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Publicar en internet

Internet es el medio a través del cual compartimos información, sí. Pero es importante saber cómo publicar esa información para que ésta sea visible y fácil de encontrar a través de los motores de búsqueda de Google por ejemplo. Y para que esos motores de búsqueda funcionen es importante manejar bien las palabras que utilizamos para las etiquetas, categorías y la manera en la que presentamos la información audiovisual y escrita.

Sin embargo, antes de discutir en profundidad estos temas, me gustaría que revisemos las publicaciones que los alumnos de Ciencias Sociales de la PUCP han hecho, utilizando las herramientas que ellos mismo encontraron en la web. Aquí hay varios ejemplos de los productos finales del curso Métodos Visuales para la Investigación Social en el que fui asistente de cátedra de la Profesora Cecilia Rivera Orams, una especialista en el tema de antropología visual y coordinadora del Taller de Antropología Visual de la PUCP.

La Representación en cuestión de César Combina


Gallos y Galleros de Mariella Eléspuru, Fiorellla Belli, Alejandro Wangeman y Daniel Salamon


Invasión de Almas de Giselle Vila, Pluvia AStete, Claudia Fajardo, Lucía Aliaga y Andrea Ponce


Crónicas de Aerosol de Giuliana Yáñez


Déjame que te cuente de Leonor Lamas, Francisco Tateishi, José Carlos Reaño y Guido Borasino


La escuela de Laura Martínez


Almas que suenan de Claudia Manrique



Los niños de Pisco de Kristel Avila, Sonia Puntriano, Andrés Sifuentes y Vita Velarde


Estos links han sido listados sin un orden en particular, mírenlos y coméntenlos. Hasta el siguiente post.

Creando productos para internet

Grafico vía Geekologie.com

Con la cantidad de información que circula en Internet el reto de los creadores de esa información es hacer que esta sea ubicada, leída, comentada y discutida, citada, respondida, criticada, expuesta.

¿Qué características debe de tener un video para que tenga éxito en internet? Bueno aquí podríamos entrar en un largo y aburrido debate sobre el verdadero significado de ÉXITO. Podría significar, por ejemplo que tenga muchos comentarios como los videos de la Tigresa del Oriente o muchas visitas como los de Wendy Sulca . Podría significar que tenga muchas réplicas como el video de la ardilla o muchas cosas más.

Lo importante de todo esto es rescatar algunas características de estos videos que, en muchos casos, han alcanzado una gran cantidad de visitas, muchos comentarios, muchas réplicas y han generado debate fuera del espacio de Internet. ¿Trascender el espacio del YouTube y aparecer en revistas significa tener éxito? En fin.

El trabajo que propongo en este post es que muchas de las características de estos videos que nos pueden parecer anecdóticos, graciosos o de mal gusto - según la paciencia de cada uno- nos dan una lección de cómo son los usuarios de videos en internet. ¿De qué público estamos hablando? ¿Qué está esperando ese público? ¿Cómo construir un producto audiovisual que sea coherente con nuestra creatividad pero que converse con un público difícil de definir?

La mejor manera de plantear la realización de un audiovisual es tener claro ¿Qué queremos? ¿Cómo lo queremos? y ¿A quién se lo dirigimos? Es decir, saber cuál es nuestra historia, qué técnicas utilizaremos para contarla y saber a quién le vamos a contar esta historia. No es lo mismo contarle el señor de los anillos a un niño de 4 años que contárselo a un fanático empedernido. No es lo mismo hacer un video para Bart que uno para Lisa (fuera de Itchy and Scratchy los hermanos Simpson comparten pocos gustos).

Entonces ¿Cómo se hace un video para internet?

Como no hay una única receta y este blog no está buscando darlas, nos queda hacer un recuento de algunas características básicas. Coincido con varias que propone Diego Peralta, gran amigo y coordinador multimedia de la Gerencia de Medios Digitales del Grupo El Comercio, en su blog Invasiones Bárbaras.

Los videos en internet son usualmente breves. No duran más de 10 minutos por varias razones, entre ellas que, por ejemplo, el servidor de YouTube sólo permite videos que tengan una duración menor a esa, otra es que se dice que el usuario promedio de internet solo atiende los primeros 5 segundos de un video antes de saltar de ventana o realizar alguna otra actividad, por lo que hacer videos que duren mucho más y que a la vez mantengan la atención de los usuarios se convierte en un reto muy complejo.

