A partir del año 2007, un término acuñado por el músico electrónico Moldover generó un boom entre la comunidad de música electrónica en general, el controlerismo (en inglés controllerism) había nacido.
¿Qué es el Controllerism?
A manera directa, es el uso de distintos tipos de interfaces de control para crear música, usando una computadora personal como el taller para ello. En cuanto a interfaces de control: todo es posible, el controlerista puede usar desde su viejo mando de SNES hasta el controlador más caro del mercado.
Todo es software
En la computadora se encuentra una amplia variedad de softwares destinados a las "rutinas" del controlerista, término análogo al DJ Session o DJ Set, sin embargo, si uno quiere inciarse en éste arte tiene que haber pasado las asignaturas obligatorias en los programas más básicos, éstos son:
Ableton Live (www.ableton.com): Un secuenciador de samples con capacidad MIDI (Musical Instrument Digital Interface) en tiempo real, que permite la mezcla masterización y producción final de una pieza musical. Este cuenta con diversas bases para la creación de instrumentos musicales digitales a la medida.
Native Instruments Traktor Pro (http://www.native-instruments.com/#/en/products/dj/traktor-pro/): El preferido de los DJ's inclinados al controllerism y de los DJ's profesionales. Opera mediante dos tornamesas digitales, expandibles hasta 4. Soporta comunicación MIDI y es posible controlarlo mediante timecode desde una tornamesa externa.
¿Qué hay del controlador?
De preferencia MIDI, personalizado a las necesidades y/o gustos estéticos del artista. Dichas interfaces pueden ser modificadas con algunos conocimientos de electrónica y de redirección de datos mediante software mapping, para entonces ya tenemos nuestro propio boleto de entrada a este mundo.
Un grupo de estos artistas ha decidido seguir explotando las capacidades customizables de las interfaces MIDI y ha logrado buenos resultados. El que más destaca de este grupo es el MIDI Fighter, interfaz de control que mediante una matriz 4 x 4 de botones podemos ejecutar samples o clips en nuestro secuenciador preferido. Lo especial de dicha interfaz es la capacidad que tiene el usuario de modificar el software de fábrica o firmware que viene incluido, de manera que el artista no se ciñe a las barreras que impone el fabricante.
El MIDI Fighter, promocionado por DJTechTools
¿Fronteras?
En cuanto al controllerism, dentro de lo que es música digital y audio, simplemente...no existen fronteras para lo que el usuario desee hacer. El concepto de este movimiento tecnológico es la ruptura de las reglas establecidas y la búsqueda de recursos más funcionales e interesantes para un público ávido de romper nuevas barreras sónicas.
ECOS es un equipo de investigación multidisciplinario cuyo objeto de estudio es el sonido. Fue creado en el verano de 2006 por iniciativa de alumnos y egresados de la facultad de Ingeniería Electrónica de la PUCP. Sus fundadores, reunidos inicialmente por su aprecio por la música, hilaron por entonces largas discusiones en torno al sonido, tanto en el Laboratorio de DSP como en la cafetería de Electrónica.
Pronto las charlas en ECOS devinieron en reuniones de estudio, traspasando así el aspecto artístico del sonido para converger en su primer programa de investigación colectivo, el cual sentaba las bases para una fenomenología del sonido. Partiendo de las apreciaciones sonoras más notables como la música, la acústica y el audio digital, ECOS logró reunirlas para optimizar los actuales métodos de procesamiento de audio digital. Así surgió el primer curso corto de procesamiento de audio digital dictado en agosto de 2006, marcando el inicio del equipo.
Desde entonces, ECOS ha motivado el intercambio de información entre la comunidad de investigadores, artistas, profesionales y aficionados del sonido. Siempre que ha sido posible, los integrantes de ECOS han realizado reuniones y entrevistas a los protagonistas de la escena sonora local. De esta manera surgió un nuevo gran proyecto en ECOS: Reunir a todos ellos en una Conferencia Multidisciplinaria de Sonido, en la cual sean expuestas las distintas apreciaciones del sonido con la finalidad de formar una escuela con identidad propia para el beneficio de la experimentación sonora en Perú. Si bien aún no ha sido posible dicho gran evento, esperamos pronto contar con el apoyo adecuado capaz de mantener el ideal de esta propuesta.
Con estos antecedentes, es natural que cada logro de ECOS gire en torno a un eje principal: La comprensión del fenómeno sonoro en su totalidad que promueva el desarrollo y la innovación científicos en torno al mismo, para beneficio de la comunidad en sus aspectos clínico, social, educativo y de entretenimiento. De esta manera, nuestros mayores logros han sido:
a) La implementación de un sintetizador en un chip, por José Romero, proyecto reconocido por la Dirección Académica de Investigación como premio PAIN2007.
b) El desarrollo de un codificador de voz para música asistida por computadora, por Daniel Salvador, el cual fue presentado en la 124ava Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio, en mayo del 2008 en Amsterdam.
c) La realización de un procesador de efectos de sonido basado en reverberaciones, por Manuel Morán, sustentado como tesis de Licenciatura.
d) El desarrollo de dos cursos cortos de procesamiento de audio digital.
