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Música de aquí y allá

¿Por qué el rechazo hacia Arjona?

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No es la primera vez que leo que músicos argentinos manifiesten una querella contra Arjona, el guatemalteco que vive en México. Parece que quieren degradarlo como músico, parece que algo les duele a estos argentinos entre los cuales está uno que considero un verdadero monstruo/genio/pilar indiscutible de la música: Fito Páez. Y es precisamente que me preocupa que Páez declare cosas ciertamente inmaduras… Arjona o los argentinos… esa es la cuestión.

Yo no soportaba a Arjona, hace algunos años. Su tema de Mujeres se me hacía de lo más ridículo, más machista y menos sensible y tenía muchas características para hacerlo hit de radio… sí, pero de la radio que escuchan en lugares de mal gusto y sin mucho criterio musical.

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Luego, y para colmo, sacó la de Jesús es verbo y de plano me llevó a tildar a este músico como “el poeta de las sirvientas”. Un mote que ganó las simpatías de mis amigos que, andaban en ondas musicales como la mía.

Pero con el tiempo fui dejando algunos prejuicios y poco a poco me fui permitiendo escuchar otros temas de Ricardo Arjona.

Ayúdame Freud viene a ser el éxtasis ar-jó-nico en mi parecer, un tema sutilmente jazzeado que me agrada en exceso. Con eso bastaba para perdonarlo, o mejor dicho, disculparme por haberlo prejuzgado inmaduramente.

Su disco Santo Pecado me pareció bastante completo y disfrutable, su Galería Caribe tiene buenas sorpresas, Adentro tiene un par de temas contundentes… e Historias sigue siendo un inevitable clásico.

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Ahora bien, Ceratti me gustaba cuando yo tenía 22 años, hace más de quince que NO lo soporto y el “regreso” de los Soda me pareció una ridiculez. Charly García ha sido sin duda el Frank Zappa del rock en español y tiene obras espléndidas… pero su época ha pasado… Sólo Páez me parece un músico total y vigente… además sus temas, son muy pero muy superiores a los de Arjona y Ceratti y muchos del Charly….

Así que, ¿por qué viene este disgusto pues?

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Boston (Disco 1 y 2): Mis ídolos del Rock 3

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Si hay un disco primero de una banda capaz de electrificar por completo la existencia de alguien, ese disco es Boston (I, disco homónimo). Y si hay un segundo e inmediato disco que complete el orgasmo musical original… ese es Don’t look back. He aquí mis impresiones.

Si bien conocí primero el segundo disco, majestuoso y sonoramente mágico “Don’t look back” quedé fascinado del poder de las guitarras y voz (y claro, todo un potencial armónico generado detrás le daba un toque único y determinativamente distinguible). Boston fue una banda… de Boston (qué curioso), liderada por un chico de Ohio, genio de la electrónica y con postgrado en el M-I-T (el prestigioso Tec de Massachutes, en Boston), que no le bastó ser un genio académico, sino que también tenía el don de Apolo.

Tom Scholz (y este apellido hasta me suena judío), en su propio estudio construido en el sótano de su casa hizo los demos, grabó los tracks y creó uno de los conceptos rockers más sólidos y virtuosos que yo recuerdo… pero a la vez tan uno tan efímero como lo fue la banda Boston. Si bien, inicialmente él tocaba los teclados, aprendió con facilidad el arte y la magia única de la guitarra, y reclutó al mago de las cuerdas Barry Goudreau, a la hermosísima voz de Bradley Delp, a Fran Sheehan y John “Sib” Hashian en la base rítmica. Toda una excepcional agrupación que, con creces, pudo sacudir al mundo de la música con apenas sus dos primeros discos.

Boston I (1976) y II (Don’t look back, 1978) son obras maestras indiscutibles. Sonido majestuoso, virtuosismo musical, letras positivas, requintos contundentes, timbre vocal de ensueño…. Todo lo que un buen concepto de rock siempre aspiró a ofrecer.

Desgraciadamente, el genio detrás de la banda, Mr. Scholz tenía otras ideas demasiado perfeccionistas que no permitieron trascender en un tiempo más prolongado a esta magnífica agrupación. Su Third Stage con apenas dos de los miembros originales… y peor aún, su Walk On con la soledad de Scholz, no sirvieron para forjar a una verdadera leyenda musical, capaz de apagar las pretensiones de cientos de otras frívolas bandas que pudieron sonar a través de los años con más producciones pero remotas en cuanto a esa calidad si se comparaban con Boston.

Estos dos emblemáticos temas de su primer disco.

Imagen de Internet

Dos increíbles muestras de la segunda producción. Sigue leyendo

De Los Grones (D.L.G.)

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Llevaba como seis años de adorar este tema musical, D.L.G. Nunca había tenido la remota idea de la razón de su nombre, y para aumentar mi confusión, yo conocí -antes que el original- la magistral interpretación de mi “paisana” la peruana-mexicana Tania Libertad.

Pues resulta que el tema es referido a un hecho histórico argentino, donde en el simbólico sitio de la Plaza de Mayo (ubicado a un lado de la Casa Rosada) hubo una manifestación de miles de obreros (llamados “negros” y que por juego lingüístico se cambiaba el orden de las sílabas volviendo la palabra “grone”) exigiendo la liberación del político Perón –que precisamente luego ganaría las elecciones-.

Ahora, ya tengo cuando menos tres saberes más en mi persona:

1.- Que el tema D.L.G. -como decenas de otros tantos- es autoría del genio musical Fito Páez.