Los primeros segundos son vitales. Los videos en internet necesitan plantear clara y rápidamente el mensaje que pretenden mostrar. Es decir, en los primeros segundos debemos enganchar a nuestro público contándole (o intrigándolo) sobre el mensaje central de nuestro video. Puede ser exponiendo nuestros puntos claramente o generando la intriga a través de imágenes atractivas o una edición inteligente para de esta manera capturar a nuestro público, sino, nos cambian de ventana.

Lo amateur no es una desventaja. En esta época de reality shows, falsos documentales, Brujas de Blair , Cloverfield y Actividad Paranormal, la suciedad estética de lo amateur no es un punto en contra sino más bien aporta a esa idea de realidad cruda que significa una cámara aficionada temblando y grabándolo todo. Lo amateur crea una atmósfera de verdad testimonial, la suciedad en el encuadre y en el sonido no son una desventaja. El reto es saber explotar esta estética.



Minimalismo en la puesta en escena. Esto va de la mano con lo anterior. Se valora mucho la creatividad para contar una historia de manera sencilla y utilizando recursos mínimos. Esto es una tendencia estética que trasciende el video. Ejemplos de esto los vemos en el Pezweon (el pescadito azul en la tira que vemos arriba) o Abstruse Goose y en varias tiras que apelan al blanco de fondo y a dibujos apenas bocetados. Por ejemplo, podríamos decir que, en general, los videoclips musicales son de los productos audiovisuales más caros del mundo. Hacer un video que dura un máximo de 5 minutos puede costar lo que una película entera. Sin embargo, la estética de lo mínimo puede verse en estos dos ejemplos.

OK Go - Here It Goes Again



Esteman - No te metas a mi facebook



Ser los primeros que tocan un tema es siempre un punto a favor. Si no pregúntenle a este sujeto que según cuentan las leyendas es el primer usuario que subió un video a Youtube allá por el lejano 2005. El video no tiene nada, pero miren las visitas, los comentarios y el nivel mítico que ha alcanzado por ser el primero.

Jawed - Me at the zoo



Es importante saber de nuestro público. Les dejo dos videos, ambos sobre las tortuosas pruebas a las que Nokia somete a sus celulares. Solo que uno lo hace la misma Nokia con una evidente intención institucional y otro lo hace el blog engadget.com, con un tono más bien lúdico.

Video de Nokia


Video de engadget.com

Si antes el cine y la tv eran los espacios obvios para la difusión de los productos audiovisuales, ahora Internet es cada vez más utilizado para esto. Series completas, películas de estreno, programas de televisión, videoclips oficiales de miles de bandas de todo el mundo están presentes y son reproducidas millones de veces por los usuarios de este servicio.

Son varios los sitios web para compartir videos. Tenemos el Vimeo, Buzznet , Blip.tv, DailyMotion y por supuesto el infaltable YouTube, quizá el más conocido y visitado de todos estos.

Cada uno de ellos propone una labor diferente. El Vimeo se presenta como un espacio para los creativos amantes de hacer sus propios videos, el Buzznet es una comunidad más parecida a Facebook, pero exclusivamente para compartir fotos y videos relacionados a temas específicos. De otro lado, Dailymotion y YouTube tienen una gran cantidad de videos del tipo “videos-hechos-en casa” y videos de artistas populares. Finalmente, Blip.tv ofrece la posibilidad de ser un espacio para colgar shows a manera de los de tv.

En ese sentido es interesante dar una mirada a algunos tipos de videos en Internet. Voy a comenzar por los de YouTube pues es uno de los espacios más antiguos y es allí donde se iniciaron muchos de los fenómenos videográficos mundiales.

Tipo 1: El video-monólogo editorial
El caso más… eh… escandaloso conocido es el de Chris Cocker y su video en el que intenta desagraviar a Britney Spears. ¿Disfrútenlo?


Tipo 2: El video “gracioso”
Lo que entendamos por gracioso depende de cada usuario, pero uno de los más visitados ha sido este: “La caída de Edgar”.

Sin embargo lo más importante de este video no es el video en sí, sino la cantidad de videos que otros usuarios hicieron basándose en este. Se generó todo un movimiento sobre la caída de este muchacho mexicano.