ECOS también ha colaborado en despertar el interés por el sonido dentro de la facultad de Ingeniería Electrónica, reflejado en el aumento de temas de tesis en audio, como las de los tesistas Marcos Inoñán, Jonathan Carrasco y Julián Torres, todos ellos miembros de ECOS. Por otro lado, es una gran satisfacción para el equipo ver como sus miembros crecen profesionalmente de manera individual. Gerardo Cárdenas es ahora director de la revista digital Numero Zero, premiada recientemente en Cuba. Chris Tomas acaba de graduarse como Magister en Microelectrónica por la Universidad Federal de Rio Grande do Sul, en Brasil, y Manuel Morán acaba de graduarse como Ingeniero Electrónico por nuestra casa de estudios. Daniel Salvador ha mostrado en Buenos Aires el primer escenario auditivo tridimensional basado en modelos físicos, desarrollado por él mismo en el taller ISONAR de la Universidad de San Martin de Porres donde labora. Además, José Cerna entró a laborar a IBM, Marcos Inoñán al Radio observatorio de Jicamarca, y Jonathan Zevallos a Telefónica.
Actualmente, ECOS está construyendo un reproductor de sonido 3D basado en arreglos de altavoces, con el cual busca difundir los escenarios acústicos virtuales, promoviendo su uso tanto en la investigación clínica, acústica y fenomenológica como en el arte y la industria del entretenimiento. Para conocer más sobre ECOS y estar sintonizado con la vanguardia tecnológica en sonido, te invitamos a frecuentar los siguientes contactos:
El nuevo tour de la banda Irlandesa U2, llamado “360° Tour“, iniciando la gira en el estadio Camp Nou de la ciudad de Barcelona.
Willie Williams ha vuelto a trabajar de nuevo con el arquitecto Mark Fisher (ZooTV, PopMart, Elevation y Vertigo), para crear un innovador diseño de 360˚ que ofrece una vista sin obstrucciones al público. U2 360 también marca la primera vez que una banda va a realizar una gira en estadios con una estructura tan única y original.
El 360º Tour mostrará, entre otras características, un escenario que será dispuesto en el medio del estadio (llamado “The Claw” o “La Garra”) y estará rodeado por una espectacular estructura de luces y sonido, la cual se sostendrá en cuatro columnas.
La empresa encargada del sonido y las luces es Clair Brothers. El sistema es un sistema Clair Line Array de la empresa. Se toma aproximadamente 3 días en armar y setear todo el sistema, tanto de sonido como de luces. Se ha rodeado a la audiencia con un cinturón de parlantes además de torres de Line Arrays con lo que no se deja ningún punto sordo en todo el recinto del concierto.
"Va a ser una gira muy grande, la gira más grande que hemos hecho", revela Paul Macguinness, maganer de U2 a la revista Hot Press "Vamos a tocar sólo en estadios. Estadios de fútbol. Eso excluye, por ejemplo, estadios de béisbol, porque la producción que hemos diseñado es de 360 º. Es un escenario con público por todos los lados. “dijo Paul Mcguinness para la revista Hot Press (Principios de marzo de 2009)
Datos importantes que ha comentado el manager de U2:
1. Va a ser la gira más grande de U2
2. El escenario de 360º estará ligeramente escorado del centro
3. No hay 'parte de atrás'. Desde todas la grada se podrá ver a U2
4. Habrá entradas muy baratas... y otras no tanto
5. Comienza en Europa. 6 semanas de descanso y continua en América del Norte.
Aquí una muestra de lo que se usa para el concierto.
Del 09 al 20 de marzo se llevo a cabo el Curso de Procesamiento de Audio Digital organizado por ECOS y la Especialidad de Ingeniería Electrónica de la PUCP. En el que participaron alumnos de ingeniería electrónica de la PUCP, UNI y UPC, músicos, además de profesionales en la industria de audio de Alpamayo (cine) y String-net (tecnología multimedia).
Se logro cubrir los temas planteados y se dio las herramientas teóricas e informáticas para que puedan desarrollar sus propios proyectos.
Ahora ECOS se encuentra trabajando en los temas de audio multicanal que esperan mostrar en próximos eventos.
• Aprenderás a generar y manipular objetos sonoros usando métodos de procesamiento digital de señales y música asistida por computadora.
• Serás capaz de agregar interactividad y sonido envolvente a tus proyectos de audio digital, gracias al control de sensores y la espacialización de audio multicanal.
• Dirigido a alumnos y egresados de las especialidades de ciencias e ingeniería y ciencias y artes de la comunicación, profesionales de la industria del sonido, músicos, y egresados de carreras afines interesados en ampliar su horizonte creativo en proyectos de audio digital.
Del lunes 09 al viernes 20 de marzo De lunes a viernes de 6.00 p.m. a 10 p.m.
Laboratorio V103 de la Sección Electricidad y Electrónica de la PUCP.
Temario:
I. Historia de la investigación en sonido
II. Acústica y psicoacústica
III. Muestreo, cuantificación y codificación de audio digital
IV. Filtros digitales
V. Líneas de retardo y reverberadores
VI. Procesamiento en tiempo real
VII. Sintetizadores interactivos
VIII. Sonido envolvente y espacialización
IX. Audio en Linux
X. Proyectos
Para mayores detalles te invitamos a revisar el programa y el poster del curso.
Informes e inscripciones:
Pabellón V tercer piso Facultad de Ciencias e Ingeniería
Teléfono: 626-2000 anexo 4675 (de 9am a 1pm y de 2pm a 6pm)
Correo electrónico:
cursos_electronica@pucp.edu.pe
equipo.ecos@pucp.edu.pe
Jaime Oliver es músico y compositor. Una tarde de verano me recibe en los estudios de Realidad Visual en Barranco. Acompañados de una agradable vista frente al mar conversamos, entre otras cosas, sobre su próxima exposición en la Conferencia Multidisciplinaria de Sonido organizada por ECOS.
Vienes realizando un doctorado en la universidad del Sur de California en San Diego. ¿Podrías comentarnos acerca de tus estudios?
Es un programa de música por computadora en el departamento de música. Además trabajo como investigador en CRCA, el centro de investigación para la computación y las artes. Actualmente mi trabajo se enfoca en el uso del gesto humano para el control del sonido electrónico.