2.- Que en ciertos países existe este juego lingüístico que altera palabras dando nuevos términos divertidos como: gotan, ponja, grone, telo, lorcho…

3.- (Me da por creer que) fue esa alusión “negra” la que motivó a Tania y Alex Synteks a considerarlo dentro del concepto del disco África en América. Pero esta negritud está referida a la esclavitud de la clase obrera ya que afroamericanos en Argentina, me sigue pareciendo un misterio dónde quedaron.

Aquí les ofrezco los temas… ambas interpretaciones, ¡supremas!

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INXS en exceso (Mis ídolos del Rock Vol. 2)

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INXS irrumpió en el mercado musical comercial de la década generosa (80’s) con un disco llamado Shabooh Shoobah (1982), que fue su primera producción lanzada en el mercado norteamericano (y obviamente vía MTV al resto del mundo). Como toda criatura australiana la banda sorprendía por ser muy diferente a las corrientes mainstream de la música (inicio ochentas venía a ser principalmente new wave o synth pop). INXS era como un ornitorrinco para los escuchas; o como un dingo, un demonio de Tasmania o un cocodrilo de agua salada…

Sonaba más hard (sin ser hard rock), su sonido era bailable (sin la ingenuidad syth o pop, sino por sutiles elementos ska y funk), además, INXS era un concepto familiar por llevar la sangre de tres hermanos de apellido Farriss… pero con un front man con pretensiones jaggerianas en versión sexy, metrosexual, irresistible. INXS se tenía que leer In-Excess porque era (ellos aseguraban), buena música: En Exceso. Y no mentían en absoluto en ello.

Shabooh Shoobah era un disco fresco, original… y más si sus dos discos anteriores eran desconocidos en la parte norte del mundo, pero de este trabajo, yo apenas conocí su portada en esos tiempos, que la veía cuando pasaba por esas discotiendas del centro de mi ciudad y no dejaba de llamarme la atención con esa fotografía tan extraña; alguien abrazando un perro flaco.

Imagen tomada de internet

Pero fue el disco de Escuchen como ladrones (Listen like Thieves, 1986) el que conocí primeramente y me dejó impactado (y hasta hoy sigo admirándolo). Un disco que sería el predecesor de su súper laureado y comercialmente redituable Kick apenas al siguiente año.

En Listen like thieves venían temas tan frescos y fuera de lo típico de la época como: What you need, Listen like thieves… pero con mención suprema a Biting bullets, This time y Three sisters (instrumental). O sea, solamente mencioné cinco temas del disco; un disco que te da cinco temas soberbios deviene siempre un clásico, masterpiece, objeto de culto y adoración… Conociendo más a esta banda fui comprendiendo que esto no era una mera casualidad.


Listen like thieves

Con Kick se volvieron multiplatinum y metieron cuatro temas en el Top Ten USA, todo un lujo y algo de pocos: Need You Tonight, Devil Inside, New Sensation y Never Tear Us Apart. Pero como todo embrujo de la gran fama, hizo que su siguiente álbum fuera criticado severamente por el mundo, bajaran sus ventas (que finalmente es lo que le da el aire al éxito y la fama).

INXS fue considerado, en cierto momento de la década de los noventas, como una de las tres bandas T-O-P de la música anglo (es decir, en base al rock) junto nada más ni nada menos que REM y U2… así que la trilogía english speaker USA, UK y Australia estaba completa… pero el tiempo dejaría de lado a los aussies.

Su disco Welcome to wherever you are (1992) fue comparado por algunos conocedores a la par de Achtung Baby de U2 (una de las obras máximas de la música noventera: Lo aseguro yo)… pero este disco pasó desapercibido por la radio y el mercado de música. Sin embargo, en lo personal, pienso que es una caja de suculentas sorpresas (¡No tiene madre!).

Luego el sexy Hutchence se suicidó en un hotel –como para emular a Morrison o por problemas sexodrogosentimentales-, no sé qué más pasó con ellos, pero ahora tengo (gracias a thepiratebay.org fuente interminable de torrents) catorce discos que disfrutar con mucha calma, porque INXS siempre ha sido buena música… En Exceso.

Taste it del disco Welcome

Y aquí le dejo la posibilidad de conocer el Welcome where you are, para que veas que no exagero (Click para descarga). ¡Disfruta sin prejuicio!
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Juanito el Puma Mellencamp: Mis Ídolos del Rock (vol.1)

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Deseo volver a reseñar algo de música, ante tantas noticias y temáticas abrumadoras que se dan por todos lados. Hablar de música me es un descanso y (me) ayuda a entender dimensiones no sólo personales, sino hasta contextuales de pasajes históricos. Esta primera entrega será sobre John Mellencamp, músico norteamericano al que admiro desde hace más de veinticinco años.

Nacido en el mes de octubre (algo que me emparenta con él) en el estado de Indiana, John no traía consigo la bendición del big city boy. Con una determinación enorme por desarrollarse como músico y viajando constantemente a Nueva York, consigue finalmente una producción musical bajo el management de quien entonces manejaba a David Bowie (como si esto fuera un determinante). John Mellencamp sacó su primer disco en 1976 con el mote de Johnny Cougar. Juanito el Puma… nada serio, creo, y para sorpresa este disco traía una serie de covers del rock (en mi parecer muy bien interpretados pero que, dado los años que corrían y la calidad musical que se derrochaba entonces) pues no pasó a más.