Hay versiones de todo tipo:
Animadas:


Mortal Kombat:


Y bueno, muchas más.

Tipo 3: El tutorial/formativo
En YouTube encontrarán una enorme cantidad de tutoriales sobre gran cantidad de programas: de edición de video, de edición fotográfica, de juegos y hasta para construir tu casa. Es una locura. Se pueden hacer con voz en off y con un software que capture los movimientos que hacemos en la PC. El Camtasia Studio parece ser el más utilizado.

Miren un ejemplo de tutorial:


También hay de este estilo. Interesante propuesta:


Tipo 4: El video documental/informativo
Muchos de los videos de YouTube son simplemente programas de televisión colgados en el sitio. Sin embargo muchos otros son verdaderas producciones especiales para Internet. Están las ficciones de Internet como esta:


Sin embargo hay muchos documentales que si bien es cierto no se hacen exclusivamente para YouTube muchas partes se presentan allí:



Fíjense en este último ejemplo.
Una entrevista vestida con imágenes de apoyo. La simple. Y es justamente la simplicidad una de las características centrales de los videos en Internet.

Miren esto:


En el próximo post discutiremos un poco sobre algunas técnicas para los videos en Internet.

He demorado en postear porque no se me ocurría una buena forma de presentar este tema. Como se me sigue sin ocurrir una buena forma, la presentaré de la forma usual: los listados.

¿Qué momentos tiene un producto audiovisual? Depende. Pero podríamos decir que hay cuatro principales:
1. Pre producción: aquí se diseña el proyecto, se define el guión, se negocian las propuestas visuales, se hace el story board y se designan a las personas que formarán el equipo. Además se hace el casting (de actores o sujetos de investigación) y se eligen y visitan los espacios posibles de rodaje (también se le llama scouting). Se investiga acerca de los permisos necesarios y se hacen los contactos requeridos.
2. Rodaje: aquí se realiza el registro audiovisual. Es importante la coordinación entre la producción y las demás áreas para que todo se desarrolle dentro de lo planeado. También se hace la recolección del material de archivo y/o bibliográfico necesario.
3. Post producción: con el material en bruto se inicia el proceso de edición para posteriormente hacer la post producción. El editor es quien se encarga de dar la coherencia a la narración cortando y pegando los clips de video. El post productor es el artista visual y/o sonoro que se encarga de perfeccionar el trabajo dando la coherencia fotográfica y auditiva al producto.
4. Distribución: Es importante en todo producto audiovisual encontrar los canales de exhibición y distribución adecuados. Debe de ser parte de todo plan tener en cuenta el público, el soporte y el formato en el que se presentará. ¿Quiénes son nuestro público? ¿Qué lenguaje debo de utilizar para ellos? ¿Dónde verán nuestro producto? ¿En un cine, en un salón de clases, en sus computadoras?




¿Quiénes participan de un producto audiovisual? Depende. Pero podríamos listar algunos cargos básicos:
1. Productor/a: El área de producción es aquella que se encarga del manejo de la organización de un producto audiovisual. En el momento de la pre producción se encarga de establecer presupuestos, proponer cronogramas, realizar gestiones de permisos y burocracias del estilo. Coordina con las demás áreas cada una de las necesidades y delega las responsabilidades supervisándolas. Si bien todos deben de colaborar en este tipo de actividades, el área de producción es la que tiene la responsabilidad de llegar al rodaje con todos los contactos hechos, todos los equipos listos y con un grupo de asistentes que ayuden a que todo el rodaje fluya según lo planificado.
2. Director: El director es el que está encargado de decidir si lo que se está haciendo, visualmente hablando, es fiel a lo planificado. Se encarga de cuidar la historia, las líneas dramáticas, trabajar con los actores. En la pre producción es el que trabaja, junto con el productor, el diseño de producción y coordina con las demás áreas las propuestas visuales para articularlas en una sola línea. Dirige los ensayos y supervisa las pruebas. En el rodaje trabaja con los actores y aprueba o desaprueba una escena.
3. Director de Fotografía: El área de fotografía es la encargada de hacer la propuesta de composición, iluminación y color, además de definir la estrategia visual con la que se plasmará la propuesta del director. Dentro del área de “foto” hay dos cargos que se pueden repartir: camarógrafo y gaffer. El primero es el operador de la cámara y el que se encarga del registro, el segundo es el responsable del manejo de los equipos de iluminación (luces, stands, gripería, etc.)
4. Director de Audio: El cuidado del registro sonoro queda en manos del director de audio. ¿Qué micros utilizar? ¿qué estrategia de registro tener? ¿qué efectos poner? Siempre atento a los sonidos y los silencios, el director de audio tiene la responsabilidad de que todo suene como lo planificado.
5. Director de Arte: Si el director de foto de encarga de la iluminación y el color, el director de arte se encarga de proponer los objetos que serán iluminados y coloreados por el primero. Objetos como: vestuario y utilería, de modo que el plano visual (la base de todo producto audiovisual) sea coherente a lo planificado.
6. Editor / post productor: Hay mucha discusión en este tema teniendo en cuenta el avance cada vez mayor de la tecnología. Sin embargo, según la tradición el editor se encarga de utilizar todo el material en bruto y construir con él una historia coherente e inteligible, siguiendo las líneas narrativas establecidas por el guión. El post productor de video tiene una labor distinta. Es el artista visual que se encarga de la coherencia visual (luz y color) y los efectos, tipografías (diseño de títulos, letras) que hagan falta. Existe un post productor de audio que se encarga de la pista sonora: audios, foleys (efectos de sonido) y música. El trabajo de post producción es complejo e implica el trabajo de varias personas: editor, efectista, musicalizador, folista, etc.



