Movimientos de arte moderno como inspiración para el diseño de logotipos

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mov_000Roy Lichtenstein. “Crak – Now, mes petits pour la France!”

Esta es una traducción de un artículo de Smashing Magazine escrito por Daniel Eckler y Glenn Manucdoc referido a lo que han producido los más relevantes movimientos del arte de los últimos 150 años, y que puede servir como inspiración en el diseño de logotipos.

Siempre es agradable ir a una librería, coger un libro de diseño de logotipos, sentarse, respirar ese olor a nuevo libro y absorber sus bondades. Pero saber de dónde vienen todos estos diseños, fuentes y elementos creativos también es bueno. En este artículo, nos fijaremos en los movimientos de arte moderno y una serie de diversos logotipos inspirados en esos movimientos. Usted puede verse sorprendido por la facilidad con que estos colores, formas y trazos se pueden adaptar al diseño de logotipos. Eche un vistazo, vea cómo funcionan en el diseño de logotipo y tal vez incluso pueda inspirarse para su propia creatividad.

Bauhaus

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J. Schmidt, “Bauhaus”

En 1919, la escuela de la Bauhaus fue fundada en la Alemania de Weimar. Más un estilo de vida que una escuela, Bauhaus se basaba en las reglas estáticas del Art Deco. Una idea básica de la Bauhaus era eliminar todo lo superfluo y reducir el diseño a sus elementos esenciales. Este minimalismo estático cambió todo y todavía se puede encontrar en el diseño de hoy, como por ejemplo en los logos de Taboo Faboo y Axion.

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Kandinsky, “En Blanco II”. Paul Klee, “El Castillo y el Sol”

Desde un punto de vista artístico, Bauhaus comparte elementos con el movimiento constructivista de Rusia en su sencillez y audacia. De acuerdo con su estética, los diseños deben ser simples, atrevidos, audaces y sin complicaciones. Estos diseños sobresalen en la mente debido a su falta de ornamentación y belleza, brutal simplicidad. El rojo y el negro son los colores favorecidos; algunos haciendo tonterías en Illustrator deben ceder el derecho a los tonos arrasados. En busca de inspiración, mire películas de Wes Anderson, especialmente The Royal Tenenbaums, que hacen un amplio uso de la fuente Bauhaus Futura y tienen una estética modernista.

Art Deco

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A.M. Cassandre, “Pivolo”

El Art Deco comenzó paralela a la Bauhaus en los años 1920, pero se originó en París. Ambas escuelas comparten la elegancia de la forma, la escasez de material y la fuerza del color. El Art Deco se distingue por su representación estilizada de las formas. Los artistas Art Deco parecían utilizar las reglas geométricas de la arquitectura. Uno de esos artistas era A.M. Cassandre, que se hizo popular por su diseño de logotipo para Yves Saint Laurent. Su diseño de carteles Pivolo es muy representativo del Art Deco. La estética ha sido adoptada por Miau y sus identidades corporativas.

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Tamara de Lempicka, “El Músico”. Michael Kungl, “Americana Deco Café”

Los elementos principales aquí son una celebración de la geometría y una casi fetichización de la máquina. Preste especial atención a las amplias curvas grandes, que tienen una lujosa calidad para ellos. El Art Deco llegó a su punto más bajo en la década de 1920 con las acciones de la opulencia y el despilfarro de época. Sus diseños comparten la fascinación de la escuela Bauhaus con la forma, pero celebra la forma como un medio para una “nueva” estética, en lugar de tratar de conciliar con la función. La mayoría de las influencias duraderas de Art Deco se pueden encontrar en la arquitectura grandiosa y el diseño industrial, como el Rockefeller Center de Nueva York, la torre Mather de Chicago y las pinturas de Tamara de Lempicka.