En ese tiempo, el joven John tenía plasmada en su música varios similitudes a las de Bruce Springteen, que justo se consagraba (The Boss había iniciado su carrera unos cinco años antes). Entonces, algunos “críticos” llegaron a considerarlo un “clon” del Jefe Bruce, aunque poco a poco vieron que esta afirmación fue apresurada.

De Juanito pasó a Juan, pero el “Puma” siguió como su chapa artística. Quizá para relacionarlo con ese sonido rock folk con matices country que en un momento tenía, y pasaron seis años y seis discos cuando finalmente John Cougar, justo en la recién comenzada generosa época de los ochentas, con su American Fool (1982) mete dos trancazos en los charts de everywhere; Jack & Diane y Hurts so good.

Si bien, no niego que la de Duele tanto sea una onda rock hard bastante bailable, estos temas no están ni siquiera en mis cuatro temas favoritos de este disco. Yo me quedo con China Girl (Mujer de China), A hand to hold on to (Una mano para aferrarse), In your weakest moments (En tus momentos más débiles) y Thundering hearts (Corazones que truenan)… nada mal, pero lo mejor estaba a punto de venir.

Curiosamente, en este año del éxito comercial y mediático de John Cougar, Bruce Springteen sorprende a todos sacando un disco completamente acústico e intimista llamado Nebraska, así que esos “caminos entrecruzados” que se decía había entre ambos músicos quedaban borrados de golpe.

En 1983, John Cougar logra meter su apellido en su nombre artístico; Mellencamp era el premio a su trayectoria musical forjada. En ese año saca el Uh-huh, su séptimo disco y ahora sí bajo su nuevo nombre John Cougar Mellencamp y poco a poco retomando una serie de temáticas sociales no tan urbanas que comienzan a caracterizarlo; donde puede hablar de lo profundo de un país, de los pueblos pequeños y la magia de haber nacido allí, de amores y desamores, de vidas sencillas…

Y en 1985 sale el Espantapájaros (Scarecrow) donde finalmente es reconocido como un señor músico y además, socialmente comprometido. De este magnífico álbum, nombre sacado del tema Rain on the scarecrow (Llueve sobre el espantapájaros) que es magnífico, a mí me conmueven hasta el extremo Small town (Pueblo chico) y Between a laugh and a tear (Entre una risa y una lágrima) de esta producción.


Si bien no canta Mellencamp, el cover es muy fiel pero es el slide de imágenes el que “me ganó”.

Después de esto vinieron otras etapas personales y musicales del señor Mellencamp, el cual finalmente se quitó su nombre artístico y obligado de “Cougar” y siguió por caminos donde a su rock –a veces hard, a veces folk- le incorpora sabores más sureños, más negros dando nuevas sorpresas a su exquisito repertorio. Además como promotor de causas granjeras, escritor y pintor…

Han pasado veinte años desde que tuve mi primer acetato de Mellencamp, y justo en este Fin de Año, me descargué gracias a los torrent toda la Discografía, ¡Feliz Año Nuevo para mí!

¿Qué? ¿Allí es el Primer Mundo USA? Mmmm, ¡dale Mellencamp! ¡Muestra esas otras caras que el marketing y el mainstream no suelen mostrar!
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(Rockeando con) El Juguete Rabioso

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Busco en la web algo relacionado con un grupo de rock en castellano llamado como la lejana obra del argentino Roberto Arlt… y es precisamente esta novela viene a ser la que se lleva –casi- todo el pastel. Del grupo en cuestión… apenas nada. Algo tan valioso no debe ser olvidado fácilmente…

Claro, la Santa Madre Wiki –como siempre- aportará lo mínimo e irrelevante ya que los wikipedistas, o sea, miles de plebes sin mérito alguno, no tienen mucho que aportar… y dicen que esta banda es mexicana.

¡Noooooooooooooooooooooooooo!– Digo yo. No pueden ser mexicanos. Conozco “la música mexicana” y sé justo lo que es mexicano. El Juguete Rabioso NO era mexicano, o no son, o no fueron, o no habrían sido. ¡No señor!

Pero, ¿qué me llevaba a declarar semejante afirmación?

Bueno, por cuestiones de edad, fui un ente ochentero. Viví los ochentas con una edad idónea para sentirlos, disfrutarlos… y explorarlos. Sé lo que sonaba en esos años, tanto en España y la Tercermundista América… y peor aún; lo que en México se daba y lo que siguió dándose en la década que siguió. Así que, nomás por esto, El Juguete Rabioso (grupo de rock) no es (era, o fue) mexicano.

Volver a ser realmente es un track doble. El segundo me parece más agradable tanto en letra como música.

Pero este mundo paradójico e imprevisible me dijo lo contrario: El Juguete Rabioso fue una banda de rock mexicano. O una banda mexicana de rock… o algo entre ambos continentes….

Pero yo insisto; ¡Uyyyy, sí! ¿Cómo no?

¿Con esas exquisitas letras? ¿Con esos ritmos tan diferentes? ¿Con todas esas sorpresas melómanas? ¿Con esas locuciones y timbres de voz tan curiosos? Que fueran chilangos es por cuestiones de origen de suelo artístico.

“Hacemos un rock muy argentino con pocas influencia mexicanas, porque no participamos de lo que se llamó el boom del rock en español. A diferencia de otras bandas que buscaban una identidad más local mediante la incorporación de ritmos folklóricos o tropicales, nosotros mantuvimos la ortodoxia britanicona-argentina. Siempre nos quedamos con la incógnita de saber qué nos hubiese pasado si hubiésemos tocado acá”, comenta Federico.