¿Cómo interactúas con ingenieros electrónicos o informáticos durante la realización de tu obra?
Me gusta hacer yo mismo la programación. Creo que te da una comprensión más cabal de lo que estás haciendo y permite una afinación al detalle. Trabajo con ingenieros sobre todo para aprender más que para delegar.
¿Incorporas conceptos técnicos en tu obra o solamente los usas como herramienta?
A nivel conceptual definitivamente uno termina incorporando ciertas cosas, es una parte integral de la obra. Hay mucha gente que habla de programar como arte y eso me parece bastante cierto. Desde el momento de conceptualizar la parte técnica uno ya está viendo la obra misma en el resultado final.
Los conceptos de modulación de la teoría clásica de comunicaciones han sido empleados en la música electrónica. ¿Continúan influyendo los conceptos de telecomunicaciones hoy en día?
Hay muchas cosas que se siguen usando, por ejemplo la modulación, aunque las frecuencias de audio siempre son menores a las de telecomunicaciones. También hay mucho arte en red o network art. En general cuando estás utilizando una computadora definitivamente las telecomunicaciones son parte de la obra. Creo que están bastante ligadas.
Sobre la motivación para incorporar tecnología en tu obra. ¿Te acompaña desde el Conservatorio Nacional de Música o la adquiriste en CRCA?
Desde acá ya lo venía haciendo aunque de una manera menos técnica, usando mucho software prefabricado. Ahora he adquirido una serie de técnicas y conocimientos que me permiten hacer realmente lo que quiero. Además aprende uno en el proceso a saber dónde buscar lo que uno necesita aprender. Definitivamente estoy haciendo un poco lo que quería hacer pero con conocimiento de causa.
Realizabas el proyecto de una batería que excluía el sonido del golpe de la baqueta...
No es formalmente una batería. Fue concebido como un tambor para una obra para percusión y electrónica, pero fue poco a poco transformándose en un controlador bastante más versátil. Como ahora lo uso con las manos se ha convertido prácticamente en un instrumento en sí mismo.
Gracias a tu visión multidisciplinaria del sonido fuiste invitado a la próxima conferencia organizada por ECOS ¿Cuál es el tema que presentarás?
Es el resumen de algunas cosas que ya he venido trabajando por separado y voy a tratar de juntar para esta ocasión. Es el aspecto perceptivo relacionado al gesto y al control del sonido electrónico mediante el gesto humano.
¿Hablamos de convertir los movimientos en música?
Sí. En la historia de la música electrónica, que no tiene más de sesenta años, hemos desarrollado muchas técnicas para hacer sonido, pero no tantas y no tan interesantes para controlarlo de tal manera que uno pueda ejecutar un instrumento electrónico en vivo. Hay pocos ejemplos realmente exitosos de control de sonido en vivo. Mi investigación busca esos ejemplos exitosos, como el controlador de las manos de Michael Waisvisz en Holanda y la investigación que se viene haciendo en STEIM, hasta mi propio trabajo.
La tendencia es superar la limitación del teclado de computadora como interfaz…
El teclado es una interfaz que ha limitado la creación y la ejecución de música electrónica en el mundo. Es un paradigma de control que no necesariamente se ajusta a ciertos tipos de sonido que pueden beneficiarse de un tipo de control distinto al de un teclado.
Una de las ponencias de la conferencia tratará el tema de la sinestesia: El cruce de los sentidos. Estará a cargo de Leonardo Camacho. ¿Encuentras alguna relación entre la sinestesia y la percepción de movimientos como música?
Sí, de alguna manera. Creo que la sinestesia es una relación más neurológica que voluntaria. En teoría, es el estado de los sentidos que todos tenemos cuando nacemos y según vamos creciendo empezamos a diferenciar un sentido de otro. Todos tenemos, si bien no una percepción sinestésica, una percepción multimodal. Esta última palabra significa que oímos tocar a alguien una guitarra y lo estamos viendo al mismo tiempo, sentimos así que las ondas tocan nuestro cuerpo no solamente oyéndolas. Siempre percibimos con todos los sentidos al mismo tiempo.
A propósito de la multidisciplinariedad en sonido ¿Cómo surge y se concreta una investigación de esta naturaleza en CRCA?
Actualmente, mi trabajo es más artístico que necesariamente científico, pero el gran beneficio de una investigación multidisciplinaria es tener un punto de vista absolutamente distinto al tuyo, ya sea complementario, antagónico o reforzante. Eso es lo que lo hace interesante, que hay alguien que no va a estar necesariamente de acuerdo contigo o que va complementar tu opinión.
¿Cómo ves la investigación multidisciplinaria aquí en Perú?
Lo que no veo en el Perú es investigación. El problema es que el término multidisciplinario o interdisciplinario está de moda, entonces todo el mundo habla de investigación interdisciplinaria pero las instituciones en general no, al menos desde mi punto de vista y quisiera estar equivocado. No veo instituciones que se comprometan con la investigación científica o artística.
El director del Conservatorio Nacional de Música, Fernando Delucchi, tomando como referencia la obra multidisciplinaria de Michel Chion, ve muy lejana la gestación de un movimiento multidisciplinario en torno al sonido. ¿Qué opinión tienes al respecto?
Me parece o negativo o muy realista. La investigación multidisciplinaria es algo que puede ser real en poco tiempo, pero depende mucho de las instituciones. Si eso lo dice el director del Conservatorio es sintomático del crecimiento de la investigación multidisciplinaria. El conservatorio es una institución musical con un modelo bastante tradicional. Sin embargo, instituciones como la Católica o como San Marcos, con disciplinas dentro de las cuales hay humanidades y ciencias, son bastante más propensas a crear un ambiente multidisciplinario. El caso de ECOS me parece claro. Sería bastante interesante que ECOS empezara a hacer proyectos psicoperceptivos con la facultad de psicología.
