¿Por qué exótica?. Es quizás la mejor forma de aproximarse a esta película. La descripción simple no basta para entender la naturaleza de la pregunta y lo visible en ella asemeja a la punta de un iceberg.

El juego de la palabra Exótica nos remite inmediatamente a la bailarina vestida de colegiala, a la imagen de Mia Kirshner sobre un escenario reacio, triste y solitario. Exótica es en si la bailarina, pero no únicamente. Exótico es el desarrollo, las mezcla de imagines y acciones, los actores transitando por un mundo contradictorio, la oposición constante de luz y sombra. Una guerra interminable que no se desequilibra nunca. Los bandos se anulan mutuamente. La sensualidad y el ambiente pérfido son la constante en la muestra visual de Egoyan.

Exótica es la sensualidad lograda bajo lo sugerente del baile, entregando las dosis necesarias para mantenerse atento. La relación de los personajes, la canción impropia de club “Exótica”, las presentaciones desfasadas, el visitante eterno de una mujer imitando a una niña, dotándola de lo que la inocencia priva: el deseo instintivo por lo opuesto. Egoyan revela para nosotros los placeres y temores de un mundo que parece construido solo para los personajes de la película que sin problemas transitan por la historia. Egoyan juega con los deseos del espectador, con su base instintiva, con el deseo sexual sobre lo que se mira. Eso provoca que lo visible sea solo punta del iceberg, pues lo monumental de la obra se inadvierte, hasta que ya muy cerca, al final, nos estrellamos con el fondo, con la colosal base de un mundo en contraste.

Prohibido tocar. Existe algo más exótico que la lucha entre el deseo y razón, entre naturaleza y ubicación. Los deseos instintivos son los más visibles. La vida social, la civilizada, se esconde de base. Los personajes se recluyen en un mundo donde todo se ha olvidado, años de instituciones, de programas, de evolución social, y se refugian en un mundo oscuro, marginado, llevado al límite, escondido del prejuicio y las creencias falsas. El ser evolucionado de la luz constante añora el espacio oscuro y triste, asumiendo su sexualidad como aliciente para continuar, sabiendo que en algún momento debe volver al mundo del que huye.

Egoyan construye todo, pero deja una pieza suelta, la misma que invita a mirar la película hasta el final. Tal vez no se note, pero en sí el espectador desea entender siempre la naturaleza de la relación entre el visitante y la bailarina, ya que cada uno tiene una fijación el uno por el otro, que escapaba el simple deseo sexual o a la simple perversión. Hay algo de fondo que no se entiende. Él siempre la visita, pero nunca ha intentado tocarla. Y ella baila solo para él, es decir lo disfruta, siente en ella cierta paz, como quien cumple con una misión, una responsabilidad que hasta el final no se comprende.

El quiebre de esta interacción desatará los hechos y nos mostrara los campos visibles, y estaremos más cerca de describir la naturaleza del iceberg. La vida social civilizada, aquella de la luz constante, es el monstruo y origen del deseo instintivo, simple y llano, sexual y erótico.

Egoyan hace de Exótica un espejo, capaz de reflejarnos como seres humanos, viviendo y refugiándonos en nuestras propias contradicciones.

Eastern Promises encierra en ella un encanto que no había encontrado en otras películas sobre mafias. Para algunos no es usual que palabras como encanto y mafia se hallen en una misma oración, pero tratándose de películas no hago referencia al contenido social de la historia, sino a la expresión cinematográfica (literaria también) lograda con ella.

Es inevitable que la palabra mafia en el cine se relacione inmediatamente con “The Godfather”, del genial Francis Ford Coppola. El encanto encontrado en Eastern Promises no la hace superior al trabajo de Coppola pero la individualiza y escapa exitosamente de la sombra que “The Godfather” había proyectado y de la cual muchas películas de mafias no lograron escapar, arrojando copias mal hechas de un original difícil de igualar. El trabajo de Cronenberg alcanza un punto muy alto en su desarrollo, después de la grata sorpresa (a titulo personal) de “A History of Violence”.

Alejados de la Cosa Nostra de New York, Eastern Promises nos mete en la historia de la mafia Rusa dentro de Inglaterra. El contraste entre ambas culturas resalta las actividades de la mafia, como una luz sobre un fondo oscuro. Las sobrepone, como un constante alto relieve, que atrae profundamente e invita a seguir viendo. Dentro de este marco la historia se desarrolla, mostrándonos una mafia distinta, que si bien tiene algunos componente similares con la obra de Mario Puzo, como la importancia de la familia, no puede compararse, ya que el concepto de familia en “The Godfather” encierra componentes latinos que la hacen muy estrecha y hasta cariñosa, que por el contrario en Eatern Promises no son reproducidas, ya que el afecto familiar es de corte europeo que lo hace abierto y distante, lo que se refleja en un efecto frió y seco entre la interrelaciones.