Tomado de: La Vida Metal

Formación del Juguete:

Santiago Behm (Chile), bajo y voz
Federico Bonasso (Argentina), percusión y voz
Juan Alberto Ruiz de Velasco (España), batería y voz
Jaime Lichi (?), teclados

Uyyyy, qué mexicanotes….

Y para colmo, es bien sabido que el TODO no es igual a la suma de sus partes. Así que si combinas virtuosos de tres países diferentes… y uno de ellos vivido en Cuba… la sorpresa es completa.

Y si bien sacaron realmente dos discos, dos nomás en un lapso de diez años (los otros son una maqueta y uno en vivo)… son discos que se ganaron un enorme espacio en mi mente y alma. (Si esperaban que dijera discazos, obras maestras, trabajos mayúsculos… como se expresan esos tristes wikipedistas hispanos de lenguaje irresponsable, lamento haberlos decepcionado.)

Los dos discos del Juguete se encuentran entre mi Top 500 (bueno, soy melómano desquiciado pues… pero mis 500 discos coooool son excepcionales). Con dos discos no puedo darme a enunciar a la vez mi Top Ten, pero el Alma Total es un disco huérfano: NO tiene madres. Sin embargo, el Caras Modernas trae cuatro himnos… total, es un doble alucín.

Si no has leído la novela El Juguete Rabioso… Léela, no te quedes atrés.

El Juguete Rabioso

Si no has escuchado al Juguete Rabioso… ¿¡qué esperas!? (Lleva mi bendición)

Click para descarga de Alma total
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Falco: Ese viejo ídolo musical (que ahora extraño)

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Falco apenas si se escuchó por estos lares hace muchos años -veintidós años para ser exactos, que para algunos parecerán muchos, para mí apenas fue hace un tiempo-. Y justo cuando la música de Falco se volvía popular yo la descubrí y desde entonces sigo apegado a ella. Justo hoy, en mi cumpleaños (santo, para los peruanos; aunque el santo sea otra cosa bien diferente) esta tarde de ron se la dedico a este austriaco.

Viena, Viena, Viena, te conozco Viena.
Viena, Viena, Viena, ¿dónde están tus chicas?
(Félix Pando interprentando a Falco)

Claro, para los obtusos Falco viene a ser Rock me Amadeus y ya. A pesar que, antes de, había tenido su primer tema contundente en las radios all-over-the-world con Der Komissar (1982). Una canción sobre el consumo de drogas y que fue covereado por una banda one-hit-wonder llamada After the Fire que hasta allí llegó.

En 1984 lanza un segundo disco llamado Junge Roemer cuyo tema principal es magnífico…. y a pesar de ello nunca fue sonado en radio, pero basta bajar ahora un disco de éxitos de Falco para que este tema ipso facto devenga tremendo favorito (y Brillantin Brutal es otro tema sensualísimo de esta producción). Pero dos años después y aprovechando el oportunismo mediático de sacar un tema homónimo (bueno, si le quitamos el Rock me) al film de Milos Forman que invadía las salas de cine a partir de 1985, Falco deviene un indiscutible superstar. Eran otras épocas no tan inmediatas pues y en estos años Falco cantando en alemán –principalmente- era un ídolo.

Junge Roemer por Falco, de su segundo disco. Impecable tema….

Rock me Amadeus fue quizá el más contundente Number One habido en alemán, eso ya es un lujo de pocos. Es decir, meter un Top One en el idioma natal del cantante (es decir del es decir; los top sólo valen en los mercados anglo, porque allí SÍ se mueven ventas, ¿a quién le importa un número uno en un idioma débil cuya población gane 5 mil dólares al año? Por cruel que suene, the World music se mueve así), es privilegio de bien pocos… contadísimos. Bueno, al final este señor llamado realmente Johan Hötzel logró meter CUATRO top ones en el idioma de ¡¡¡Heil Hitler!!!.

Vienna Calling es una canción super ochentera bien bailable. En su video Johan luce su creatividad mental en las ideas de las imágenes y su perfil super típico austriaco (Hella, mi ex maestra de alemán me lo dijo, que ese rostro con barba partida eran taaaaan común). Si Falco hubiera sabido mover sus pies a lo Michael hubiera sido un monstruo al cubo….

Jeanny (del Emotional, 1986) es una canción fuera de serie. Es decir, es un pseudo poema, un monólogo áspero y provocador, una incitación a lo desconocido y en idioma alemán… de pronto estalla el coro en inglés:

Jeanny, quit living on dreams, life it’s not what it seems

Y a uno no le queda más que despertarse…

Y bueno, Falco tenía talentos musicales en serio. Era bajista de algunos grupos e incluso había cantado en bandas de jazz y rock punketo… esto se nota en sus canciones, su repertorio no era “simplemente pop”. A pesar de ser un hijo de tantos de una familia simplona, a pesar de haber estado un solo semestre en el conservatorio… y se perfilaba para su quinto número uno en los charts (nada menos que un tema alusivo al Titanic, de su disco Nachtflug) cuando falleció…

¿En la República Dominicana? ¿En un auto?

Como super fan de Falco me hice tantas preguntas… ¿Qué hacía este austriaco en esta isla caribeña? ¿Acaso andaba en malos pasos? Y claro que lo acusaron de andar bien borracho y pasado y que él tuvo la culpa del accidente. Luego tuvieron que retractarse… desde entonces yo desconfío de este país y no por su prostitución -común del Caribe- o el índice elevado de VIH…. Simplemente Falco, mi Falco, allí murió.