El equipo humano en un producto audiovisual varía dependiendo de muchas cosas.
¿De qué depende?
1. De la naturaleza del producto: Si es ficción o documental la cantidad de gente participando va a ser muy diferente.
2. Del presupuesto: Mientras más presupuesto más gente puede trabajar del proyecto y por lo tanto más grande la producción. Piensen en la cantidad de letritas que salen como créditos al final de una película clásica de Hollywood. Si decimos que son 200 personas igual nos quedamos chicos.

Típico final de Hollywood. "I know" y el auto se pierde en el horizonte, fade a negro y créditos. Esta vez fue Terminator I.



Miren este inicio. Lars Von Trier en Los Idiotas. El final es más expresivo, pero ahí sí peco de spoiler.



Esta lista se pretende muy general y pensado para un rodaje a mediana escala. Espero comentarios, sugerencias y opiniones. El próximo post será acerca del trabajo audiovisual en internet, verán algunas diferencias.

Algo sobre el cinematógrafo de Lumière

Capturar la realidad fue siempre la búsqueda de los seres humanos. Desde las pinturas rupestres, la producción de artesanía ceremonial, las obras de arte griego, las del Renacimiento, los inicios de la fotografía, hasta la llegada del cinematógrafo, todos ellos fueron intentos que respondían a la necesidad de expresar el dinamismo de nuestra vida cotidiana.

En este post presentaré un breve panorama del trabajo con las imágenes en movimiento. Con el cinematógrafo la idea de capturar la realidad en movimiento finalmente se hizo del todo posible. El invento de los hermanos Lumière inició una increíble revolución en la Europa de finales del s. XIX. Si tomamos este como el inicio del cine podríamos decir que el cine nació documental. Aquí algunas tomas de lo que se presentó aquella noche histórica del 28 de diciembre de 1895 en el Salon Indien del Grand Café, en el Boulevard des Capucines, en París. Si le quitan el sonido estarán algo más cerca de cómo fue en realidad.





El cine funciona por un fenómeno óptico, natural en el ojo humano, denominado persistencia retiniana. Esto se explica más o menos diciendo que cualquier imagen que veamos de la realidad se queda en “nuestra retina” una décima de segundo. Prueben mirando algo fijamente durante un tiempo y luego cierren los ojos, verán que la imagen se queda y, durante un tiempo muy breve, vemos con nuestras párpados cerrados. En este blog tienen buenos ejemplos de esto.

El cine aprovecha este fenómeno y registra y reproduce la realidad a 24 cuadros por segundo generando el efecto de movimiento de los objetos.

Una vez que los Lumière vieron el potencial del cinematógrafo, lanzaron a sus operadores de cámara por todo el mundo a registrar imágenes de otras culturas.



El próximo post será sobre el trabajo del registro: el equipo necesario y el trabajo de pre producción.