Todo este marco es preciso para que Mortensen desarrolle uno de los mejores personajes sobre mafiosos. Su porte y presencia, así como su aspecto imperturbable, hacen de Nikolai un personaje atípico, incluso dentro de la película. Nos acerca tanto a la deshumanización que no es nada sencillo presagiar el final. Nos envuelve en sus acciones calculadas y frías, como un fantasma, inmutable, etéreo, pero siempre presente. Nikolai no posee las imperfecciones humanas más sencillas como la prepotencia, la inmadurez, la soberbia… se mueve ágilmente conjugándose con cada uno de los personajes, rozando la perfección del mal: una persona sin miedo.

Los temores son límites claros que nos humanizan y permite la vida en sociedad. Cuando un ser humano supera en serio su temores amplia su campo de acción y desarrollo. Pero nadie ha estado cerca de eliminar todos los miedos. Nikolai nos invita a echar un vistazo de cerca, donde todo puede trastocarse, cuando los límites han sido superados.

Todos los demás personajes son constantes observadores, movidos por Nikolai. Los males sociales de la película evitan que nos despeguemos del plano donde Nikolai habrá de revelar para nosotros los deseos oscuros y frágiles de cada individuo, y a pesar de su condición será capaz de superar el ambiente sombrío de la mafia en conjunto, para ubicarlo en un plano que ninguno de nosotros esta cerca de alcanzar, pues “como puedo ser uno rey si el rey sigue en su sitio”.

Pensé repetir el método de los anteriores comentarios, pero el ejercicio de entender el mismo hubiese sido excesivo, en tanto la película es de por sí un reto para el espectador y llevarlo por más ejercicios mentales podría generar un efecto que no deseo: el no disfrutar de la película.

En los anteriores comentarios me centré en los efectos de las películas y trate de construir nuevos supuestos donde pudiesen reproducirse, como el niño que se queda dormido y sueña con ir al parque; al despertar está en el auto y ve a otros niños jugando, mientras sus padres tienden una manta sobre pasto: El constante fantástico de la realidad.

En The Fountain ocurre una división de historias como oposición a una historia lineal, siendo meras historias desarrollándose a lo largo de la película. Sin embargo, más que una llana separación que suele ligarse por una idea general que da sentido a la película, The Fountain hace que las tres historias no se separen como parece, sino trabaja con historias simultáneas pertenecientes a una única historia.

Esto último no es fácil de comprender, así que vayamos por partes. El uso de los mismos actores para desarrollar historias temporalmente separadas denota la intención de que la historia sea una sola y no tres, por ejemplo. ¿Qué sentido tiene percatarse de esto? Bueno porque solo de ese modo se puede completar y entender las historias aparentemente confusas que se creen incompletas u oscuras.

Una película que une historias por una idea general es más sencilla, ya que cada historia es completa por sí misma y no hay que relacionar una con otra. Ciertamente, The Fountain no obtiene meritos por emplear una técnica narrativa y no otra, sino porque ha logrado una fusión entre ambas con un efecto muy bueno, ya que para entender esta única historia se ha relativizado un elemento en una de las sub-historias (por utilizar algún termino) cuya importancia final cierra el círculo. Es decir, este elemento no se halla resaltado (como la idea general que une cada historia) en ninguna de las sub-historias. Parece más bien muy vago ya que sólo en una de ellas es más o menos expresa: el amor.

Probablemente suene a un tema trillado (lo primero que evoca la palabra amor es cursilería), pero sobre historias no importa el tema sino la técnica en particular, la visión y expresión individualizada: hay muchas formas de hablar de un mismo tema, pero solo pocas pueden ser expresiones artísticas. Uno de los temas más recurridos en el cine se configura como el elemento que da sentido a las historias en la película. Llevados por un buen trabajo narrativo, el conquistador y el astronauta cobran sentido cada uno en su propio viaje por un móvil casi oculto. La vida eterna, la búsqueda del árbol de la vida, el viaje incomprensible, la ciencia infructuosa, son movidas por la necesidad humana de querer y apreciar lo se tiene, en una mezcla aun no clara que se resume como amor.