Bueno, HOY, en mi cumpleaños (y no santo, porque eso es otra cosa) Falco vive aquí conmigo. ¡Y vive Duro, como Yooooo!

Tumba  de Falco, Wikiepedia

Imagen tomada de:
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/63/Falco_Grab.jpg

Saludos a Luis Bello, que ayer cumplió años también y que fue mi compañero de secundaria (y el alumno más conflictivo y alcohólico muy por encima de mí).

Como regalo de mí para ustedes:
Falco 3 (el disco de sus temas más conocidos) y Emotional (no el mejor pero mi favorito) para descarga inmediata. Sigue leyendo

Esta es mi verdad, dime la tuya (Manic Street Preachers)

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Los Manic Street Preachers (o simplemente Manics, o MSP) son una banda galesa que sigo admirando. De todos sus discos en especial le tengo una veneración especial a quizá su trabajo más comercial intitulado Esta es mi verdad dime la tuya (frase atribuida a un político del Partido Laboral Galés) del año 1998. Y si bien, la historia de esta agrupación es muy interesante no es la idea de esta entrada relatarla (para darte un teaser, uno de sus miembros simplemente desapareció y nadie más volvió a saber de él, fue declarado muerto diez años después de su extraña desaparición). Mi tributo a este trabajo musical lo ofrezco a continuación traduciendo algunas de las canciones del disco y colocando hasta donde me fue posible algunos videoclips (algunos videos oficiales estaban restringidos en el youtube para insertarse en algún blog).

La brecha que crece entre nuestras vidas las brechas que nuestros padres nunca tuvieron detén esos pensamientos y maneja tu mente remplaza todo eso que rechazas “eres viejo” te escucho decir no significa que no me importa simplemente ya no lo creo más actos patéticos para causas sin valor: En el principio, cuando estábamos ganando, cuando éramos genuinos, pero ahora sin perdonar lo eterno, lo eterno…

El futuro te enseña a estar solo el presente a tener miedo y frío y si puedo matar conejos también puedo matar fascistas balas para tu cerebro hoy y lo olvidaremos todo de nuevo monumentos puestos del lapicero al papel me hacen una maravilla sin vísceras: Y si toleras esto entonces tus hijos serán los próximos ¡los próximos los próximos!

Versión studio, diferente a la más electrónica del disco… sublime sin lugar a duda

Beber agua para mantenerse esbelto o para purificarse te amo todo lo mismo pero no hay tregua verdadera con mi cólera y no tienes que creerme te amo todo lo mismo ¡Y tú me quitaste el sol de mi corazón!

A pesar de lo “seco” del audio del clip, se puede ver la fuerza en vivo y la respuesta de la audiencia….

He aquí una historia real me dijo alguien en el taxi ayer lo tuve a mi voluntad olvida esa tontería sácala de su miseria una condena a su futura niega su historia ¡niega su historia! Adonde estemos yendo no estamos listos aún.

Este clip viene a ser la voz y guitarra James Dean Bradfield, en su fase de solista. Los videos “oficiales” de los Manic Street Preachers aparecen como no compartibles… absurdo…

Para ti querida hermana sosteniéndome siempre bailando disco con los violadores y tu único pecado es el silencio ya no puedo más con esto no puedo moverse sólo quiero estar en casa atado a estas muletas nunca lejos de tus manos: Un tsunami vino y me arrastró un tsunami vino y me arrastró… Los doctores me dicen cínico les digo que debe ser algo químico lo que hago es llorar en mi trago y desaparecer ojos por colmillos me saludan y traen las sombras de mi mente duerme y respira bajo las sábanos inhala la ansiedad dentro dentro dentro

Mi pequeño imperio se ha erguido y ubicado tan bien como se pudo mi pequeño imperio viene y no hace ruido mi realeza no existe está extinta para que el ojo la vea mi ideología está muerta y desaparecido y casi olvidada para que el ojo la vea.

Más y más música de esta banda que vale el tiempo revisar y analizar:

• Generation Terrorists (1992)
• Gold Against the Soul (1993)
• The Holy Bible (1994)
• Everything Must Go (1996)
• This Is My Truth Tell Me Yours (1998)
• Know Your Enemy (2001)
• Lifeblood (2004)
• Send Away the Tigers (2007)
• Journal for Plague Lovers (2009)
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Judas Priest: Los Dioses del Metal (Recordando esos tiempos….)

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Hay gente… sobra gente, que te asegura que X banda es “la mejor del mundo”. Esa gente… esa pobre gente NO conoce nada; me dan lástima. En este artículo voy a hacer referencia a Judas Priest, sin decir jamás que sean o hayan sido “la mejor banda” porque es un absurdo asegurar situaciones sin tener de manera completamente conocida y explícita qué se debería tomar en cuenta para decir algo de esta magnitud. En mi parecer, no existe “la mejor” pero sí algunas agrupaciones de rock (o música en general) que simplemente son extraordinarias. Judas lo fue, lo ha sido… y quizá lo seguirá siendo, pero hablaré de ellos de una manera diferente, ¿comparto la idea?

0 Orígenes

El heavy metal definitivamente comenzó una nueva etapa con Black Sabbath. Antes de estos ingleses no existía esa onda rocker gótica y oscurantista, estridente y perversa (por llamarla de cierta manera). Con esto no digo que antes de los Sabbath no existía el heavy, claro que existía. Ya había nacido. Algunos dicen que con los riffs de You really got me de The Kinks… total, el heavy era una vertiente necesaria para quitarle al rock algunos elementos algo “delicados”, ingenuos e inclusive vulgares.