La composición y los planos

Voy a trabajar este post sobre estos dos conceptos partiendo de que se aplican los mismos criterios de composición y los mismos tipos de planos tanto para la fotografía como para el cine y el video.

Composición:
La composición es el trabajo de construir un cuadro, ya sea fotográfico o cinematográfico, a partir de la armoniosa disposición de los elementos dentro de este espacio. Hay que tener en cuenta que la foto y el video son capturas de ciertos momentos y espacios de la realidad por lo que el ojo que haga esta captura deberá elegir la manera en la que va a realizar la selección y captura de este pedazo de realidad.

Para componer existe un concepto básico: La ley de tercios. Consiste en dividir el cuadro de la realidad que vamos a capturar, en tres bloques de arriba hacia abajo y otros tres de izquierda a derecha, utilizando cuatro líneas imaginarias.







En la medida que los objetos principales de la foto se ubiquen en los puntos en los que estas líneas se cruzan, mejor compuesta está la foto.

Algunas recomendaciones bien interesantes sobre la composición las pueden tener en el manual thewebfoto.com o en todo caso en este video muy cortito y simple (incluye un cherry a Olympus)

La cámara fotográfica

La cámara es un aparato que permite el paso de la luz para capturar, imprimiendo sobre una superficie fotosensible, una selección de la realidad.

La cámara tiene dos partes principales: el cuerpo y el lente u objetivo. A partir de estos dos iremos mencionando cada una de las partes internas.



En el cuerpo encontramos:
El visor: A través de este elemento podemos observar la perspectiva y campo visual que tiene la fotografía.

El obturador: Es una cortinilla que controla el tiempo de exposición de luz, es decir, el tiempo en el que la luz incidirá sobre la película emulsionada o el chip fotosensible.

Los botones de menú y setting de la cámara: en algunas cámaras permite un uso más libre y manual, en otras solo se puede elegir entre varios settings previamente programados. Se puede variar la temperatura del color, la velocidad de obturación, la resolución de la cámara, la sensibilidad de la película (iso/asa), etc.

En el objetivo podemos encontrar:



El anillo de foco: Enfocar es una acción natural y automática que hace nuestro ojo para lograr la nitidez necesaria según la distancia que separe nuestro ojo del objeto. Esto es lo mismo que hace el foco mecánico de nuestras cámaras.

El anillo de zoom: Si bien algunos lentes son fijos, existen también lentes variables. El anillo de zoom sirve para ajustar la distancia focal. La distancia focal se mide en milímetros. Por ejemplo hay lentes de 28mm (angulares), 50mm (normales), 135, 200, 400 o más (tele objetivos)

El anillo de diafragma: con él determinaremos la apertura del diafragma. ¿Que qué es el diafragma? Es un sistema (usualmente un disco o un sistema de aletas) que permite el paso de luz a través del lente para afectar a la película emulsionada o al chip fotosensible. Cumple la misma función que el iris de nuestros ojos, a más luz más cerrado a menos luz más abierto.

Para tomar una fotografía debemos tener en cuenta:
El sujeto u objeto a capturar: Antes de hacer la foto, definamos qué queremos, cómo lo queremos y para qué lo queremos. Sólo de esta manera podremos analizar todas las posibilidades ópticas que nos da nuestra cámara fotográfica.

La luz: En realidad aquí podríamos decir que nos referimos a observar, con claridad y profundidad, el entorno y definir así, qué tenemos y qué nos falta para fotografiar lo que queremos. ¿Hay suficiente luz para la fotografía? ¿Necesito flash? ¿Hay contraluz? ¿Puedo hacer la misma fotografía desde otra posición o en otro lugar?

El color: En relación a lo anterior, el color depende mucho de la luz ambiental y de la potencialidad técnica de nuestra cámara. Conociendo bien el lugar y conociendo bien nuestra cámara tendremos buenos resultados o por lo menos los mejores resultados que podamos.

En el próximo post discutiremos algunas recomendaciones para hacer un buen registro fotográfico de un espacio y sus sujetos.

Les dejo algunos álbumes de fotógrafos peruanos muy interesantes. Fernando Fujimoto acompañó al cortejo fúnebre que llegó a Putis, en Ayacucho, con los restos de 92 personas asesinadas por las fuerzas del orden en 1984.