ECOS surge en una facultad de ingeniería electrónica, con la mayoría de sus miembros interesados en procesamiento de señales ¿Consideras esto un hecho a favor o en contra?
No creo que la formación implique nada, es más, creo que la formación en realidad la hace uno mismo. Que salga de una facultad de ingeniería electrónica me parece hasta bueno.
Sería interesante una interrelación con las áreas de humanidades como mencionas.
En el área de humanidades de la Católica está empezando la escuela de música. Está el conservatorio también. Hay científicos interesantes en el Perú, aunque a veces la ciencia es un poco más olvidada que las artes. Creo que los proyectos interdisciplinarios surgirán de la gestión de personas y no de instituciones, y que son las instituciones las que van a tener que reconocer esto, que está sucediendo y hay que verlo como algo positivo.
¿Cómo ves la investigación en sonido en un país como el nuestro, con problemas sociales por resolver?
Es el típico discurso que no nos conduce a nada. El discurso “No hay que invertir en educación porque todavía hay pobreza” es lo más reaccionario que se puede imaginar. El decir “no hay que invertir en ciencia, no hay que invertir en investigación y desarrollo porque todavía no hemos logrado solucionar el problema de la pobreza” es lo mismo. Los problemas sociales del Perú no van a solucionarse sin educación ni sin investigación, y el estado no parece entender eso.
En efecto, fue en una institución privada donde se unieron personas con un gusto e impulso común por hacer investigación en sonido, así surgió ECOS
Ahí está lo interesante. A partir de una iniciativa de estudiantes o de egresados, una institución puede llegar a reconocer ese grupo de gente como valioso. Es el tipo de personas que si en el futuro tienen una posición pública pueden llegar a generar conciencia sobre lo que se tiene que hacer en el país para que la situación cambie.
Hablemos de la fidelidad sonora ¿qué opinión tienes acerca de los nuevos sistemas multicanal y la espacialización?
Nuestra vida es espacial, involucra percibir distintas fuentes de sonido de distintas direcciones con múltiples rebotes. La espacialización se convirtió en un momento en una meca que no es: No hace una música buena o mala, o no hace un sonido mejor o peor. Pero sí tiene cosas importantes. Un sonido inmersivo es más natural que un sonido de un solo parlante. Por otro lado, hay gente que toma como un valor estético trabajar con uno o dos parlantes como máximo.
¿Cuál es tu opinión entonces acerca de la fidelidad sonora?
No tendría tanto que ver con la espacialización como tal. Fidelidad es un término problemático pues significa ser fieles a algo, y no sé si lo que queremos es ser fieles a una realidad, sobre todo cuando estamos haciendo sonido musical o artístico. A veces queremos hacer sonido por el sonido. La espacialización tiene muchos beneficios pero me preocupa siempre el término fidelidad, es decir, ser fieles ¿a qué?
Algunas personas logran diferenciar la textura de un sonido digital de la de un sonido analógico ¿es posible o es un mito?
En mi opinión es un mito. La cinta magnética tiene un soplido y los discos de vinilo tienen un rasgado propio del medio. El medio digital es más limpio en ese sentido, pero hay gente a quien le molesta esa limpieza. Si grabo un sonido en digital y en analógico, en cuanto a frecuencias de muestreo, un sonido digital está perfectamente dentro de nuestras capacidades perceptivas. 16 bits ya es prácticamente obsoleto, ahora podemos grabar en 24 y en 32, y creo que es más que suficiente.
Acerca de tus proyectos actuales como artista ¿siempre en la música o planeas integrar más elementos a tu obra?
Siempre tratando de estar abierto a otras disciplinas pero lo que hago es música. Siempre he colaborado interdisciplinariamente con pintores, videoastas y cineastas. Me parece interesante por la percepción multimodal, o sea con todos los modos perceptivos y siempre atento al mundo. Me interesan también las interfaces y el trabajo en instalación. Sigo siempre buscando.
Qué opinión tienes acerca de la clasificación de los aspectos del sonido propuesta por ECOS: la audiología, la acústica, el audio digital, la música y la audición social.
Todas las clasificaciones son útiles para el análisis y es lo que ha hecho siempre la academia. Creo que al final ninguna clasificación sirve. Es importante para ordenar las ideas y tratar de aproximar la realidad infinitamente compleja, pero a la hora de la hora el sonido es el sonido.
¿Qué es el sonido para tí?
Es un fenómeno físico y creo que no hay mucho más que eso. Sucede en el tiempo, esa es la característica más importante.
Michel Chion afirma que en lo visual la escena está muy diferenciada de la imagen percibida, poseen nombres distintos, en cambio denominamos sonido tanto a la fuente como a lo que percibimos. ¿Consideras necesario añadir más términos al campo sonoro?
Es una cuestión académica y la tendencia a nombrar cosas no es gratuita. Cuando uno escucha una guitarra que sale de un CD no dice “es una guitarra que suena en un CD”, si no dices “es una guitarra”, cuando hay distorsión dices “es una guitarra”, y si la distorsión es muy grande dices “es una guitarra distorsionada”. Nuestra capacidad de nombrar cosas y reconocer timbres es grande, compleja, y de la menos estudiada. Reconocer entre trescientas mil voces la voz de una persona conocida es automático; uno sabe reconocer esa voz incluso con la distorsión del teléfono. Es lo que Gibson llama la invariabilidad del sonido. Nombrarlo es un reflejo de nuestro sistema perceptivo, y la necesidad de nombrarlo distinto es porque algo en nuestro sistema perceptivo lo percibe como distinto.