Si bien, los mismísimos Sabbath fueron un primer afluente para la que sería una super banda del heavy, no fueron los únicos. Otra gigantesca influencia para que los Judas se nutrieran del poder musical fue Led Zeppelin, que no era precisamente heavy, sino un blues folk de increíble y virtuoso poder. Estos dos grupos pudieron determinar el concepto con el que iniciarían los Judas Priest… que luego, como todo el orden natural de las cosas, evolucionaría o se transformaría en algo, quizá diferente.

1 Reventando los parlantes

Personalmente al Rocka Rolla (1974) lo considero una obra maestra, pero en sus años de edición y al ser una banda comercialmente desconocida (aunque ya tenían cierta trayectoria) se dice tuvo varios problemas de producción y grabación. En estos años del surgimiento de la banda yo tenía apenas nueve y ni por accidente pensaba en Judas Priest (aunque ya conocía ampliamente a The Beatles, la cual tampoco puedo considerar la mejor banda de nada). Rocka Rolla llegó a mis oídos apenas hace un par de semanas, desde entonces no paro de escucharlo… y en verdad tengo tanto que escuchar que me sorprende me siga sorprendiendo cada nueva vez que mis bocinas revientan con esa voz y esas guitarras. Y ahora casi tengo 44 años.

Este tema me parece una onda super sabbathiana con matices zeppelianos donde Rob Halford le da una libertad total a su voz. Las dos guitarras priestianas suenan bastante finas y delicadas, algo diferente a las ráfagas de energía pura que soltarían una década después…

2 Judas, los ochenteros

Muchos grupos fueron influenciados por el sonido sintético, techno, cheesy, pegajoso, bailable y alocado de los ochentas. Muchas de respetables trayectorias hicieron trabajos de calidad cuestionable. Sin embargo, Judas Priest tuvo en esta época su fase comercialmente más álgida, con un sonido si bien moderno y estilizado nunca negaron el sello rockero que los caracterizó.

Screaming for vengance
Uno de mis discos favoritos con temas como The Hellion, Screaming for vengance, y la super pegajosa y ochentera You’ve got another thing comin’.

Point of Entry (1981), Screaming for Vengance (1982), Defenders of the Faith (1984) y Turbo (1986) son solamente cuatro gloriosos ejemplos de cómo ser brutalmente comerciales sin ceder un ápice en calidad. Y además, de manera icónica justo en 1980 lanzaron al mundo el famoso British Steel de donde saldrían himnos del rock y del heavy (fuente de inspiración del heavy hispano como Barón Rojo y Los Ángeles del Infierno). En Turbo incorporan elementos bien techie que en nada pueden demeritar el trabajo heavy del grupo, aunque para esta época se hayan alejado tanto del magnífico sonido de sus orígenes.

En mi parecer Ram it Down (1988) y Painkiller (1990) representan otra nueva etapa que precisamente sería inspiradora de una evolución del heavy: el Speed metal. Es decir, los Judas tuvieron tres momentos perfectamente definidos: Desde ser epígonos de un par de tendencias bien fuertes y saber sintetizarlas, su clímax ochentero y su neopropuesta que facilitó a otros su desarrollo. Algo digno de admirar.

3 La Voz del Metal es Gay (Modas y clichés)

Uno de los aportes más curiosos que se dice Judas Priest le dio al heavy metal fue su vestuario: ese look tan motorcycle, tan bruto, tan macho de las chaquetas de cuero negro, los chaps (que son esos pedazos de piel que cubren las piernas que usan los cowboys) así las gorras y los lentes oscuros. La onda Harley Davidson on stage; recuerdo la portada clásica del Unleashed in the East (1979) donde este look hiper viril hacía gala en un escenario nipón…

Unleashed in the East
He aquí la moda heavymetalera.

Pero puede ser que esta idea haya surgido (Alberto dixit) que en una visita de Halford a un sex shop, esa onda homo-sado le haya provocado como el estilo fashion provocador. Una propuesta al fin y al cabo, que de ser cierta esta versión, logró tener miles de seguidores bajo esta estética del cuero negro y cadenas. Después de los Judas, o sea, en la década fresa, toda banda heavy lucía de manera parecida, ¿o no?

3.1 Un tributo no comprendido

Recuerdo hace unos años la película de Rock Star (2001, con Mark Wahlberg), una historia basada en varios hechos verdaderos. Un chico yankee super fan de una banda británica de rock tiene la oportunidad de volverse su lead singer y frontman. Claro que este joven tenía unas cuerdas vocales sobrehumanas. Si bien este film alucinó a morir a los roqueritos y fue detractada por los críticos (¿qué otra cosa saben hacer?), la película tiene su mérito en tomar los supuestos hechos posteriores a la salida de un cantante gay de una banda heavy metal bien famosa; nadie le iba a perdonar al cantante su orientación sexual.

Y si bien, los rumores fueron más que conocidos –yo recuerdo bien haberlos leído-, al final resultó que Halford dejó por 14 años la banda para “experimentar nuevos caminos musicales” con Fight y Two (sus agrupaciones posteriores). Si bien Judas sin Halford siguió grabando discos y, efectivamente, la garganta de su vocalista dejaba a sus seguidores con la boca abierta; vaya que era desgarradoramente impresionante.

En lo personal creo que los heavy metaleros pueden ser la gente más ortodoxa y cerrada del mundo. Difícil platicar con gente así, sus gustos musicales son severamente limitados, pero creo que al final Rob regresó a la banda por esa nostalgia que cada vez afecta a la población; porque nunca debió haberse ido… y porque en la música y en cualquier arte las preferencias sexuales deben ser siempre asuntos menores.