Dante Piaggio vuelve a Pisco para hacer un registro de la situación. Dos años después las cosas parecen no haber cambiado mucho.

Juan Ponce, un gran viajero y caminante, llegó hasta Ninacaca a 22km de Chaupimarca, el Centro de Cerro de Pasco. Aquí se encuentra una de las iglesias más antiguas de Sudamérica y uno de los cementerios más coloridos.

Otrosí digo (copiándome de los bloggers poseros que utilizan siempre esta frase) : Un buen curso virtual de fotografía pude encontrarlo aquí. Hay cosas muy interesantes y en un par de temas me da la contra. Siempre es bueno discutir.

Algunas recomendaciones para iniciar el registro de la voz:

En el caso de una entrevista debemos ubicar al entrevistado en un espacio lo más aislado posible de sonidos que no podamos controlar. Recordemos que todos los espacios tienen sus propios sonidos y, por lo tanto, sus propios silencios, es por ello que es necesario que sepamos claramente las características de uno y otro.

Si bien un salón, un cuarto o una oficina son buenos lugares para hacer una entrevista, muchas veces pueden traernos algunos problemas. El eco es el más común de ellos. El eco es un fenómeno sonoro que sucede cuando las ondas sonoras son reflejadas con la misma intensidad y frecuencia pero con una fracción de segundo de retardo. Esto pasa cuando el espacio cerrado donde estamos haciendo la entrevista está totalmente vacío, de modo que las ondas viajan libremente y no chocan con los objetos. Si grabamos sin cuidado una entrevista en un lugar vacío, lo que vamos a tener en nuestras grabadoras es el sonido de la voz humana ensuciado por su eco. Una buena recomendación es alejarse del centro del espacio, pues es allí hacia donde rebotarán las ondas sonoras. Sirve también, en la medida de lo posible, llevar a nuestro entrevistado a un rincón del espacio. De esta manera, el entrevistador se pone al frente dándole la espalda al centro y dirigiendo el micrófono de su grabadora a la fuente del sonido, es decir, la boca del sujeto. Unos 20 centímetros de separación entre fuente y micro son suficientes.

En una entrevista, no siempre podremos estar todo el tiempo con el micro o la grabadora en la mano dirigiéndola a nuestro entrevistado pues, o nos da un calambre de pesadilla o moveremos tanto el equipo que haremos ruido, el clásico ruido de mala manipulación. La recomendación aquí sería hacer que nuestro entrevistado se siente en una silla, nosotros en otra y con una mesa al medio. De esta manera tenemos un lugar donde dejar nuestra grabadora o micro. Es recomendable poner la grabadora en línea recta a la fuente del sonido y sobre un pañuelo que permita que no resbale y que sirva de aislante de los sonidos que puedan conducirse a través de la mesa (como el tamborilleo de los dedos, por ejemplo)

Cuando se trata de registrar a una persona cantando, las cosas cambian. Muchas veces los cantantes varían radicalmente las frecuencias de sus ondas sonoras. Pasan de agudos a graves en poco tiempo, por lo que conviene alejarse un poco de la fuente del sonido para que la ondas no golpeen directamente el micro y no haya saturación. Dependiendo de la voz del sujeto, conviene alejarse 50 centímetros o 1 metro. En este caso, es muy recomendable utilizar esponjas o telas que logren filtrar los picos en el sonido, con un poco de esponja porosa podemos obtener buenos resultados.

Las buenas ideas surigirán en la medida que sepamos claramente qué es lo que queremos y en la situación en la que nos encontramos. Aquí los dejo con algunos trabajos sobre la entrevista:

En Pisco encontramos no solo maquinaria pesada ni autos a todo correr. Las voces de los niños hacen de este audio una experiencia desgarradora.


Este trabajo grafica la importancia de la edición y post producción. El grupo de la Tradición gallera.


La cafetería se puede convertir en un bombardeo de experiencias sonoras: máquinas, voces, platos, cubiertos.




Abrimos el foro, opinen acerca de sus trabajos ¿Qué otros tipos de registro de voz humana podrían existir?

Hacer el registro de la voz humana implica varios pasos y varias cosas a tener en cuenta. Lo primero es definir lo mejor posible ¿por qué? y ¿para qué? se está haciendo. Las siguientes preguntas - el ¿quién?, ¿dónde?, ¿cuándo? - servirán para organizar mejor el plan de registro. Partamos diciendo que el mejor lugar para grabar la voz humana es un estudio de grabación de sonido, con el aislamiento, control y equipos que eso implica. Pero, como en nuestras experiencias de campo puede ser un poco complicado acceder a un estudio, pues tenemos que agenciarnos.

