sonora (piano y el claxón) ingresa Sebastian, un pianista de jazz, que quiere abrir su propio club pero sobrevive tocando en un restaurante. Es en el encuentro de ambos personajes que el realizador Damien Chazelle busca darnos su versión moderna del musical hollywoodense clásico, y toma como referencia principal a “Los paraguas de Cherburgo” (1964), filme francés que hace uso de colores primarios y su variaciones para contarnos una historia de amor.

En la escena en que Mia y Sebastian se conocen, ella lleva un vestido azul. Este color en inglés es blue palabra que también significa tristeza. Y es que Mia está en una etapa muy difícil para ella al no conseguir ningún rol pese a postular a varias audiciones.

En otra escena en que Mia sale de una fiesta y camina por las calles de Los Angeles, la fotografía es fría y predomina los tonos azules, hasta que encuentra el aviso de un bar de rojo fosforescente. Ese bar es curiosamente el lugar donde Sebastian trabaja. Cuando Mia ingresa al establecimiento se produce la primera introducción significativa del color rojo. El rostro de Mia queda rodeado de luces rojas y cálidas, dando pie a pensar que Mia se siente cómoda en ese lugar. A partir de este punto, los dos colores se yuxtaponen y aparecen juntos en varios planos pero en distintas proporciones sin encontrarse un balance visual concreto. Es como si Mia intentara aceptar el rojo, a Sebastian, en su vida pero rechazándolo continuamente.

Otro color que ingresa a escena es el amarillo. Desde el principio del filme, Sebastian viste trajes marrones, beiges y variaciones del amarillo, además del rojo. A lo largo de la película, Sebastian es presentado como un hombre menos vulnerable que Mia, más soñador. En la escena en que Mia está cenando con su novio, ella se siente incómoda y quiere escapar para encontrarse con Sebastian en el cine. Es esta escena, Mia lleva un vestido verde que es la combinación del azul y amarillo. También en la escena en que ambos personajes se ubican al pie del observatorio Griffith, el fondo es verde con la noche azulada y Sebastian luciendo un traje de tonos amarillos.

El uso estimulante del color llega a su punto máximo al final de la película. Es la escena del bar de Sebastian cuyo nombre evoca la sugerencia de Mia. Hay una iluminación azul como si se quisiera mantener el recuerdo de su color.

Todo esta gama de recursos visuales además de la gran secuencia del montaje final que es musicalizada en su totalidad más las extensas coreografías, hace a La la land merecedora de por lo menos un visionado.

Los videos más vistos el 2018: los 50 primeros lugares

[Visto: 252 veces]

Nuestra sorpresa es que una serie de televisión, Breaking bad (62 episodios, 2008-2013), encabeza la lista y no un largometraje de ficción. Breaking Bad, pese a que terminó su transmisión el 2013,  se ha  mantenido en el primer lugar de las preferencias de nuestro público. Le sigue el drama musical La la land (2016), el drama bélico Dunkerque (2017), la comedia dramática Lady Bird (2017) y la película de ciencia ficción Interestelar (2014).

En el sexto lugar se ubica el drama Las horas más oscuras (2017), le sigue  la comedia dramática The disaster artist (2017), luego viene  la película de ciencia ficción Blade runner 2049 (2017), la siguiente es En primera plana (Spotlight, 2015) y el puesto 10 lo cierra también una serie de televisión Los Sopranos (1999-2007).

Los diez primeros lugares son todas producciones o coproducciones estadounidenses o británicas, y exhibidas entre el 1999 y 2017.

Recién en el puesto 21 figura una producción nacional, se trata del drama Días de Santiago (2004). Le sigue Magallanes (2015) en el puesto 23 y La última tarde (2016) en la ubicación 35.

En cuanto a producciones de habla hispana, además de las peruanas arriba citadas, se tienen a la película chilena Una mujer fantástica (2017) en el puesto 43, y a la española El laberinto del fauno (2006) en el puesto 45.

El mundo de la animación no es ajeno a los gustos de nuestro público. En el puesto 13 se ubica el largometraje Coco (2017), le sigue la serie japonesa de anime  Death note (2003-2006) en la ubicación 19, La vida secreta de tus mascotas (2016) en el puesto 24 y la película Intensamente  (2015) en el 30.

En resumen, las preferidas del público han sido, en su mayoría, producciones o coproducciones de series de televisión o largometrajes de ficción estadounidenses o británicas. Hay solo cinco obras de habla hispana entre los 50 primeros lugares. Se extraña también las  producciones de no ficción (documentales por ejemplo).

Avatar

[Visto: 213 veces]

Avatar / James Cameron
Código PUCP: PN 1995.9.S26 A9 (AV18)
Duración: 162 min.

Resumen: Año 2154. Jake Sully (Sam Worthington), un exmarine condenado a vivir en una silla de ruedas, sigue siendo, a pesar de ello, un auténtico guerrero. Precisamente por ello ha sido designado para ir a Pandora, donde algunas empresas están extrayendo un mineral extraño que podría resolver la crisis energética de la Tierra. Para contrarrestar la toxicidad de la atmósfera de Pandora, se ha creado el programa Avatar, gracias al cual los seres humanos mantienen sus conciencias unidas a un avatar: un cuerpo biológico controlado de forma remota que puede sobrevivir en el aire letal. Esos cuerpos han sido creados con ADN humano, mezclado con ADN de los nativos de Pandora, los Na’vi. Convertido en avatar, Jake puede caminar otra vez. Su misión consiste en infiltrarse entre los Na’vi, que se han convertido en el mayor obstáculo para la extracción del mineral. Pero cuando Neytiri, una bella Na’vi (Zoe Saldana), salva la vida de Jake, todo cambia: Jake, tras superar ciertas pruebas, es admitido en su clan. Mientras tanto, los hombres esperan los resultados de la misión de Jake.

Tráiler: https://youtu.be/5PSNL1qE6VY

Los miserables

[Visto: 265 veces]

Los miserables / Tom Hooper
Código PUCP: PN 1995.9.M86 M4 (AV18)
Duración: 158 min.

Resumen: El expresidiario Jean Valjean (Hugh Jackman) es perseguido durante décadas por el despiadado policía Javert (Russell Crowe). Cuando Valjean decide hacerse cargo de Cosette, la pequeña hija de Fantine (Anne Hathaway), sus vidas cambiarán para siempre. Adaptación cinematográfica del famoso musical ‘Les miserables‘ de Claude-Michel Schönberg y Alain Boublil, basado a su vez en la novela homónima de Victor Hugo.

Tráiler: https://www.imdb.com/title/tt1707386/videoplayer/vi2712512281?ref_=tt_ov_vi