4 Los Dioses del Metal

La voz de Judas no es el mérito mayor. Lo son esas dos magníficas guitarras punteras (a las que algunos llamaron “el doble ataque del hacha”) que terminan siendo adictivas. La razón de esta cualidad se dio porque en cierto momento, a K K Downing y a la banda, se les sugirió incorporar un teclado para darle una producción de sonido más completa. A KK nunca le pareció esta idea y en cambio optó por otra guitarra, algo inusual para ese tiempo, que cayó en manos de Glen Tipton, formando ambos una de las mancuernas más contundentes del heavy metal, haciendo de esto su sello particular y, por supuesto, generando cientos de imitadores de su propuesta.

Ahora bien, en su sexto disco llamado British Steel editado justo en 1980 cuenta con excelentes temas –como todos los demás discos de esta banda-, su track 2 es llamado Metal Gods y, debido a este cadente tema, a los Judas se les ha llamado así (que de ninguna manera es lo mismo que ser “la mejor banda del mundo”.

Pero referirse a la discografía de Judas es un asunto mayor. Su segundo disco titulado The sad wings of destiny (1976), donde viene la inigualable Victim of changes, y es considerado por los expertos (críticos de música, editores de revistas y compañías discográficas) como el segundo disco más influyente del heavy metal junto con el primero de Black Sabbath.

Y podría hablar de cada uno de todos los discos… pero mi motivo no era la reseña, sino un sucinto tributo por el hecho de haber encontrado de casualidad este segundo disco –también desconocido hasta hace poco para mí-… y a partir de ello haber descargado y escuchado los primeros 14 discos de esta banda. Y cuando alguien, como yo, se toma una molestia nada molesta de este tipo; entonces sí se tiene la autoridad de comentarlo. Sobre los “nuevos” discos del grupo… los escucharé en un futuro medianamente lejano…

¡Larga vida al heavy metal!

Judas Priest

Judas Priest en su alineación más famosa es: Kenneth Downing (guitarra básica) y Glen Tipton (la otra hacha de ataque), Rob Halford en esa voz de lo más grave a los agudos de ópera, Ian Hill en el bajo y John Hinch en la batería.

Enlaces:

Discografía con año y canciones

British Music Experience: Judas Priest

Aquel sabor metálico (en El Clarín de Argentina)

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Mis diez discos de este verano (boreal) (¡¡Muchas novedades!!)

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Después de cinco semanas merecidas del periodo de asueto en México, fecha que coincide con periodos vacacionales en educación en diversos países, aunque acá sea verano de lluvias (que no se aparecieron) y vaya comenzar el año escolar… en Sudamérica comenzaría la segunda parte del año académico y en pleno invierno… Bueno, como decía, en este tiempo pude escuchar bastante música, y varias sorpresas me llegaron vía internet principalmente (y en menor grado por intercambio con amigos). He aquí mi lista más actual de la evolución de mis preferencias, que nunca se han limitado a un sólo género, región o idioma. Provecho….

1.- La Orquesta Cinemática: Ma Fleur (Tech jazz, Instrumental, Mod-classic, Nu-jazz)

Jazz británico con ondas techno. Una banda verdadera que improvisa con loops y samples y cuyo líder es un musinstrumentalista. Claro que está acompañado de otros musicazos y cantantes –que imagino negr@s- cuyas voces me resultan desgarradoramente soul.

Ma fluer es el primer disco que descubrí de ellos, en La música de Abel, Johnny, Clara y Cía, y si bien después conocí el resto de sus trabajos, es este el que merece mi mención de honor (no recuerdo tanta emoción desde haber descubierto a EF y su Give me beauty… or give me death).

2. – Th 69 Eyes: Angels (2007) (Goth and roll)

Otro grupo que me ha emocionado al grito y brinco desde Mötley Crüe en los ochenta, y Rammstein posteriormente. Precisamente Los 69 Ojos me parecen meros engendros de ellos más con una voz muy a lo Iggy Pop… ¡¡¡Brutal!!! Su país de origen a pesar de su anglo canto es Finlandia, WOW.

Ya estoy adelgazando para vestir tan fashionly freak como ellos, toda esa elegancia dizque gótica del negro…

3. – Dengue Fever: Venus on Earth (2007) (Garage surf psychedelic rock con cantos asiáticos)

Una muy extraña génesis grupal alguna vez en el campo música se vino a dar con esta banda angelina (Los Angeles., USA) bajo la onda hipster, psicodélica y de viejitas pero bonitas canciones camboyanas. El idioma principal de las piezas en cuestión viene a ser ni más ni menos que el Khmer o camboiano, porque la front-woman es una diosa oriental del canto, aunque los guitarristas sean bien gringuitos. Nada, pero nada mal.

Ethan Holtzman se fue de trip una vez a Cambodia y regresó con esta fiebre hemorrágica, razón suffit para bautizar así a una agrupación en donde cada músico tenía backgrouds tan peculiares, donde la base viene a ser el garage rock psicodélico pero cantado en asiático y con ritmos brazaville… ¡guau! ¿De qué diablos hablo? Mejor conocélos tú mismo, y La Fiebre del Dengue es un alucín musical magnífico y, lo mejor, fuera de las líneas comerciales que no logran emocionar a los gustos más exquisitos.

Si bien en este disco ya hay some lyrics in English, vale la pena conocer los trabajos previos…

Hermosa diva camboiana seduciendo con su cuerpo y voz…. Horribles el resto de los músicos, pero imposible negar su talento.