Según Pierre Schaeffer para comprender un sonido no hay que olvidar su simbolismo, el gran simbolismo del mar por ejemplo, el sonido que nos acompaña esta tarde.
Claro. Los mares realmente suenan distinto, es curioso que lo menciones, porque llamamos el mar a muchos sonidos distintos, pero en ese caso tienen un significado al cual nos es importante darle un nombre. Cuando uno escucha una melodía happy birthday o un himno nacional, ambos tienen un significado y un simbolismo que el sonido no tiene. En general, el sonido no es semántico necesariamente y en música eso es especialmente cierto.
Muchas gracias por tus palabras Jaime.
De nada. Hemos hablado bastantes cosas. En mi página pueden ver lo que estoy haciendo y sacar sus propias conclusiones.
Creamfields Perú – Mamacona Lurín - 10:30pm: Comienzo la noche adentrándome en la Panamericana Sur, pasando sobre el puente de Lurín, una fila interminable de autos, cada uno con más energía que otro de pasar una noche interminable de baile. La espera se hizo mayor, luego de 20 minutos, habían cuatro filas de autos y el carril contrario no existía, todos desesperados por ingresar y estar ya en Creamfields.
“Todo lleno adentro” – escuché. Estacioné mi auto en plena vía, no existía otra posibilidad. El camino era entonces una caminata a trocha, nuevamente, interminable. Camino de 3 a 4 Km de trocha, haciéndose esperar con más ansias tremendo evento con exponentes A-1. Luego de casi una hora de travesía, logré el apreciado ingreso. El lugar era familiar para mí, el piso lleno de flyers del evento, empiezo escuchar el famoso beat electrónico.
Fue realmente asombroso: 5 zonas techadas, cada una más espectacular que la anterior. Cada una con un estilo particular, y con DJs distintos, claro está. El Cream Arena: una carpa triangular verde gigantesca de 20 metros de alto y 3 pantallas gigantes, albergando alrededor de 800 personas coreando, gritando y bailando bajo la dirección de los beats de Sebastien Leger, reconocido DJ frances. Por otro lado el Red Bull Tent: una carpa blanca mucho mas íntima para alrededor de 200 personas, donde Maysa Lozano, DJ del medio electrónico, nos daba un poco de sus pinchadas mas energéticas. Luego dos zonas para los asistentes VIP, carpas mucho más pequeñas y privadas. Pero lo más espectacular fue el Main Stage, un escenario inmenso de alrededor de 100 metros, 3 proyectores y 10 pantallas LCD gigantescas que rodeaban a todo el equipo de un DJ como Anthony Rother. Este lugar sí podía albergar a la gran masa, alrededor de 3000 personas, incluso más. Es curioso pues los sonidos de una zona y otra no se confundían de manera distorsionada, al contrario había como un suave movimiento y crossfade entre ellas.
Asombrado e incrédulo aún, me posicioné primero en la zona Cream, donde mi DJ preferido estaba ya tocando, y sus mezclas empezaban a darme una idea de lo que sería una noche de electrónica pura. Terminó su tiempo y pasó la posta a Desyn Masiello, quien provocó mis primeras señales de sudor y gritos a “reventón” (nombre dado al momento en que el beat principal desaparece y elevan los BPM de los sonidos extras hasta que se agudizan, pasan un límite y sueltan el beat; por alguna razón esto desencadena la euforia de todo el publico que grita con mayor energía saltando y bailando).
Vi en mi cartilla comentarios sobre Felix da Housecat. 11:45 me dirigí hacia Main Stage, el tocaría ahí. Ya sin batería en mis celulares y mis amigos perdidos decidí que aquella noche electrónica dependería sólo de mi relación con el sonido, los beats y la energía. Felix me dio el primer gran regalo de la noche, el que fue, hasta ese momento, la mejor tocada, llenísima de reventones, de sonidos nuevos, con mucho detalle y elegancia para colocarlos.
Con una sonrisa en el rostro, me acerqué hacia zona Cream, la cual para mi tenía a los favoritos y con pinta de ser uno de los DJ’s boom del momento. Sin embargo Satoshi Tomiie, no lleno mis expectativas, música con poca energía, sin muchos reventones, tonos más suaves, experimentales, de esos ritmos que como buen peruano “no te empila”. Sin pensarlo dos veces y con una gamma de opciones como la de ese sabado no pensé dos veces en reinstalarme en otro lado. Recorrí todas las zonas y no encontré algo que me convenciera con contundencia. ¿Será el final de mi noche? – me dije.
Luego de 15 minutos en Red Bull Tent, se coloca una DJ mujer, rasgos orientales, desconocida para mí en realidad: Jumi Lee. Aplausos previos, empezó a cautivar y llenar de energía mi cuerpo, a darme esa sonrisa de éxtasis, saltando y bailando al ritmo de sus mezclas y sus reventones. Fue la revelación de esa noche. Aplausos Jumi Lee. Ya era casi la mitad mi travesía y corrí a Main Stage: Steve Lawler, de los Top10 del mundo, fue el mejor representante de la noche. Dos horas llenas de beats, reventones, de juego con el público, de mezclas interesantes y de la talla de un grande como Lawler. Al inicio me encontraba casi a 30 metros de distancia, terminando la noche en primera fila como fiel seguidor de sus tracks y muestra que estaba hipnotizado con su ritmo.
Desperté de mi trance a las 5am con su despedida y un remix de Bitter Sweet Symphony canción conocida por el grupo the Verve, con una luz en el cielo que daban signos de amanecida, el cuerpo ya empezando a dar sus primeros signos de una noche de energía desbordada. Casi ya sin fuerzas pero entusiasmado de dar el último aliento en esa noche en el Red Bull Tent, Kike Mayor termina por dejarme con los achaques iniciales de un post-rave.