Blaxploitation

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Cartel “Superfly”

Blaxploitation era un género de cine estadounidense que tuvo su heydey en la década de 1970, con películas como Coffy, Foxy Brown y Shaft. Acompañado de música funky de artistas como Isaac Hayes y Curtis Mayfield, las películas trajeron un nuevo estilo de vida para la comunidad negra, que animó el empoderamiento negro y el amor, respaldado por el soul y ritmos funky. Esta cultura se puede encontrar no sólo en las películas, también en la música y la moda e incluso en diversos diseños de logotipo.

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Carteles para “The Sugar Hill” y “Cottom Comes to Harlem”.

La estética blaxploitation que ve aquí era típico del diseño de cartel de 1970. Contaba con grandes letras panorámicas que favorecieron la estética y la forma sobre la legibilidad: un marcado contraste con los diseños europeos de la misma época, que favorecieron el minimalismo y la funcionalidad. En sus propios diseños, usar colores vivos brillantes para la base, y añadir un efecto descolorido ensordece los colores y le da esa apariencia vintage.

Dadaísmo

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Theo van Doesburg, “Kleine Dada Soirée”

El dadaísmo, también conocido como Dada, fue fundada en 1916 por diversos artistas en Suiza y Alemania. La idea era rechazar explícitamente el arte y los géneros “convencionales”. Para decirlo sin rodeos: destruir y reconstruir. Esta provocadora estética fue una revuelta contra el arte por los propios artistas. Esta ironía todavía ejerce una gran influencia en el diseño y el arte. Estos dos logos evocan el dadaísmo en todos los aspectos al destruir algo y reconstruirlo completamente nuevo.

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Hannah Höch, “Cut with the Dada Kitchen Knife through the Last Weimar Beer-Belly Cultural Epoch in Germany”. Marcel Duchamp, “Fontain

¿Cuál es el dadaísmo? ¿Dada es adad? ¿Dada? ¿Adadadaa? ¿Qué es el dadaísmo? El dadaísmo es una tontería, una ciénaga inestable, un mal definido del liberalismo y la irracionalidad. Dada es la deconstrucción de ejecución salvaje, y los dadaístas no se preocupan por lo que es o no es el dadaísmo. Los dadaístas teorizaban originalmente el mundo de tal manera que podría descender a la violencia sin sentido de la Primera Guerra Mundial, pero teniendo un arte que refleja este estado de irracionalidad. ¿Es el arte o no una imitación de la vida? ¿Qué es la vida sino la muerte? El dadaísmo cuestionó toda convención establecida y los orígenes mismos del diseño. ¿Por qué es un ojo un ojo? ¿Qué hace a un ojo? ¿En qué punto nos detenemos reconocer un ojo como un ojo? ¿Por qué es una “G” una “G” y un “6” un “6”? Esta deconstrucción y examen crítico arduo es lo que se obtiene un resultado verdaderamente dadá. Pero, ¿cuál es el resultado? ¿Quién puede decir lo que es su resultado? Tengo que ir a acostarme ahora.

La pintura Hard-Edge

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Frank Stella, “Agbatana III”

La pintura Hard-Edge fue un género de arte contemporáneo popular en la década de 1960, bien representado por el artista estadounidense Frank Stella. Como su nombre lo indica, el género trata formas planificadas y simples, y rayas que contribuyen a un cuadro colorido en general. Esta intensidad de color y policromismo, como el hecho por Frank Stella, se puede encontrar en diversos diseños de logotipos hoy, como Optik.

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Richard Anuszkiewicz, “Templo del radiante amarillo”. Theo van Doesburg, “Counter-Composición V”.