La fiebre del dengue es febril y hemorrágica y se halla en los trópicos, pero Dengue Fever está aquí, en mi blog.

4.- Trencito de los Andes (1996, reedicion): Sortilegio de los Andes (Música andina tradicional pero experimental… y extraños aportes de conservatorio)

Cuando los escuché quedé perplejo. Nada que ver con las propuestas fresas-nice-naïve de lontanos en tiempo como Savia Andina, Los Calchakis o Inti Illimani. En cambio, notaba una propuesta bien autóctona… pero había ciertas sorpresas que no me iban, me causaban quiebres en mi percepción.

Sortilegio de los Andes

Pues resultó que esta agrupación eran italianos, ¡vaya sorpresa! (Esta Italia se mete en todas las manifestaciones culturales, no perdonan nada… y mira que pueden ser muy buenos, no por nada fueron los padres del Renacimiento.)

Este disco, al menos, me dejó boquiabierto, pero más cuando en la típica y sobre explotada El Cóndor pasa, una voz hablando en francés dice que “esta no es la versión original”, y en eso dan justo el cambio a la marcha –posiblemente- religiosa. Claro, que luego en su monólog en francés dicen que el origen de este tema es “desconocido”, y pues no, este detalle no lo puedo entender… ya Paul Simon hubo hecho esa jugarreta.


El cóndor pasa es del huanuqueño Daniel Alomía y compuesta en 1913.

Más info sobre esta agrupación…

5.- Barón Rojo: Larga Vida al Rock and Roll (1980) (Heavy metal gachupín)

Ahhh ¡Cómo recuerdo la primera vez que un amigo, en el año 1984 me prestó dos Lp’s españoles de este grupazo! Toda una sorpresa. Nunca –para ese tiempo- pensé que el rock pudiera darse en mi propio idioma de forma tan fuerte, potente y posible sobre todo. Si bien esos discos eran los magníficos No va más y Siempre estáis allí (que ya los tengo), me faltaba conocer uno de los básicos y fundamentales: Larga vida al Rock and Roll.


Tema en vivo del disco…

Todo un clásico de una agrupación que posiblemente dio el origen a la fiebre heavymetalera en el resto del mundo hispano. Después de Barón siguieron Los Ángeles del Infierno y luego los imitadores mexicanos, pero bueno… ¡Larga vida al Heavy Metal!

Barón Rojo

Los desertores del rock (apenas logré subirlo a este artículo)

6. – Los York’s -Tercer disco- (1969) Rock psychodélico y de garage peruano

Garage rock psicodélico desde el popular barrio del centro de Lima, el Rímac… suena asombroso que hace 40 años existía un bullicio musical tan intenso… algo que ahora en el género de rock ya no pude percibir. Subí dos canciones a este sitio, que a la vez los discos los obtuve de Black music yea yea y bastante cómico me pareció que los encontrara en un sitio dedicado a la música negra…

Los York


Me encantan los gritos en estos temas, gritos alejados de la deprimente canción vernácula, sino vísceralmente más rockers…

7. – El Polen: Signos e instrumentos (1999) Música andina fusión rock del Perú

Según yo lo descubrí por una invitación de un cuestionable blog de música andina. Cuestionable porque no se comparten los archivos como debiera, según eso “se negocian”, y a pesar de estas declaraciones los correos que ponen para el bisne ni siquiera funcionan.

Pero resulta que en mi enorme disco externo ya existía un disco de ellos llamado Signos e instrumentos, e independientemente de los conflictos que ocasiona defender identidades únicas por encima de la diversidad, a mí el motivo que me mueve es la música misma y en este caso, la poesía. Inserto unos vídeos del Dios Tube –que sigue siendo una poderosa fuente donde se encuentra de todo-, pero insisto; yo promuevo música, las imágenes que acompañan el audio pueden desviarse de esto:

Descárgalo aquí…

8. – Whitesnake: Whitesnake (1987) Heavy metal ochentero clásico

Sólo el heavy metal ha podido combinar el exagerado look macho con el cabello largo, ropa ajustada, cadenitas y aretitos bien de mujer… Y si bien, la evidente influencia ledzeppelinera está presente en este tema en su voz y riffs, también se siente la onda refrescante bonjovinesca… ¡Yeahhhh! Estos temas no pueden morir, son saludables y más vigorizantes que la basura de la bebidas energéticas.

9.- Kingbaby: Whole lotta easy (2006) Hard rock con matices de rock sureño

Una alineación de hard rock con guitarra dominante y con un sabor muy Southern. Evidentes y aplaudibles influencias de los Black Crows, Led Zeppeling, AC/DC y los Rolling… pero con un sonido final más fresa, jajajaja, ¡¡Me encantó este disco!! Una sorpresa total.

Por alguna razón sus videos aún no cotizan el Dios Tube de manera directa… pero si llegas a uno ya la hiciste.

Agregado el 29 de agosto: Por fin pude subir el magnífico tema epónimo, Whole lotta easy. ¡Una delicia!

10.- La Orquesta Cinemática: Every Day (2002) (Tech jazz, Instrumental, Mod-classic, Nu-jazz)

La verdad, este grupo fue mi descubrimiento del verano… sin negar que fue en verdad, un descanso fructífero en la búsqueda melómana…

The Cinematic Orchestra

(Qué complicado reseñar, ¿eh? Muchas horas en la composición y búsqueda del material a proponer.) Ok, Renato del Uruguay y Alberto de México… ¿qué tienen que decir sobre esta música?

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