El ser humano percibe sonidos entre los 20Hz y 20 000Hz de frecuencia. Y en la medida que envejece se va haciendo más corto este rango. A menos frecuencia (p.e. 20Hz) más grave es el sonido, así, mientras más frecuencia (p.e. 20 000Hz) más agudo. Teniendo en cuenta estos dos extremos podemos decir que la voz humana promedio se ubica en el sector medio de este rango. Esto es, aproximadamente entre 80Hz y 250Hz. Claro que hay mujeres con voces graves y hombres con voces agudas, pero el rango es ese. Muchos sonidos del ambiente tienen frecuencias parecidas a la voz humana. El viento, el mar, el sonido de algunos motores y de algunos instrumentos musicales.

Es por ello que para hacer un buen registro de voz debemos saber cómo reaccionan nuestros equipos frente al ambiente sonoro natural. Para ello aquí algunas recomendaciones:

a) Probar el equipo: esto incluye el micro, la grabadora, las baterías todo debe de estar en óptimas condiciones. Luego probar la reacción de este equipo en el lugar donde planeamos hacer el registro.
b) Conocer el lugar: ¿Es un lugar de vientos fuertes? ¿De dónde viene el viento? ¿Estamos cerca al mar? ¿Hay trabajos de construcción cercanos? ¿Motores, alarmas? ¿Qué sonidos imprevistos podrían aparecer? Esto último suena a trabajo de adivino, sin embargo no es así. Imaginemos que hacemos una entrevista al mediodía a unos ingenieros en sus oficinas al costado de un edificio en construcción. Podemos saber que a partir de la 1:30 o 2p.m. los obreros retomarán sus labores e interrumpirán la conversación sin previo aviso. Lo mismo si estamos registrando la voz de un cantante muy cerca de una playa de estacionamiento, la posibilidad de que suene una alarma es muy alta.
c) Conocer al sujeto de estudio: ¿Cómo es su voz? ¿Grave o aguda? ¿Suele gritar? ¿Suele ser muy histriónico? ¿Es más bien nervioso? Hay personas que suelen golpear el escritorio donde están o tamborillear con los dedos o jugar con un lapicero. Si nuestra grabadora está sobre ese escritorio lo único que vamos a escuchar será ese sonido a manera de golpes.

No siempre acercar mucho la grabadora a la boca o a la fuente del sonido implica un mejor registro. En el siguiente post veremos algunas posiciones recomendables para una buena entrevista.

Muy pocas veces se presta atención al registro de la voz humana. Se la toma a veces como parte del cotidiano trabajo de campo y se la cuida en la medida que el sonido sea inteligible para una buena transcripción. Sin embargo, el registro de la voz humana implica un reto especial. Y depende mucho de varios factores. Primero, debemos definir qué es lo que vamos a grabar (¿una entrevista? ¿un poema recitado? ¿una voz que canta?) segundo, saber para qué la queremos (¿es para transcribirla pues solo nos importa la información que transmite? ¿para trabajarla? ¿para analizar sus matices? ¿para construir un producto sonoro o audiovisual?) tercero, conocer en profundidad el contexto en donde se hará el registro (no solo el espacio y sus características, sino también la historia alrededor de él. No es lo mismo grabar a alguien cantando en un cementerio que a alguien cantando en su casa con las diferencias físicas y simbólicas que ello implica).

Actualmente hay muchos equipos para grabar la voz. Se usan mucho aún las grabadoras de cinta magnética, sin embargo, las grabadoras digitales son cada vez más utilizadas. Lo más importante es conocer bien nuestros equipos y saber cómo reaccionan frente cada situación. Tengamos en cuenta algo: la voz humana tiene distintas frecuencias y matices que se perderán indefectiblemente en la medida que hayan más factores sonoros externos. También es muy importante saber cómo grabar. Si no miren a este francés que hizo un registro sonoro de una voz sobre un papel. Nunca lo pudo escuchar claro, pero está bastante bueno para no ser digital. De cómo grabar hablaremos en el siguiente post.