Los ángulos ásperos en el arte, como una abreviatura semiótica para el conflicto, ha existido durante siglos, pero sólo durante el siglo XX tenían que asumir su estatus como una herramienta artística en las nuevas escuelas de pintura abstracta. Stella, entre otros, adoptó el Hard-Edge como un estilo reaccionario contra el expresionismo abstracto de la costa este de Estados Unidos en la década de 1960. Dónde los abstraccionistas predicaban la libertad de expresión de la emoción y el impulso como un arte, los hardedgers practicaron un estilo muy impersonal, muy a propósito de la pintura. La alienación del espectador obliga a una valoración crítica de la obra, similar a Brecht “Verfremdungseffekt” o al efecto de distanciamiento. Para obligar a tal efecto, el diseñador debe poner el diseño por encima de su propósito. El diseño por el bien del arte es un concepto casi extraño porque viola la regla de que el diseño corporativo debe dar a conocer la marca. El diseño que pone primero el arte aleja a los consumidores, que luego se acerca al trabajo con un ojo crítico, como lo harían para una pintura Hard-Edge.

Pintura de luz

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Picasso, “Jarrón de las Flores”

Pablo Picasso y el fotógrafo Gjon Mili podrían ser los primeros pintores de luz de la historia. El Autorretrato de Picasso en 1949 abrió nuevas puertas en el mundo del arte moderno. Para crear este efecto especial en esta pintura de luz, Picasso escogió un cuarto oscuro y diversas fuentes de luz, junto con la ayuda del tiempo de exposición de las cámaras de fotos. Al mover la luz, Picasso creó imágenes alucinantes, que podrían servir de gran inspiración para los logotipos. Utiliza líneas lado a lado para construir objetos, cartas e incluso palabras.

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Cenci Goepel y Jens Warnecke, “Sin título”. Vicki da Silva, “La esperanza de Obama al final del túnel

La pintura luz es como el graffiti y el teatro puré. El espíritu es el arte de la calle, con la libertad de hacer cualquier cosa más que en un lienzo. El carácter efímero de la ejecución viene de este arte de performance: mientras que el proceso puede ser documentado, nunca puede ser recreado con precisión. Los elementos estéticos son bastante fáciles de emular en Illustrator, pero el verdadero atractivo proviene de canalizar el espíritu de la pintura de luz. Mientras que tomaría un poco de esfuerzo, la animación de un logotipo estático haría una verdadera atención al comprador.

Arte Africano


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Masson Magalie, “Massais”

Los primeros artistas africanos crearon hermosas esculturas, en su mayoría de madera. Ese lienzo les hizo poco servicio, debido a que el clima y los elementos hicieron las esculturas susceptibles a las termitas y otras plagas. Esto hace que cualquier arte africano más viejo de 150 años sea muy raro. El arte fue influenciado por nativos, mitos, celebraciones y rituales africanos. El mundo de los antepasados ​​y los dioses se mantiene con vida en esta obra de arte. Es por eso que los artistas principalmente crean máscaras y figuras que protegían a las personas contra las enfermedades y los malos espíritus. El enfoque artístico es profundamente espiritual, y sus formas se pueden aplicar a los logotipos y diseños corporativos.

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Fronty Aurelia, “Au Marche”. Obote Jerónimo, “Tunda africana”

Para canalizar la estética del arte tribal africano, utilizan la abstracción pesada para crear formas simples y efectivas que llaman la atención. La abstracción y los colores brillantes son la clave. Por el contrario, podría escalar detrás la abstracción y el uso de las formas naturales y familiares que evocan el arte africano. Algo tan familiar como el perfil de una mujer puede asumir capas adicionales de significado cuando se les da colores y patrones comunes a la cultura africana.

Art Nouveau

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Alphonse Mucha, “Job”

El Art Nouveau es un movimiento artístico de finales del XIX y principios del siglo XX. La escuela se originó en Europa, sobre todo en Alemania, donde se interpreta de manera diferente, dependiendo de la zona. Sin embargo, las similitudes generales se mantuvieron: las líneas decorativamente curvas y la ornamentación floral. Ambos son elementos atemporales que se pueden encontrar en muchos diseños hoy.