La noche terminó con unas notas con Markus Schulz en el Cream Arena, despidiendo así el Creamfiels Perú 2008. Si tuviera que describir la noche en una frase seria: Energia Sicodélica: Por el derroche de energía humana y sicodélica, pues no sólo la música, sino las luces, la gente, todo se veía así.
No se puede negar que la música electrónica esta en voga. Estos últimos 5 a 7 años han surgido infinidad de nombres en el mundo a través de sus famosos tracks, beats, y mezclas que hacen de su música única y particular.
Creamfields un evento sin precedentes dentro del ámbito de la música electrónica. Es un evento nacido en Gran Bretaña que es tradición ya desde 1998 cuando se realizó este festival por primera vez donde “pincharon” Run DMC y otros DJ’s de la época.
Estas “tocadas” tienen la particularidad de ser mega eventos al aire libre donde se confluye la energía, la música, electrónica y el deleite y euforia de un público que bailará durante 15 horas seguidas pues en estos eventos la cantidad de DJ’s que se convocan es alrededor de los 20.
Este mega evento tiene varios años aquí en el Perú y han realizado sus festivales en lugares concurridos por la escena electrónica local como son: El Centro de Convenciones Maria Angola o el ya cerrado Costa Linda (donde se realizaron varios eventos en años emergentes de la movida).
Este año no será la excepción. Este 2008 Creamfields traerá más de 15 de sus grandes exponentes de la escena electrónica mundial como son: Sebastien Legar, Satoshi Tomii y Steve Lawler, e incluidos, por supuesto, varios de nuestro DJ’s nacionales como: Rodrigo Lozano y Christina Berger conocidos y renombrados también internacionalmente.
Este concierto se realizará el 15 de Noviembre en el Fundo Mamacona y promete ser la tocada electrónica del año. Las estradas están vendiéndose en Teleticket de Wong y Metro, así que mi asistencia esta más que asegurada a este festival, que se da una vez al año y que es realmente imperdible para cualquier beatmaniatico.
Fernando De Lucchi es, ante todo, pianista. Fue nombrado Director del Conservatorio Nacional de Música el 2006, ha trabajado en el proyecto híper-instrumentos del MIT el 2001y es profesor en la PUCP desde 1991. Dictó el primer curso de música por computadora en el conservatorio. Una tarde de setiembre me recibe amablemente en el local del conservatorio en el centro de Lima, para conversar sobre su participación en PLASMA, primer encuentro de de arte y nuevos medios.
¿Qué tal la presentación en PLASMA?
Me da la impresión que la presentación que hice en PLASMA no fue oída en su totalidad. Y no me refiero a la parte acústica. Cuando uno tiene convicciones muy arraigadas es difícil seguir un discurso que va en contra de ellas. Y mi discurso iba un poco en contra de lo que propone lo que llamamos arte medial.
El tema de la presentación era "Conservatorios y arte medial: ¿bipolaridad de direcciones" ¿cual es la relación entre los conservatorios y el arte medial?
Los conservatorios tienen laboratorios de electroacústica y dan cursos que técnicamente permiten a una persona poder acercarse al arte medial. En mi opinión, la gente que trabaja en arte medial, sobre todo en el Perú, viene de áreas que no son artísticas: ingenieros, matemáticos, o gente que estudió un año de música o un par de pintura. Por eso, no siento que haya un peso que nos permita decir que en el Perú hay artistas mediales cuya obra va a trascender.
Pero cuando aparece la música concreta, por ejemplo, los que la trabajaban no eran músicos sino de otras especialidades. Xenakis era arquitecto, por ejemplo.
A partir del siglo XX se van marcando dos tipos de artista. El que prefiere sesgarse hacia lo que tiene que ver con las sensaciones, las emociones; y el artista que produce su arte en relación al raciocinio. Esta segunda opción me genera ciertas dudas. Cuando encuentro un artista que solamente piensa me pregunto qué tanto talento tendrá, porque muchos ocultan su falta de talento detrás de una gran capacidad para elaborar discursos estéticos.
Desde ese punto de vista, el arte medial no es arte trascendental.
No puedo decir que no sea arte, pero puedo afirmar que aún está muy joven y me da la impresión de que las personas que lo cultivan no tienen una formación artística que es absolutamente necesaria para hacer arte. Alguien que maneje bien computadoras pero que no conoce la estética de hace mil años puede estar experimentando cosas que ya se hicieron. Cuando el arte medial tenga medidas más claras para valorarse a sí mismo, empezaré a creer en él como arte.
Ese background cultural y artístico puede ser proveído, por ejemplo, desde el conservatorio.
Claro. Para que alguien quiera hacer arte es necesario que conozca lo que se ha hecho antes, para saber qué cosas tomar, qué proponer, qué lenguajes desarrollar. Si no se hace así, se están desperdiciando muchísimo conocimiento y experiencia que han dado solidez a un arte.
Los conservatorios, aunque sean vistos como entidades tradicionales encargadas de mantener vivas obras que trascienden su época, constituye una especia de brújula para todas aquellas personas que quieran dedicarse al arte, para no caer en los refritos o en las obras que no tienen sentido.
Su propuesta es, entonces…
Debe separarse lo que es actividad lúdica o de desarrollo social -para lo cual el arte medial puede ser una herramienta fantástica- de lo que es la creación de obras de arte. Si quieren ponerle el nombre de arte medial, tienen que ganarse primero el mérito de que se denomine arte y que no quede en el ámbito de que el arte puede ser también un oficio.