Debemos imaginar que cada historia completa una única historia, sobretodo cuando un tema como el amor tiene tantas aristas que cada historia sobre él parece incompleta. Y para aquellos que gustan de precisiones deberán tomar en cuanta el titulo como recurso válido de interpretación: la fuente en sentido amplio y quizás la fuente de todo lo que se ha hecho hasta ahora buscando la perfección (con todas sus variantes, matices, aversiones, perturbaciones…). Que hecho o que intento de hacer las cosas buenas no conlleva o no se deriva de un afecto único y particular, confundible y clasificable como amor.

A manera de precaución: no debe compararse expresiones artísticas (cine, teatro, literatura…), por ser un ejercicio inútil y tonto. Lo que se puede lograr en uno, no se puede hacer en la misma magnitud y a veces ni siquiera con similitud en otros. Hay que separarlos siempre cuando la base de un trabajo se sustenta en una disciplina distinta.

Debo admitir que este comentario se debe más a una profunda admiración por el cómic de Allan Moore y Dave Gibbons que por la película de Zack Snyder. Mas comentarla en el blog obedece a una serie de sentimientos encontrados que arrojan un saldo favorable para esta película, pudiendo calificarse como satisfactoria aunque no necesariamente como una buena película (una película gana por K.O. o por presentaciones memorables, pero no por puntos únicamente). He leído algunas críticas (por desafortunados eventos) que parten del cómic para mostrar falencias de la película, desilusionados por no encontrar el impacto del mismo. Lamentable ejercicio de comparación con un resultado ya previsto. El cómic es inmensamente más rico, más bello y encierra una genialidad que no se había logrado antes. Abarcar, con detalles y riqueza, los doce números de Watchmen en dos horas y media de la película es por decirlo de algún modo: imposible.

Advertidos, debo decir que los primeros minutos asumen, con elegancia y acierto, una exposición visual muy interesante que encierra al espectador en el deseo de conocer lo que viene con la misma intensidad del inicio. El trayecto nos empuja a enfrentarnos con un boom informático: muchos datos a entender, pero que con solvencia se han resumido. Aquí radica la mejor parte de la película y termina por salvarla de su apresurado final, que diluye el impacto que el desenlace debe generar, conforme al desarrollo de los minutos iniciales. La última parte es un intento de concluir la historia, pero el efecto no es el mejor, ya que entre no maltratar al público neoyorquino reviviendo eventos dolorosos (en si a todo el público estadounidense) y dar un mensaje esperanzador impropio (como la reconstrucción) terminan por hacer del final uno sumamente vulgar y patético que desmedra el esfuerzo puesto en la primera parte. El decaimiento se nota después del desarrollo del cómic de Rorschach, más o menos pasada la mitad de la película.

Sin embargo, resulta siendo satisfactoria ya que no es por completo un blockbuster como al que nos acostumbra Hollywood, sino que el esfuerzo técnico por intentar contener los detalles del cómic nos entrega una puesta visual agradable, que permite sujetarse a la película, verla. En si hay un espectáculo, una pelea que no decepciona pero que, sin embargo, no deslumbra. La dedicación por la recreación visual, que todo cómic siempre presenta como reto a quienes se basan en él para realizar un trabajo, hace que pasemos por alto las típicas tendencias del blockbuster que son las exaltaciones de la violencia y el sexo (sin olvidarnos del mensaje de esperanza o moralidad simplona), que normalmente se hacen en desmedro de la historia y la técnica (y algunas veces del sentido común).
Para aquellos que leyeron el cómic, y disfrutaron de él, resulta un ejercicio muy complicado el separar juicios en cuanto a uno y a otro. Creo que la película cumple con su cometido, aunque en ella no haya mucho que resaltar.

Para quien no ha leído el cómic puede disfrutar de él en los términos descritos, sin embargo, puede encontrarse ciertas dudas por temas mejor desarrollados en el cómic que en la película, aunque considero difícil que se arrepientan de haberla visto. Es más, de mis recomendaciones, solo escuché una réplica, a manera de reclamo, proveniente de un amigo, ya que cuando se enteró de mi interés por la película y me preguntó el porqué del mismo solo se me ocurrió contestar: “porque se basa en el mejor cómic de la historia”. Días después, con la película ya estrenada se sintió un poco disgustado y me increpó, pues obviamente no había encontrado aquello que una frase como la que dije puede generar. De ahí la precaución inicial para evitar otros disgustos, pues lo que le dije a mi amigo no deja de ser cierto, solo que hay que evitar confundir sentimientos que provocados o generados no pueden desligarse de su propio contexto y en el cual, por un lado, hay una película satisfactoria y por otro, algo distanciado quizás, el mejor cómic de la historia.