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Aubrey Beardsley, “La falda del pavo”. Alphonse Mucha, “Bieres De La Meuse

El Art Nouveau en su apogeo, era más que un estilo, una forma de vida, que abarca la arquitectura, la ropa, la pintura, la escultura, incluso el diseño de muebles. Para su propio logotipo, puede incluir detalles y texturas increíblemente intrincadas y una gruesa línea de trabajo con mucho cuerpo. El movimiento se endeudó fuertemente con el diseño japonés grabado en madera en su ornamentación y ejecución, por lo que la obra de Hokusai y Utamaro le dará algunos elementos temáticos. El Art Nouveau se originó en parte como un rechazo del trabajo con patrones desordenados del revivalismo gótico, así que recuerde no ir por la borda con sus adornadas decoraciones florales y patrones.

Cubismo

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Pablo Picasso, “Figure au Coursage Rayé”

Junto con Georges Braque, Pablo Picasso podría ser uno de los artistas modernos más populares de este género, que se convirtió en un hito en el arte visual a principios del siglo XX. Como el dadaísmo, el cubismo era una crítica particular de las formas artísticas tradicionales. Se añadieron perspectivas abstractas, inspiradas en épocas distantes y culturas primitivas. El cubismo fue un nuevo intento de crear armonía y unidad en dos dimensiones. El “Cubist Coffee House” es, obviamente, un heredero de este movimiento.

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Georges Braque, “Mujer con la Guitarra”. Juan Gris, “Naturaleza muerta con plato de fruta y la mandolina”.

Los cubistas estaban originalmente interesados ​​en el poder que los diseños simples podrían ejercer en el arte, en contraste con el arte ornamental tradicional de Europa. Quizás el elemento más radical para permanecer consciente de la ausencia de un desafío será encontrar su inspiración “perspectiva.” El Cubist Coffee aplasta un rostro con una taza de café: una decisión efectiva. Uno de los elementos más controvertidos de principios del cubismo fue algunas de las caras grotescas que evocaban las máscaras africanas. Estos rasgos exagerados eran un sello distintivo del cubismo. Por otra parte, la interacción entre los elementos de un aspecto central del cubismo sintético fortalecerá aún más la asociación de su logotipo con este estilo. Su objetivo es una especie de “detachedness en la técnica, lo que resulta en formas grotescas, exageradas.

El Arte pop de Roy Lichtenstein

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“Hopeless and That’s the Way

Aparte de Andy Warhol, Roy Lichtenstein fue el representante más popular del género conocido como el Pop Art, que se originó en la década de 1960. Su estilo, que recuerda a los cómics periodísticos clásicos, era verdaderamente innovador. A principios de 1960, Lichtenstein comenzó a experimentar con este formato, que explotó inesperadamente en un movimiento en toda la regla. El estilo “lowbrow” lo convierte en una imagen distintiva y es una buena manera para que una empresa pueda llamar la atención.

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“Whaam” y “Drowning Girl”

El Arte pop de Lichtenstein era diferente del de Warhol en el sentido que celebra al diseñador comercial y se centró en el arte con que ya estamos familiarizados y que ignoramos. Se trata de obras que reconocemos de forma automática y damos por sentado. ¿Y qué somos nosotros como sociedad dándolo por sentado? Este examen crítico de arte y diseño de todos los días en la onda de Duchamp solicita más de un gesto de reconocimiento. La comunicación simple, rápida y efectiva practicada por los diseñadores industriales y artistas está fuertemente codificado, y estos logotipos canalizan estos niveles conscientes e inconscientes. Un “click” para un conocido logotipo se hace más potente y memorable por la ubicuidad del comic art entre los consumidores.

El Arte pop de Andy Warhol

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“Marilyn Monroe y Marilyn”

Nadie ha olvidado los policromáticos retratos de Marilyn Monroe de Andy Warhol. Durante años, Warhol creó variaciones sobre el tema que influyó no sólo en el arte, sino el mundo de la moda de innumerables maneras. No podemos menos que sorprendernos de que este estilo sigue siendo una fuente de inspiración para los diseños corporativos simples y eficaces.