¿Se dictan cursos de música por computadora en el conservatorio?
Sí, claro. De hecho, quisiera abrir la especialidad de tecnología musical, pero aún no tenemos infraestructura para implementarla. Y de esa tecnología musical seguramente saldrán muchos artistas mediales. Pero lo que me gustaría es que sean artistas mediales y no aficionados que se divierten y realizan actividades lúdicas a través de lo que llaman arte medial.
El proyecto PLASMA, organizado por Realidad Visual con el apoyo del Centro Fundación Telefónica y el Centro Cultural de España, se llevará a cabo los días 3, 4, y 5 de setiembre de 2008.
PLASMA busca promover el intercambio de ideas y la formación de consensos, respecto de las experiencias, percepciones, expectativas y proyecciones en la comunidad de gestores, educadores y artistas mediales peruanos. Se formarán mesas de encuentro, debates y grupos de trabajos que buscarán no solo compartir y socializar experiencias e ideales, sino también trabajar en colaboración hacia la creación de una publicación que saldrá en marzo de 2009 y contendrá las actas y aportes presentados durante el evento.
Para mayor información, los invitamos a visitar la página web del proyecto PLASMA.
Por motivos de finales no he podido hacer la nota antes, lástima, El Comercio y E-Quipu ya adelantaron la noticia, así que agregaré detalles de mi última visita al festival. Me quedo con la Frase de Alejandro Cornejo, curador de la muestra: "La meta es hacer el paisaje sonoro del mundo, ojalá nos alcance el tiempo".
La intención del festival es mirar nuestra ciudad, nuestro espacio, nuestro hábitat, desde una perspectiva que usualmente pasa desapercibida: el sonido. Sonidos de combi, parques, plazas y demás lugares públicos se mezclan para transportarnos espacial y emocionalmente a lugares de nuestra ciudad, nuestra gran casa Lima.
Una nota interesante: habrán conciertos "acusmáticos". Los artistas tocan detrás de una pared blanca mientras los espectadores escuchan por medio de audífonos. Aquí la lista de músicos:
Para información sobre las fechas y horas de los conciertos ver la página oficial de la muestra
Ojo 1: La muestra va hasta el 24 de Julio. Podrán molestar a Daniel los sábados y domingos.
Ojo 2: Fotos y videos míos (se nota por la mala calidad ¿no?) Salvo la de abajo (se coló Daniela, pero no hay problema)
-¿Y si te unes al grupo de investigación que estamos formando con unos amigos de Ingeniería electrónica?- me preguntó Daniel Salvador una tarde de verano, muchos meses antes de convertirse en el director de ECOS- Necesitamos enfocar el estudio del sonido desde todos los ámbitos posibles, y pensamos que un comunicador nos será de gran ayuda.
-¿Investigación en sonido? -le pregunté, luego de haber aceptado- ¿Es igual a investigación de música, o quizás de temas ingenieriles, como procesamiento de señales; o quizás sobre física y acústica?
La respuesta resultó mucho más interesante de lo que me imaginé en un primer término.
-La investigación en sonido que planeamos –me explicó Daniel- implica tres focos desde donde mirar el fenómeno: El artístico (representado por la música), informático (procesamiento de señales digitales) y físico (acústica). Por ello, surge la necesidad de un equipo multidisciplinario que logre reunir estos tres aspectos del sonido, para ayudar a su mejor comprensión.
Y es así como, en febrero del 2007, nace la propuesta del equipo ECOS (Estudios Contemporáneos de Operaciones con Sonido): investigar un objeto definido –el sonido- desde todos los puntos de vista posibles.
Así, se empiezan a planear los trabajos del equipo, teniendo como norte la propuesta original.
Primero se dio una fase de estudio exhaustivo, en donde se sentaron los cimientos para el curso “Procesamiento y síntesis de audio digital”, realizado gracias al apoyo del equipo GPDSI (Grupo de Procesamiento de Señales e Imágenes) y la sección Electricidad y Electrónica.
A partir de esta actividad –y de las reflexiones en cuanto a investigación que esta supuso- se decidieron los proyectos en los actualmente trabaja ECOS:
1) El desarrollo de un Vocoder (codificador de voz). Se trata de un sintetizador con el cual se puede generar voz artificial a partir del modelado físico de la voz humana. Entre sus aplicaciones podemos encontrar: sistemas de telefonía celular, contestadores automáticos e, incluso, sintetizadores para música electrónica.
2) También se busca implementar – con la asesoría del profesor Jorge Moreno, del Laboratorio de Acústica- un modelo a escala de un arreglo lineal de parlantes. Se trata del mismo modelo utilizó el profesor Moreno para el concierto de Juan Diego Flórez en el auditoria del Callao.
3) Además, está sobre el tapete el desarrollo de una nueva tecnología para procesamiento de sonido: FPGA, un chip que mejora la velocidad y calidad de los equipos de sonido tanto de estudios de grabación como para conciertos.
De esta forma, se abre una gama de campos y oportunidades de investigación que cada vez necesita de más ciencias para poder realizar un estudio cabal del asunto. Y no resulta sorprendente que estos estudios sobrepasen el campo de estudio de las ciencias exactas, y tengan que recurrir a las ciencias humanas para cumplir con sus objetivos.
Las investigaciones continúan y los integrantes de ECOS prometemos tener noticias de nuestros avances muy pronto. Para ello, los invitamos a visitar nuestra página web http://www.ecosonido.net o nuestro blog, http://blog.pucp.edu.pe/ecos
Ahora hacer una radio virtual está al alcance de todos
Por: José Cerna.