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“Sopa Campbell I” y “Cebra”

Un Warhol famoso se negó a analizar sus propias obras en público. Sugirió que cualquier sentido de su trabajo debe ser obvio desde el principio. El Díptico de Marilyn fue pensado originalmente para ser un comentario sobre la vida y la muerte de la actriz, aunque el más colorido medio de “vida” se recuerda mejor. No se limite a crear plazas de color simples; elija variaciones sutiles en su lugar. Algo tan insignificante como una esquina redondeada o un ajuste en forma, puede decir mucho a su público, aunque en última instancia, depende de ellos para averiguar lo que significa.

Arte Tibetano

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Chenrezig, “Tibetan Thangka”

El arte tibetano es una gran fuente de inspiración. La centenaria cultura del Tíbet tiene su propio icono, como el gesto de la mano Mudra, que representa la felicidad y muestra respeto a los dioses. Las flores de loto representan la pureza y la fertilidad, y representa también el “Chakra”, que consta de los siete elementos de la mitología tibetana. Una aproximación semiótica al diseño de logotipos y la implementación de diseños y motivos tibetanos mostrará una apreciación más profunda de su empresa sobre asuntos espirituales.

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Gordon Wiltsie, Pintura budista en el interior del templo de Jokhang en Lhasa, Tíbet. Una importante tibetana Thang.ka que representa a Bkra.Shis.Dpal.

El espiritualismo tibetano es reconocido en todo el mundo, y sería negligente no aprovechar esta mina de oro de deidades, mitos y símbolos. El arte tradicional tibetano está lleno de dioses enojados y símbolos brutales duros, por lo que se  puedenconciliar con la comprensión budista moderna por la reducción de los elementos a sus aspectos más reconocibles. Por ejemplo, las flores de loto (pureza) y la representación de los diferentes gestos con las manos Mudra son elementos extremadamente conocidos del budismo y el Tíbet, en particular. Utilice estos elementos de igual modo que los símbolos occidentales, para comunicar su diseño.

Resumen

  • Al crear sus diseños, mira en cualquier lugar y en todas partes en busca de inspiración.
  • Cuanto más se mira desde su industria, más originales serán sus diseños.
  • No tenga miedo de donde surja la inspiración. Paul Rand lo dijo mejor: “No trate de ser original. Trate de ser bueno”.
  • El arte moderno puede proporcionar un valor de inspiración para un diseño perdurable.
  • Para un diseño más original, básese en elementos abstractos tales como el color de una imagen, la línea de trabajo de otro y la composición de otro.

Otros recursos

Existen literalmente cientos de movimientos de renombre que caen bajo el paraguas del arte moderno. Aprender acerca de estos movimientos no sólo es divertido, trae nueva vida y perspectivas a su trabajo.

  • Wikipedia: Arte Moderno
    Para una lista extensa de los movimientos de arte moderno, empieza en la Wikipedia.
  • Encuesta Pop Art
    Una encuesta de Smashing Magazine a artistas pop famosos, y un gran lugar para empezar con material de referencia.
  • Encuesta Bauhaus
    Una encuesta de Smashing Smashing del movimiento Bauhaus, y un gran lugar para empezar con material de referencia
  • Consejos vitales para un diseño eficaz de logotipos
    Si usted acaba de empezar con el diseño del logotipo, este post es un gran punto de partida para convertir su moderna obra de arte favorita en un logo de calidad.
  • Taschen Books
    Desafortunadamente, un montón de arte moderno de calidad no es de fácil acceso en línea. Su mejor apuesta es comprar algunos libros de arte baratos de su librería local. Taschen es un buen libro para empezar si usted está teniendo problemas en la librería.
  • Google Images
    Si usted está en quiebra o no desea comprar libros, escriba un movimiento que les gusta en Google
  • Infografía de Arte Moderno
    Compruebe esta línea de tiempo visual impresionante de los orígenes del arte moderno.
  • Cronología de Arte Moderno
    Una línea de tiempo interactiva de arte moderno, con información detallada sobre muchos movimientos y artistas.
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