Hace un par de meses venía yo buscando la manera de difundir el show que realizaban unos amigos, sin generar grandes costos y con acogida por parte del público. Entonces un amigo estudiante de Comunicaciones me dijo:
“¿Porque no pones tu radio por Internet?”
En mi cabeza imaginaba poniendo unas cuantas antenas arriba de mi casa y unos aparatos enormes y pesados al lado de mi PC, queriendo de alguna forma tomar por asalto mi tranquilo y apacible hogar. Pero, ¿cómo se hace realmente una radio por Internet?
Cualquier curioso que haya “googleado” un poco ha podido encontrarse con la sorprendente sencillez de este menester, el cual concentra su atractivo en dos puntos: la factibilidad de hacerlo en casa y, lo más importante, el reducido costo de las instalaciones. Ojo, eso no quiere decir que no se va invertir nada, pero definitivamente el costo en comparación con la radio tradicional es muy bajo.
Para poder tener una radio por Internet, debemos tener una conexión bastante aceptable. Hablamos de unos 256K como mínimo, y si transmitimos a 24k tendremos unos 19 a 20 usuarios. Así usamos una relación simple para calcular la cantidad de usuarios, la cual es igual a (Ancho de Banda x 0.9) / (Kbps a transmitir).
El primer paso es tener el software necesario para nuestra tarea. Winamp, conocido software reproductor de música, permite abrir un canal de transmisión de audio mediante los siguientes plug-in: SHOUTCast DSP Plug-in y SHOUTCastd DNAS. Este último configura el servidor y todo lo necesario para realizar la transmisión. Luego de este paso de configuración ¡ya tenemos nuestra radio!
Finalmente, necesitamos el plug-in de Line Recorder para capturar y transmitir nuestra voz. Ahora sí todo listo. Manda tu link a todos tus amigos para que te escuchen.
Como vemos es solo cuestión de orden, un poco de tiempo y paciencia para configurar, y obviamente que tu radio sea atractiva para que te escuchen. Si quieren una ayuda de configuración nuestro amigos de Maestros del Web nos la dan (http://www.maestrosdelweb.com/editorial/radioweb/)
El pasado miércoles 26 de marzo se inauguró en el Centro Fundación Telefónica la muestra de arte electrónico “Automático Versátil”, como parte de la exposición Blip! Robótica de Reciclaje. Gerardo estuvo curioseando por ahí. Publicada por primera vez aquí.
Llego al Centro Fundación Telefónica un día antes de la inauguración. Todos los artistas están congregados allí. Están dando los últimos toques a sus ya culminadas obras. Me encuentro en la entrada con un gran tubo de plástico transparente que alberga en su interior una colorida confusión de cables y microchips que me hacen recordar a cuando un técnico abrió el CPU de mi computadora.
Me detengo unos segundos contemplando ese laberinto electrónico y me dispongo a entrar. La bienvenida me la da un robot verde y chato. Es un tacho de basura, esos que han tomado Lima por asalto, posicionándose en cada esquina posible. Este robot -asegura la descripción- es capaz de perseguir al portador de cualquier tipo de desperdicio reciclable hasta lograr que éste cumpla con el bienestar ecológico de la ciudad: poner la basura en su lugar. Lamentablemente –y para suerte mía- el R2D2 color policía está desenchufado y es, por ahora, inofensivo.
Unos pasos más adelante me encuentro con tal cantidad de circuitos, motores, cables y chips de procesamiento de señales que mi mareo inicial pudo sin problemas convertirse en desmayo si no fuera por una cara conocida en medio de esa neblina electrónica: Gonzalo Cucho, estudiante de Ingeniería Electrónica de la PUCP, está apoyando a la construcción del “Stressómetro”, aparato eléctrico que mide, la cantidad de estrés del habitante de Lima.
Luego de cruzar unas palabras, Cucho me lleva con Clara Huárniz, diseñadora industrial e ideóloga de esta pieza. Al confesarle mi curiosidad, ignorancia y pánico al ver tantos cables sueltos y revueltos; Clara decide explicarme el concepto detrás de obra.
Se trata de un sensor instalado en el cruce de las avenidas Larco y Benavides, que capta en video el nivel de estrés de las personas que transcurren por ahí. “Cuando sales de tu casa te enfrentas a una realidad que usualmente invade tu espacio privado. Cuando caminas por la calle, esa violación se convierte en una carga emocional negativa: es el estrés. ¿A cuánto llegan los niveles de estrés cuando una persona espera largo rato parada en la esquina esperando por su carro? Eso queremos medir con el Stressómetro”
La torre de plástico transparente que está en la entrada al Centro es el que mide, de acuerdo a colores, los niveles de estrés de las personas.
-Entonces tu obra está más relacionada con un rollo social –pregunto.
-Sí, claro. La relación entre el individuo y el espacio en el que se desenvuelve. Los niveles de estrés en una persona no sólo afectan su lado emocional o psicológico, sino también el físico e incluso pueden alterar sus relaciones sociales.
Dejo tranquilos a Clara y Cucho. Prometo regresar una vez que la muestra esté inaugurada, y medir mis niveles de estrés al esperar mi combi en la esquina de dos de las calles más transitadas de la ciudad.
Luego de unas largas vacaciones regresamos con las baterías cargadas para seguir brindándoles las últimas novedades acerca de los “gadgets” musicales, y también comentarles sobre los temas en los que venimos investigando hasta ahora. Tenemos de todo un poco: vocoders, sintetizadores, pruebas para hacer en casa, artículos sobre la movida y entrevistas. Los temas más marcianos han sido tratados con esmero para que todos puedan entenderlos, de esta manera esperamos que los próximos posts sean de su agrado, para difundir así cuestiones sobre música que muy poco se tratan en nuestro medio.
